sábado, 31 de agosto de 2013

Johnny Smith




John Henry Smith (25 de junio de 1922 en Birmingham, Alabama, Estados Unidos - 12 de junio de 2013) fue un músico de cool jazz estadounidense y guitarrista de mainstream jazz. Él escribió la canción "Walk Don't Run" en 1954.

Durante la Depresión, la familia de Smith pasó de Birmingham a través de varias ciudades, terminando en Portland, Maine. Smith aprendió a tocar la guitarra en las casas de empeño, que lo dejaban tocar a cambio de mantener la guitarra afinada. A los trece años de edad enseñó a otros a tocar la guitarra. Uno de los estudiantes de Smith compró una nueva guitarra y le dio su vieja guitarra, que se convirtió en la primera guitarra que Smith poseía.

Smith se unió a Uncle Lem and the Mountain Boys, una banda hillbilly local. La banda viajó alrededor de Maine, tocando en bailes, ferias, y lugares similares. Smith ganó cuatro dólares por noche. Abandonó la escuela secundaria para dar cabida a esta empresa.

Después de interesarse por las bandas de jazz que escuchaba en la radio, Smith practicó tocando jazz. Dejó The Mountain Boys cuando tenía dieciocho años para fundar un trío de jazz llamado Airport Boys.

viernes, 30 de agosto de 2013

Maxine Sullivan



La cantante Maxine Sullivan debutó en los años treinta en la radio y tras ser oída por la pianista Gladys Mosier, ésta se la recomendó a Claude Thornill, un célebre pianista y director de orquesta de la primera época del swing. Con Thornill, Maxine Sullivan realizó sus primeras grabaciones para el sello Vocalion, tanto en la bigband como de solista. Uno de sus éxitos tempranos, fue una versión personalísima de un tema folklórico escocés de titulo: "Loch Lomond" que la hizo muy popular. Trabajó posteriormente durante buena parte de su carrera en el sexteto de su marido, el popular director de orquesta, John Kirby, con quien actuaría además muy frecuentemente en uno de los clubes mas emblemáticos de Harlem, el "Onyx Club".

Después de participar en algunas películas como actriz secundaria y cantante, caso de "Going Places" o la mas conocida "St. Louis Blues", Maxine Sullivan fue contratada por Benny Carter para realizar en 1941 una larga gira. Tras dejar a Benny Carter, estuvo algunos años desaparecida de los escenarios hasta que reapareció a finales de los años cuarenta para viajar a Europa. Maxine Sullivan llegó a los años cincuenta habiéndose diplomado en enfermería y alternó esa profesión con el estudio del trombón, instrumento con el que reaparecía posteriormente en 1958, tras otro largo paréntesis de inactividad. Entre 1959 y 1969 grabó varios discos y actuó regularmente con la "World Greatest Jazz Band", participando en numerosos festivales de jazz del mundo, entre ellos, el de Newport o el de Niza.

jueves, 29 de agosto de 2013

Billy Strayhorn



Billy Strayhorn estudió en Pittburgh compaginando la escuela con el piano y la composición, lo que le permitió entrar muy joven en la orquesta estudiantil de su instituto. Su vida está indisolublemente ligada a la de Duke Ellington, formando ambos una pareja que desde el punto de vista musical fue de una brillantez extraordinaria. De carácter reservado, en 1938 su vida cambió para siempre cuando se presentó ante Ellington como letrista de canciones y compositor, llevando bajo el brazo una obra maestra intemporal como fue "Lush Life". Con semejante carta de presentación, Ellington le ofreció trabajar para él, dando comienzo una relación que duraría veintiocho años, justo hasta la muerte del propio Strayhorn, acaecida en 1967.

La importancia de su aportación a los éxitos de Duke Ellington es enorme y su llegada coincidió con uno de los periodos de mayor creatividad de la orquesta delDuke. Aunque es difícil discernir donde empezaba el trabajo de uno y comenzaba el del otro, lo cierto es que ambos músicos formaron una pareja que ofreció al jazz una de las mejores paginas de su historia. Suyas fueron composiciones que hoy son verdaderos standars del jazz moderno y es preciso destacar: "Take the "A" Train";"Chelsea Bridge", la ya citada, "Lush Life" y las suites "Such Sweet Thunder" o"Perfume Suite". Sus composiciones han sido versionadas por infinidad de músicos, y entre ellas hay que destacar el homenaje que le rindieron dos extraordinarios músicos como fueron, el saxofonista tenor, Joe Henderson con su disco de homenaje titulado:"Lush Life" o el guitarrista Jimmy Rowles con su álbum tributo titulado: "Plays Duke Ellington and Billy Strayhorn".

miércoles, 28 de agosto de 2013

Slam Stewart



Slam Stewart comenzó a estudiar violín durante su niñez pasando mas tarde al contrabajo tocándolo en varias orquestas de la ciudad. Estudió en el conservatorio de Boston donde tuvo ocasión de escuchar al violinista Ray Perry que tocaba acompañándose con la voz; esa técnica la aplicó posteriormente Stewart, al contrabajo tocando con el arco y acompañándose con la voz, una octava por encima. Entre 1936 y 1937 tocó con "Peanust" Holland en la ciudad de Buffalo. 

Se trasladó a New York como muchos de los músicos de su época formando un dúo con el guitarrista Slim Gaillard "Slim and Slam" que obtuvo un éxito espectacular gracias a los programas de radio de la cadena WNEW y a una grabación que los encumbró al éxito en la lita de eventos de todo el país: "The Flat Foot Floogie". En la primavera de 1939 trabajó con el grupo: "Spirits of Rhythm" y en 1940 con la orquesta de Van Alexander. Ese mismo año se decidió a formar y dirigir su propio grupo actuando regularmente en el club "Kelly's Stable" al tiempo que mantenía su colaboración con Slim Gaillard. En 1942 ambos músicos decidieron separarse y en 1943, Stewart participó en la película "Stormy Weather" con la actriz y cantante Lena Horne como protagonista femenino principal.

Entre 1943 y 1944 formo parte del trío regular del pianista Art Tatum grabando con el pianista ciego abundante discografía. En el otoño de 1944 estuvo en el cuarteto deTiny Grimes y en febrero del año siguiente entró en la orquesta de Benny Goodmancon el que permaneció nueve meses. Viajó a Europa por primera vez en 1948 donde tocó con el trío del pianista Erroll Garner y posteriormente, ya otra vez en los Estados Unidos con el trompetista Roy Eldridge. Entre 1955 y 1957, trabajó con el pianistaBeryl Booker y tras dudarlo un tiempo volvió con su antiguo compañero de éxitos Slim Gaillard para una actuación en el Festival de Great South Bay en el verano de 1958.

Una afección cardiaca le obligó a abandonar la actividad musical durante una larga temporada y volvió a los escenarios en 1968 dirigiendo su propio trío en New York. Contrabajista clásico de una excelente técnica, Slam Stewart, formó parte del privilegiado honor de tocar establemente junto a Art Tatum, uno de los grandes pianista del jazz de todos los tiempos.


martes, 27 de agosto de 2013

Mike Stern

El guitarrista norteamericano Mike Stern, estudia piano por iniciativa de su madre, pianista clásica. A los doce años decide consagrarse a la guitarra, emulando a sus ídolos B.B. King, Eric Clapton y Jimi Hendrix. Aunque no se dedicó seriamente a estudiarla hasta que no entró en Berklee en 1971. Allí permaneció tres años, teniendo a Pat Metheny como profesor y a Bill Frisell como amigo. Tocó en los clubs locales, principalmente con el saxofonista Jerry Bergonzi, y en 1975 obtiene un contrato de dos años con Blood, Sweat & Tears y aparece en "BS&T’s More than Ever" y "Brand New Day". Esto le brindó la oportunidad de conocer a Jaco Pastorius y Don Alias, dos figuras importantísimas a lo largo de su vida.

En Boston, estudia con el pianista de jazz, Charlie Bacanos. En 1976 graba un disco de rock con Charlie & The Pep Boys. Después de diversos empleos, en 1979 trabaja con Billy Cobham sustituyendo a John Scofield. Al año siguiente toca con el saxofonista Bill Evans, quien lo recomienda a Miles Davis. Hizo su debut con la banda de Miles en 1981, en el Kix Nightclub de Boston; una actuación que fue grabada y lanzada por la CBS como "We Want Miles". Permanece con el trompetista hasta 1983 apareciendo en las grabaciones de "The Man with the Horn" y "Star People". Graba su primer disco en solitario y en 1984 trabaja con el grupo de Pastorius, en la gira "Jaco Pastorius’ World of Mouth Band" junto a Kenwood Dennard, batería; Alex Foster, saxos; Melton Mustafa, trompeta y Don Alias, percusión. 

Al año siguiente regresa a la formación de Miles Davis y empieza con él su segunda gira hasta finales de año.
En el verano de 1986 participó con el grupo de David Sanborn y compartió el escenario de Steps Ahead con Mike Mainieri, el saxofonista Michael Brecker, el bajista Darryl Jones y el batería Steve Smith. Entre gira y gira tocó en el 55 Bar de Nueva York, casi siempre en trío, con Jeff Andrews o Harvie Swartz, Adam Nussbaum, Victor Lewis, Joel Barron o Ronnie Burrage. Más tarde realiza su segundo disco "Upside Downside" para el sello discográfico Atlantic Records con sus compañeros Sanborn, Pastorius, el saxofonista Bob Berg, el bajista Mark Egan y Jeff Andrews, al piano Mitch Forman y el batería Dave Weckl y Steve Jordan.

En 1988 graba "Time in Place" con el sello Atlantic en compañía de Bob Berg, Brecker, Peter Erskine y Don Alias. En 1991 estuvo de gira con el saxofonista Bob Bergquien llevaba a la batería a Dennis Chambers y al bajo a Lincoln Goines. Entre 1989 y 1992 se unió a algunas de las actuaciones de los Brecker Brothers Band. En 1993 lanzó su disco "Standard" y lo llevó a ser nombrado El Mejor Guitarrista de Jazz del Año por los críticos y lectores de la revista Guitar Player. Le sucedieron éxitos como los obtenidos con los álbumes "Is what It Is" en 1994 y "Between the Lines" en 1996, ambos nominados a los premios Grammy.

En 1997 grabó "Give and Take" con el bajista John Patitucci, el batería Jack DeJhonette, el percusionista Don Alias y la colaboración especial de Michael Brecker y David Sanborn. Con un estilo enérgico y fogoso, tomado ampliamente del rock, su sonoridad puede cambiar a lo largo de un mismo tema, donde no duda en tocar con el timbre claro y ligero de los guitarristas bop, para bascular después, de forma brutal, en las colaboraciones retorcidas y ácidas, evocadoras de efusiones "hendrixianas". La guitarra, instrumento al que se le suele reprochar un sonido en exceso lineal, adquiere en sus manos una amplitud dinámica excepcional. Su fraseo es a la vez cortante y flexible, y su lenguaje armónico integra ágilmente el rock y el blues en un discurso más específicamente jazzístico. El álbum "Voices", que lanzó en el año 2002, también recibió una nominación a los premios Grammy.

lunes, 26 de agosto de 2013

Dakota Staton



Con una sólida formación musical desde su juventud, - estudió en la "Filion School of Music" de su ciudad natal Pittsburgh -, la cantante, Dakota Staton, comenzó su actividad profesional en la orquesta de su hermano para después seguir su actividad artística en solitario actuando en numerosos clubes canadienses y americanos. En 1955 sorprendió a la critica cuando la prestigiosa revista especializada en jazz "Down Beat", la nominó como máxima promesa del jazz vocal.

Su timbre duro y ácido, su fraseo cortante y tendente al grito, denotan la clara influencia de Dinah Washington en incluso la de Sarah Vaughan en el arte del scat. A finales de los años cincuenta se hizo bastante popular en los Estados Unidos gracias a algunas grabaciones con el pianista ciego, George Shearing. En 1957 deja paraCapitol, su disco mas redondo acompañándose de Jonah Jones y Hank Jones al piano"The Late, late Show". En aquel disco, la brillante interpretación del tema, Broadway, se convirtió a partir de entonces en uno de sus temas emblemáticos. En líneas generales, su relación profesional con la casa Capitol entre 1954 y 1962, está llena de momentos excelentes junto a Nelson Riddle, Benny Carter o Harry Edison. No fue tan brillante el grabado en directo en 1961 en el club "Storyville" de Boston con el pianista, Norman Simmons.

Tras una breve estación de paso en el sello "United Artist" y tras otra efímera estancia en Inglaterra, Dakota Staton, cayó en el ostracismo discográfico hasta nada menos que 1990, cuando firma por el sello "Muse" y debuta con un disco espléndido"Dakota Staton" (Muse, 1990). Lógicamente en estos últimos años su actividad musical esta seriamente ralentizada, pero lo que hace siempre está teñido de jazz.

domingo, 25 de agosto de 2013

Kay Starr

De padre Iroqois (nació originaria de lo que hoy es USA) y madre irlandesa, la cantante Kay Starr (Dougherty, 1922) tenía ya desde los doce años su propio programa de radio en Dallas y el violinista, Joe Venuti, la contrató para un show de música "hillbilly" y estuvo de gira con su banda por Menphis. De allí pasó a la orquesta de Bob Crosby, el hermano de Bing Crosby, con trabajos de una sola noche en distintas salas de baile. Tuvo la fortuna de que el show estaba patrocinado por la "Camel Caravan" y trasmitido por radio una vez al mes a toda América para que su voz fuese conocida y alcanzara enorme popularidad. Glenn Miller, el famoso director de orquesta, la contrató eventualmente en sustitución de su vocalista habitual, la rubia, Marion Hutton, enferma y cansada tras incesantes y continuadas giras con la orquesta.

Con la orquesta de Miller, realizo Kay Starr, sus primeras grabaciones oficiales:"Baby Me" y "Love With a Capitol You" recogidas en el sello Bluebird en 1939. Después de terminados sus estudios escolares vuelve con Venuti antes de incorporarse a la formación de Charlie Barnet, con quien volvió a entrar en los estudios de grabación en 1944 para grabar para los sellos "DECCA" y "V-Disc". Al año siguiente se decide a emprender su carrera en solitario formando parte de los "Capitol International Jazzmen", una especie de All Stars constituidos por Bill Coleman, Buster Bailey, Benny Carter, Coleman Hawkins, Nat King Cole, Oscar Moore, John Kirby y Max Roach. Su vivacidad en el escenario y su canto, alegre y desenfadado recordaba algunas veces a Ella Fitzgerald y en absoluto desentonó en compañía de tan ilustres músicos. Tras la II Guerra Mundial, Los Ángeles era un hervidero musical y números sellos fueron tras sus pasos para que grabara en distintos espacios y formatos musicales.

En 1947, Dave Dexter, la incorporó a Capitol hecho que marca el principio de su carrera de éxitos. Sus temas más populares fueron "Wheel Of Fortune" y "Rock And Roll Waltz". Sin embargo, hubo que esperar hasta su segunda vuelta a este sello en 1959, para que Kay Starr abordase un repertorio a su altura en contextos de índole jazzsiticos. Sus álbumes "Movin" (Capitol, 1959); "Movin' On Broadway" y "The Jazz Singer" ambos para Capitol en 1960, y los tres con la orquesta de Van Alexander, o el selecto disco "I Cry by Night", que cierra el ciclo Capitol en 1961, y grabado en pequeña formación con Ben Webster y Lee Young, entre otros instrumentistas, son su testamento musical.

Estos éxitos jazzisticos tardíos, la reconciliaban absolutamente con sus seguidores y la confirmaban como una cantante admirable aunque desgraciadamente demasiada cicatera con el jazz. Kay Starr, siguió mas o menos activa hasta finales de los años ochenta donde ya se retiró.


sábado, 24 de agosto de 2013

Lady Day & Prez (Segunda y última parte)


Un extraño brebaje
Seguro que Lester era mejor del mundo. Me encantaba su música y alguno de mis discos favoritos son los que tienen los solos de Lester. Recuerdo cuánto me odiaba el difunto Herschel Evans. Siempre que Basie hacia que un arreglista preparara algo para mí, yo le decía que quería que me acompañara Lester, lo que siempre molestó a Herschel. Pero no era que no me gustara su forma de interpretar, si no que me gustaba mucho más la de Lester. Lester cantaba con su sexo: lo escuchabas y casi oías las palabras. La gente lo consideraba presumido y pretencioso, pero es muy fácil herir sus sentimientos. Lo sé porque una vez lo hice. Pasamos hambre juntos y siempre lo adoraré, lo mismo que a su saxo. Con frecuencia pienso en la forma en que grabábamos en aquellos tiempos. Nos apeábamos de un autocar después de un trayecto de 800 km, e íbamos al estudio sin partitura y con el estómago vacío, salgo algún café o sandwich. Lester y yo tomábamos un brebaje al que dimos el nombre de "arriba y abajo": mitad gin y mitad oporto.

Lady sings the blues - Billie Holiday

viernes, 23 de agosto de 2013

Lady Day & Prez (Primera parte)


Lady Day y Prez
En medio, a la altura del pozo de ventilación, estaba el alojamiento de Lester. No era lujoso pero si muy superior al condenado hotel. Para mamá y para mí fue maravilloso tener un caballero en casa. Y Lester siempre fue un caballero.
Fue el primero que llamó "Duquesa" a mamá… Y ése fue el título que mi madre se llevó a la tumba. Es harto probable que Lester y yo también seamos enterrados con los nombres que nos colgamos mutuamente después que vino a vivir con nosotras.
En Log Cabin las chicas solían mofarse de mí llamándome "Lady", porque pensaban que yo me creía demasiado distinguida para recoger de las mesas las propinas de los clientes. Pero el nombre de "Lady" perduró, incluso después de que todos olvidaran cuál era su origen. Lester lo emparejó con las tres últimas letras de Holiday y empezó a llamarme "Lady Day".
En cuanto al nombre de Lester, yo siempre pensé que el era un tipo fenomenal, de modo que su nombre también tenía que serlo. En este país, los reyes, los condes y los duques no son nada y en esos momentos el hombre más grandioso era el presidente Franklin D. Roosevelt por lo que comencé a darle el nombre de "President". De alguna manera lo fueron abreviando y quedó en "Prez", pero sigue significando lo que estaba destinado a significar: el hombre más importante de este país.
Lady sings the blues - Billie Holiday

jueves, 22 de agosto de 2013

Marian MacPartland RIP



Otra gran pianista se fue a los 95 años.


Jeri Southern

La cantante Jeri Southern (1926-1991), fue una excelente baladista blanca que además tenía sólidos conocimientos de piano clásico adquiridos durante sus años de estudio en la "High Scholl" de Omaha. Su voz era intimista y tenía un gran control sobre ella y sus comienzos profesionales fueron en algunos night clubs de Nebraska, donde era originaria, y donde adquirió igualmente el cariño por el jazz. 


Desconocida casi para el gran publico, se traslada a Chicago, y algunos empiezan desafortunadamente a compararla con la celebre, Anita O'Day. su carrera discográfica comenzó a principios de los cincuenta, cuando firma un contrato con la compañíaDECCA con quien grabó su primer disco en 1954 "Intímate Songs". El notable éxito de aquella primera grabación, posibilitó que DECCA le volviera a ofrecer dos oportunidades mas en sendos discos grabados en 1955 y 1956, respectivamente. Sin demasiado éxito popular, rompe con DECCA y firma con el sello "Roulette" donde ahora sí, consigue sus mejores éxitos en los últimos años de la década de los cincuenta. El debut con Roulette es en 1958 con uno de sus mejores discos: "Southern Breeze" acompañada por el cuarteto del guitarrista, Johnny Smith. El éxito es tal, queRoulette le encarga grabar otro disco ese mismo año y en circunstancias similares y que igualmente salió redondo "Jeri Southern meets Johnny Smith" (Roulette, 1958).

Reconocida artísticamente y saldada su deuda con el jazz, el sello Capitol la contrata al año siguiente para grabar otro gran disco en homenaje al compositor Cole Porter: "Meets Cole Porter" (Capitol, 1959). Un par de discos mas y su rastro se pierde para siempre en el rincón de las cantantes olvidadas. Se retira de la canción, se dedica por completo a su familia, y nunca mas grabaría.


miércoles, 21 de agosto de 2013

Cedar Walton RIP


Cedar Walton, uno de los grandes pianistas del hard bop ha fallecido recientemente en su domicilio neoyorquino a los 79 años. 
Gracias por tú música.

martes, 20 de agosto de 2013

Janis Siegel

Nacida en Brooklyn, Nueva York en 1952, la cantante Janis Siegel aprendió sus primeras nociones de música a muy temprana edad y a los 12 años ya cantaba públicamente en el grupo de Laurel Canyon, un trío pop femenino con el que permaneció durante su enseñanza musical y que luego evolucionó en un conjunto folclórico acústico. Después de un encuentro con Tim Hauser en una fiesta, se adhirió al grupo fundado en 1972 por éste último: The Manhattan Transfer, el conjunto a cuatro voces que incluía a Laurel Massé y Alan Paul. El álbum de debut en 1975 bautizado con el nombre del grupo, fue un éxito enorme de ventas, de critica y contó desde el principio con el apoyo del público.

En estos años la magnifica voz de Janis Siegel se ha convertido en una de las marcas mas reconocibles del grupo. Fue la voz principal en los más grandes éxitos del grupo como "Operator", "Chanson D’Amour","Twilight Zone", "Birdland", "Rays Rockhouse", "Sassy", "Spice of Life" , "Mysiery" y "The Boy from N.Y.C". También se ha ganado el reconocimiento como arreglista vocal por su colaboración maestra en los CD del grupo Vocalese y Brasil , ganando con éste último un premio Grammy. Su arreglo de la pieza Birdland le dio otro como solista en 1980. En 1993 ella y sus colegas de Manhattan Transfer recibieron doctorados honorarios del Berklee School of Music y en 1999 se convirtieron en la primera clase de introducidos al Salón de la Fama de Grupos Vocales.

Su éxito como solista con el álbum: Experiment in White le permitió una segunda carrera en 1982 y en 1987 su siguiente trabajo en sólo con At Home le dejó nuevamente una nominación al Grammy como Mejor Voz Femenina de Jazz. Le han seguido reconocimientos de la crítica especializada y premios de diversa índole. Janis Siegel continua ocupada con su carrera de solista mientras sigue con The Manhattan Transfer y otros muchos proyectos. Durante las últimas tres décadas, la voz de Janis Siegel – ganadora del Grammy nueve veces y nominada 17 – ha sido una fuerza innegable en el diversificado catálogo musical de The Manhattan Transfer. En su carrera de solista Janis Siegel ha creado media docena de trabajos finamente articulados, además de numerosos proyectos en colaboración con otros. Todo esto ha logrado una aclamación constante de sus admiradores repartidos en todo el mundo. Sus visitas a España han sido numerosa para participar en Festivales de Jazz y otros conciertos. La última vez fue en 2005 cuando participó junto a The Manhattan Transfer en varios festivales de jazz de nuestro país.


lunes, 19 de agosto de 2013

Artie Shaw



Nacido en un barrio pobre del East Side neoyorquino, el arreglista, compositor y clarinetista, Artie Shaw (New York, 1910) tocaba el ukelele a los cinco años y a los doce ganó su primer concurso para aficionados. Siendo adolescente formó la "Peter Pan Novelty Orchestra", junto a otros estudiantes y a los quince años fue contratado en la bigband de Johnny Cavallaro como saxofonista donde aprendió a tocar el clarinete y adoptó el nombre profesional de Artie Shaw.

Al año siguiente abandonó definitivamente su hogar y fue contratado por la orquesta de José Cantor en Cleveland. Por aquélla época conoció al pianista, Claude Thornill, con quien mantendría una amistad duradera. Se trasladó a Hollywood para incorporarse como saxofonista a la orquesta de Irving Aaronson denominada "The Commanders". Tras un paro forzoso tras la retirada de su carnet de músico al atropellar con su coche a una persona, Shaw, se dedicó a frecuentar los ambientes musicales de Harlem en New York y en el "Pods and Jerry", uno de los locales de jazz más importantes, conoció al pianista, Willie "The Lion" Smith, que después de escucharlo lo contrató una vez levantada la sanción de la retirada de su carnet de músico. En 1932, tuvo la oportunidad de ser durante un año, el primer saxofonista en la orquesta de la "Columbia Broadcasting System" bajo la dirección de Freddy Rich.

En 1933 abandonó aquélla orquesta y también la música dedicándose durante más de dos años a su pasión por la literatura, pero las dificultades económicas le obligaron a volver a tocar. Su primer contrato importante lo obtuvo en 1935 con su grupo "Art Shaw and his New Music" para tocar en el Hotel Lexington, en sustitución del grupo de Bing Crosby. La carrera profesional de Artie Shaw dio un giro espectacular cuando grabo para RCA el tema "Beguine the Beguine". Fue tanto el éxito que, desafiando todos los prejuicios raciales de la época, contrato para la orquesta a Billie Holiday, con la que grabó "Any Old Times" en una gran interpretación de "Lady Day".

Entre 1935 y 1939, Artie Shaw, ganó fama, publicidad y dinero, pero al final de la década de los treinta una grave enfermedad le retiró momentáneamente de la música. En el verano de 1940, retomó la música y grabó las célebres sesiones en estudio con los "Gramercy Fives" donde volvió a demostrar otra vez su talento jazzístico. Entre los muchos temas grabados, hay que recordar el celebre "Frenesí" una magnífica aportación al jazz latino, o el magnifico "My Blue Heaven" sin olvidar el legendario "Bloomy Sunday". Alistado en la Marina en 1942, se licenció muy pronto por problemas de salud y a su vuelta a New York, formó una nueva orquesta con ribetes todavía más jazzisticos contratando al trompetista, Roy Eldridge, al guitarrista, Barney Kessel y al saxo tenor, Herbie Steward. Con el declive de las grandes orquesta, Artie Shaw, disolvió la suya y no reapareció hasta 1949, cuando actuó como invitado de honor en la "National Symphony Orchestra" en el Carnegie Hall.

Entre 1949 y 1952 formó y disolvió su orquesta varias veces, publicó su autobiografía titulada "The Trouble with Cinderella" y varias novelas cortas. En 1955, se traslada a Girona, (España) donde residió por cierto tiempo. Artie Shaw, también fue un hombre con fama de frívolo. No en vano son siete u ocho las esposas que sucesivamente ha ido teniendo, entre ellas, la admirada, Ava Gadner. Hombre de carácter difícil, nunca quiso ser ni jefe de escuela, ni maestro de nada, ni tampoco pudo pasar a la historia del jazz como un innovador.


domingo, 18 de agosto de 2013

Dave Schnitter


El saxofonista tenor, Dave Schnitter comienza sus estudios musicales en Nueva York a los 15 años y obtuvo el titulo de clarinete después del bachillerato superior tocando durante algunos años en orquesta menores de New Jersey. En 1972 comienza a trabajar como profesional con Ted Dumbar y en 1974 es llamado por Art Blakey para formar parte del mítico grupo Art Blakey Jazz Messengers realizando giras por todo el mundo y grabando discos que hoy en día están reconocidos como obras maestras del jazz moderno. También formó parte del quinteto de Freddie Hubbard durante cuatro años. Su sonido ha sido comparado con el de Dexter Gordon, con influencias de Sonny Rollins y John Coltrane.

Dave Schnitter llega a España a principios de los años 80 para impartir un seminario y realizar una gira por Europa. Su influencia sobre la emergente generación de músicos locales fue enorme. En la última época antes de su partida a Nueva York, su fogosidad de improvisador nato dejó paso a un estilo algo más reflexivo, aunque siempre poseyó un swing extraordinario. Después de un larguísimo periodo de inactividad, y prácticamente desaparecido de la escena jazzistica, aparece de nuevo en una grabación de la mano del productor y músico valenciano, Ximo Tébar, quien a través de su discográfica Omix Record, graba: "Sketch", un álbum donde Dave Schnitter, demuestra que no se le ha olvidado tocar. Su creatividad, y su estilo, a caballo entre la vanguardia y el mainstream, permanecen intactos.


sábado, 17 de agosto de 2013

María Schneider

La compositora, arreglista y líder de orquesta, María Schneider, se traslada a New York en 1985, después de haber estudiado en la Universidades de Minessotta, Miami y la Escuela de Música Eastman. Inmediatamente de llegar a la "Gran Manzana", se pone en contacto con Bob Brookmeyer para profundizar en el estudio de la composición musical. Simultáneamente Gil Evans la contrata para colaborar con él. En éste sentido el papel de Maria fue notable en la composición de la banda sonora de la película " El color del dinero" y preparó la gira que Gil Evans realizó con el músico Sting en 1987.


Durante esos años, además, dirigió la música del propio Evans, y colaboró en trabajos musicales de Jon Faddis, Wallace Roney, Miles Evans o David Saborn. LaMaria Schneider Jazz Orchestra nace como tal en 1993, con conciertos en la sala"Visiones" del barrio neoyorquino del Greenwich Village. En esta sala tocará ella y su orquesta todos los lunes por la noche durante cinco años ininterrumpidos. Estas actuaciones le sirven como "escaparate" y de ahí, recibe múltiples ofertas de contratos e invitaciones para participar en diversos festivales de jazz y salas de concierto en Europa, Brasil y Macao. Igualmente, María, recibe múltiples ofertas para dirigir e interpretar su música con diversas orquestas por toda América y Europa. Así, visita diversos países como Italia, Portugal, Francia, Países Nórdicos, Centro-Europa, Australia, Canadá, etc, e igualmente en su propio país.

La compositora empieza a recibir encargos de composiciones y arreglos de diversos músicos e instituciones como la Nortbotten Big Band y la Orquesta de la Radio de Dinamarca. Trabaja con Toot Thielemans, y recibe encargos de composiciones por parte de orquestas prestigiosas como la Orquesta de Jazz de Stuttgart, la Orquesta nacional de Jazz de Francia, Monterey, Universidad de Miami, o el prestigioso centro neoyorquino, Lincoln Center. En este tiempo Maria recibe un premio por una composición musical suya para una obra de ballet de Doris Duke, la composición se llamaba "Dossolution" y fue representada por el grupo Pilobolus en el Festival de Ballet del centro Kennedy. La dirección y la interpretación fue realizada por la propia Maria con su orquesta. Posteriormente participó en la confección de múltiples arreglos musicales para Iván Lins, Toots Thielemans, y para la Orquesta de Radio de Dinamarca, concretamente para la gira que esta orquesta realizó en el año 2003.

En el año 2004, ella y su orquesta dan una serie de cuatro conciertos en el Hunter College. De dicho Centro recibe el encargos de dos composiciones que se llamarán"Concert in the Garden" y "Sky Blue". "Concert in the Garden" dará título a su última obra en CD. Esta obra, que recibió un premio Grammy, fue realizada y producida exclusivamente por ella, mediante la innovadora empresa "ArtistShare". El debut en las grabaciones de Maria se produce con la obra "Evanescence", nominada para dos premios Grammy en 1.995. Su segundo y tercer álbum fueron "Comin´About" y"Allégrese". Con ellos recibió el premio Grammy al "Mejor Compositor" y la mejor "Big Band". Igualmente ha recibido múltiples premios de los lectores y críticos de revistas como "Downbeat" o "Jazztimes".

"Allégrese" permaneció durante bastante tiempo en el "top ten" del año 2000 de las revistas "Time" y "Billboard" respectivamente, dándose la circunstancia que la obra no quedo encuadrada en categoría musical concreta. Recientemente, "Concert in the Garden" ha recibido un premio Grammy en el año 2005, y se da la particularidad que es el primer disco vendido fuera de los cauces de distribución convencionales, no habiendo llegado a ser vendido en tiendas y siendo su tirada limitada. El medio exclusivo utilizado ha sido por correo e Internet, estando, al día de la fecha, todas las ediciones en soporte físico agotadas (series oro, plata y bronce). 

Dada la filosofía que este sistema de distribución y venta tiene, el cual no es otro de que los beneficios producidos cubran los gastos y el dinero quede solo para los músicos (ella y su orquesta) la idea ha suscitado mucho interés entre los músicos, que ven un medio para poner sus obras en el mercado fuera de los círculos de la gran industria discográfica, las cuales se llevan la inmensa mayoría del "pastel" en los beneficios que la obra pueda producir. El resultado de esta experiencia es alentador, sobre todo para el consumidor final que ve como el producto vendido directamente por su autor, abarata el precio final del disco.


viernes, 16 de agosto de 2013

Lalo Schifrin

Educado por su padre, Luis Schifrin, primer violinista de la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires en el ambiente de la música clásica desde muy pequeño, Lalo viajó a París a estudiar música clásica y jazz en el conservatorio parisino donde, durante la semana estudiaría música clásica, y los fines de semana se presentaba en pequeños clubes de jazz con los mejores exponentes de jazz de Europa. Cuando regresó a Buenos Aires a mediados de los años 1950, formó su propia banda y en una visita del legendario trompetista Dizzy Gillespie, de paso por Buenos Aires, tiene la oportunidad de verlo en vivo. Dizzy, tras escuchar su música, le ofrece que viaje con él a Nueva York como su pianista y director.


A partir de ese momento, Lalo Schifrin comenzó a componer música llegando a escribir más de 100 melodías para películas de cine y para series de la televisión. Fue nominado para los premios Grammy's en 21 oportunidades ganando 4; también recibió un premio ACE, y 6 nominaciones para el Oscar. Las películas y series televisivas que contienen los trabajos más famosos de Schifrin son: "Mision Imposible"; "Kung Fu" y "Mannix". Como músico de jazz ha compartido el escenario con grandes instrumentistas y cantantes como Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz, y Count Basie entre otros. A lo largo de su larga y exitosa carrera, Lalo Schifrinse ha presentado en las mejores salas de concierto del mundo como el Carnegie Hall y el Lincoln Center de New York, The Music Center de Los Ángeles, la Sala Pleyel de Paris, el Teatro Colón de Buenos Aires, así como en todos los principales festivales de jazz en los Estados Unidos y Europa.

Schifrin hizo posible que los tres tenores mas importantes de finales del siglo XX:José Carreras, Plácido Domingo, y Luciano Pavarotti, cantaran juntos por medio de sus arreglos y mezclas para que los tonos de cada uno coincidiesen. Ésta serie, sumamente acertada de grabaciones, ha atraído a muchos nuevos admiradores en el mundo de la música clásica. En 1993, Schifrin se destacó como compositor, pianista y conductor para su serie de grabaciones tituladas "Jazz Meets the Symphony", donde trabajó con la Orquesta Filarmónica de Londres y la Orquesta Sinfónica de Londres, así como con los músicos de jazz Ray Brown, Grady Tate, Jon Faddis, Paquito D'Rivera, y Jeff Hamilton. 

Entre los honores recibidos por Schifrin se incluyen el "BMI Lifetime Achievement Award" (1988), el Chevalier de l'Ordre des Arts et Lettres del Ministro de Cultura de Francia, el Premio al Artista Distinguido (1988) otorgado por el Music Center de Los Ángeles; el título de consultor del Presidente de Argentina en Cuestiones Culturales (1998); y el nombramiento de Director Musical del Festival del Instituto latino de Jazz de Los Ángeles (1999). En la actualidad, Lalo Schifrin continúa componiendo jazz y música clásica; realiza giras con grandes orquestas y trabaja en la composición de música para películas.


jueves, 15 de agosto de 2013

Moisés P. Sánchez


Pianista, arreglista y compositor, la vida de Moisés P. Sánchez ha estado desde el principio impregnada de música, gracias al ambiente que sus padres procuraron desde el principio. A los tres años empezó a tocar el piano y a conocer los entresijos de la armonía y el solfeo de mano de su padre, el cual le abasteció de una gran cultura musical abarcando prácticamente todos los tipos, estilos e influencias existentes. Realmente esta peculiar manera de conocer y estudiar la música ha desembocado en un estilo único y particular en la manera de concebir el instrumento y la música en sí, pudiendo adoptar un punto de vista muy amplio respecto a la improvisación, los arreglos, la armonía o la composición, por ejemplo

No obstante, se graduó con Matrícula de Honor en la especialidad de Piano en el Conservatorio Profesional de Música de Ferraz, recibiendo clases de Nuria Guerras, Aníbal Bañados ó José Luis Nieto, entre otros. Su interés por la composición se materializa en dos obras estrenadas en el Auditorio General de la O.N.C.E. en 2001.Con tan sólo 17 años, entra a formar parte del grupo de Chema Vílchez, comenzando una estrecha relación tanto musical como personal que afortunadamente prevalece hasta hoy. Esto le lleva a adentrarse dentro del panorama musical español y comenzar a tocar con diversos grupos, tanto de jazz como de pop y flamenco, formando parte de la representación de Madrid en el Día Mundial de la Música en 2001 y 2002. Ha tomado clases con grandes maestros del jazz mundial como Jean Michel PILC, John Taylor ó Kenny Werner y también del mundo del piano clásico como Joaquín Achúcarro.

En 2003 realiza la banda sonora para el montaje de Dirección de 3º de la RESAD sobre el texto de Valle- Inclán, Ligazón, construye un proyecto junto con la vocalista neoyorquina Doris Cales (Tributo a Lady Day), y participa en la formación inicial de"Primital", el proyecto del saxofonista Santi Ibarretxe. En 2004 recibe clases magistrales de Joaquín Achúcarro y Bruno Aprea en el "Curso Para Jóvenes Pianistas y Directores de Orquesta” e interpreta como solista el Concierto para Piano en Sol Mayor de Maurice Ravel con la Orquesta Sinfónica de Extremadura en el Auditorio de León.

Actualmente forma parte de una manera estable de grupos tan diversos como Larry Martin Band, Javier Paxariño, Victor Monge “Serranito”, Chema Vílchez, Jorge Serrato"Jato" ó "Metrópolis", la banda que lidera el saxofonista William Gibbs. En estos momentos Moisés P. Sánchez se encuentra actualmente sumergido en lo que será su primer disco en solitario: "Adam the Carpenter", concebido como una banda sonora en formato de trío de jazz y orquesta sinfónica. El trío está formado por el contrabajista zaragozano Antonio Miguel y el batería Borja Barrueta, más la inestimable colaboración de la Orquesta Sinfónica de Bratislava, dirigida por David Hernando.

miércoles, 14 de agosto de 2013

Spike Robinson

La peculiar carrera jazzistica de Henry Berthold Robinson, (Kenosha, 1930), verdadero nombre de Spike Robinson, tuvo un inicio tardío. Miembro esporádico del famoso combo originario de la Costa Oeste americana y que se denominó "Four Brothers", consolidó junto a los también saxofonistas tenores, Al Cohn, Stan Getz y Zoot Sims, una forma originalísima de tocar el saxo.

En 1951, mientras hacía el Servicio Militar en Inglaterra, consiguió una apreciable popularidad que le permitió grabar varios discos. Una vez licenciado, regresó a los Estados Unidos y en Colorado consiguió un contrato de trabajo para tocar en varios clubes locales. Sus últimas grabaciones conocidas acompañando como sideman a otros instrumentistas, datan de finales de los años cincuenta, y desde entonces abandonó la actividad musical hasta cerca de treinta años después, cuando en 1981, reaparece en un disco grabado a su nombre para el sello Hep y titulado: "Plays Harry Warren" dedicado a la música de un célebre compositor y arreglista norteamericano ensombrecido por el prestigio de Cole Porter, George Gershwin y otros.

Entre 1981 y 1997 desarrolla toda su carrera discográfica al amparo de varios sellos secundarios: "Capri", "Hep" o "Discovery" y es especialmente interesante el grabado en directo en 1989 titulado "Three for the Road" junto al guitarrista, Louis Stewart, el bajista, Pete Morgan, el baterista, Mark Taylor y el trompetista, Janusz Carmello. Saxofonista tenor brillante, Spike Robinson, falleció en los albores del siglo XXI.

martes, 6 de agosto de 2013

Petite Fleur

Petite Fleur (Pequeña flor) es una canción instrumental de 1952, compuesta por el clarinetista y saxofonista estadounidense Sidney Bechet (1897–1959), cuando residía en Francia. Tuvo un éxito notable y se convirtió en un standard de jazz. La letra, en francés, fue escrita por Fernand Bonifay y Mario Bua en 1959.
Os dejo el original de Sidney Bechet y una versión vocal de Angelique Kidjo

Me escondí, mejor que en cualquier otro lugar, 

En el jardín de mi corazón, una pequeña flor, 

Esta flor, más bella que un ramo de flores, 

Se mantiene en secreto 
Todos mis sueños de los nińos, 
El amor de mis padres, 
Y todas esas mańanas claras 
Hecha de recuerdos felices, a distancia 
Cuando la vida a veces me ha traicionado, 
Te quedas a mi gusto, 
Pequeña flor, 
En mis veinte ańos 
Me detuve un momento, 
Para respirar 
Esta fragancia como objetivo, 
En mi corazón, que aún florece, 
En el jardín del amor 
Pequeña Flor, pequeña flor ...

lunes, 5 de agosto de 2013

Jimmy McHugh


James Francis McHugh (10 julio 1894 a 23 mayo 1969) fue un compositor estadounidense. Uno de los compositores más prolíficos de la década de 1920 a la década de 1950, se le atribuyen más de 500 canciones. Sus canciones fueron grabadas por artistas como Bill Kenny, Frank Sinatra, Bing Crosby, Judy Garland (que murió un mes después de McHugh), Billie Holiday, Adelaide Hall, Nina Simone, Chet Baker, Dinah Washington, June Christy, Peggy Lee, Deanna Durbin, y Ella Fitzgerald.

McHugh con Nat King Cole
Después de vagar por una gran variedad de trabajos, incluyendo pianista de ensayo para la Ópera de Boston y técinco de sonido en piano pasra la editorial discográfica de Irving Berlin, en 1921, a la edad de 26, McHugh se trasladó a la ciudad de Nueva York (Forte). Finalmente encontró empleo como gerente profesional con el editor de música Jack Mills Inc., fue allí donde McHugh publicó su primera canción "Emaline", y brevemente se unió a Irving Mills como The Hotsy Totsy Boys para escribir la canción "Everything Is Hotsy Totsy Now ".
Esta asociación para componer canciones era sólo la primera de las muchas colaboraciones de McHugh, entre ellos con Ted Koehler ("“I’m Shooting High”"), Al Dubin ("South American Way") y Harold Adamson ("It’s a Most Unusual Day"). Tan estrecha como la relación con estos maestros letristas fue, quizás la relación musical simbiótica de McHugh fue con el maestro de escuela y poeta Dorothy Fields (ASCAP). Desde que escribió material para muchas de las revistas del Cotton Club de Harlem,fue una coincidencia que su primer éxito combinado sería la banda sonora de los all-black Broadway musical Blackbirds de 1928 protagonizada por Adelaide Hall y Bill Bojangles Robinson, que salta -comenzó la carrera del dúo novato con las canciones  “I Can't Give You Anything But Love,” “Diga Diga Doo” y “I Must Have That Man”
Otros éxitos escritos para el escenario pronto iban a seguir, incluyendo lo que es posiblemente [según quién?] Su composición más famosa de 1930 de "On the Sunny Side of the Street" for International Revue de Lew Leslie, que también contenía el favorito "Exactly Like You "," Blue Again "de The Vanderbilt Revue, y en 1932," Don’t Blame Me ", que apareció en la revista de Chicago "Clowns In Clover".
McHugh y Fields escribieron canciones principales de las películas "Cuban Love Song", "Dinner at Eight" y "Hooray for Love", así como "I Feel a Song Comin’ On” y “I'm in the Mood for Love". En los años artísticamente fructíferos después de que primero colaborara ​​en 1930, McHugh y Fields escribieron más de 30 canciones para el mundo del cine. Fields y McHugh, finalmente se separaron en 1935. (Spitz) El socio de composición de mayor duración deMcHugh, fue Harold Adamson. Adamson adaptó siempre letras a composiciones de McHugh. Exitos como "Coming in on A Wing and A Prayer" encontraron su camino en las citas familiares de Bartlett. A continuación se presentan algunos de sus muchos éxitos en la lista. 
Para la película de 1948 "A Date with Judy", compuso "t's a Most Unusual Day" de Jane Powell.
Jimmy McHugh fue incluido en el Songwriters Hall of Fame en 1970.
Escuchemos su tema Say it (over and over again) en la maravillosa versión de John Coltrane incluída en su disco "Ballads".

domingo, 4 de agosto de 2013

Sathima Bea Benjamin

Junto a Duke Ellington

Sathima Bea Benjamin (17 de octubre 1936) es una cantante y compositora sudafricana nacida en Johannesburgo, se crió en Ciudad del Cabo, y en la actualidad reside en la ciudad de Nueva York.
En su juventud, Sathima Bea Benjamin tocó primero la música popular en concursos de talento en el cine local (bioscopio) durante el intermedio. Hacia la década de 1950 estaba cantando en varios clubes nocturnos, bailes y eventos sociales de la comunidad, actuando con notables pianistas de Cape Town , Tony Schilder y Henry, entre otros. Ella construyó su repertorio viendo películas británicas y estadounidenses y la transcripción de letras de canciones escuchadas en la radio, donde descubrió a Nat King Cole, Billie Holiday, Doris Day y Ella Fitzgerald. Estos músicos podrían llegar a influir en su forma de cantar, sobre todo en términos de redacción luz y dicción clara. A la edad de 21 años, se unió al show itinerante de Arthur Klugman, Jazz color y variedad, en una gira por Sudáfrica. Cuando la producción se estancó, se encontró varada en Mozambique, donde conoció al saxofonista sudafricano Kippie Moeketsi. En 1959, regresó a la ahora floreciente escena del jazz de Ciudad del Cabo, donde se reunió con el pianista Dollar Brand (alias Abdullah Ibrahim), con quien más tarde (1965) contrajo matrimonio. En ese mismo año grabó lo que habría sido el primer LP de jazz en la historia de Sudáfrica. Titulado My Songs for You, con el acompañamiento del Trío de Ibrahim, el registro de las normas de la mayoría nunca fue leditado.
A raíz de la masacre de Sharpeville 1960 de Sudáfrica, Benjamin y Ibrahim dejó Sudáfrica por Europa. La pareja, junto con el trío del bajista Johnny Gertze y el baterista Makhaya Ntshoko, se estableció en Zurich, Suiza y trabajó en Alemania y Escandinavia, de reunión y de trabajo ocasional con músicos de jazz estadounidenses, incluyendo a Don Byas, Dexter Gordon, Kenny Drew, Ben Webster de Ibrahim, Bud Powell, John Coltrane y Thelonious Monk. El artista que tendría el mayor impacto en la vida de Benjamin, sin embargo, fue Duke Ellington.
Benjamin conoció a Duke mientras estaba en Zurich en 1963. De pie en las alas durante la mayor parte de la actuación de su banda, una vez que el concierto terminó ella insistió en que Duke escuchara el trio de su marido en el Club Africana, donde la banda de Ibrahim tenía un compromiso permanente. Duke acudió obligado, pero insistió en que Benjamin cantara para él. Tras este encuentro, Ellington organizó para la pareja un vuelo a París y grabar discos independientes para la etiqueta Reprise de Frank Sinatra, para quien trabajó Ellington A & R. El disco de Ibrahim, Duke Ellington Presents The Trio Dollar Brand, fue lanzado al año siguiente y, posteriormente, le ayudó a grabar otro siguiente en Europa y Estados Unidos. La grabación de Benjamin, sin embargo, permaneció inédita y desapareció al parecer. (Finalmente se editó 1996 por Enja Records, bajo el título de Una Mañana en París, debido a que el ingeniero de la sesión, Gerhard Lerner, había hecho una segunda copia.) El álbum cuenta con Benjamin actuando con Duke Ellington, Billy Strayhorn y Abdullah tocando el piano en varias pistas, con Johnny Gertze y Makhaya Ntshoko como bajista y baterista, respectivamente.
Benjamin mantuvo su relación musical con Ellington. En 1965, Duke huizo los arreglos para que su actuación con su banda en los EE.UU. en el Festival de Jazz de Newport, y en un momento pidió que se uniera a su banda de forma permanente. Debido a su reciente matrimonio con Ibrahim ese mismo año, Benjamin declinó la oferta.

viernes, 2 de agosto de 2013

Tadd Dameron



Tadley Ewing Peake "Tadd" Dameron fue un compositor, arreglista y pianista estadounidense de jazz.
Nacido en Cleveland, Ohio, sus bandas incluían músicos como Fats Navarro, Miles Davis, Dexter Gordon, Sonny Rollins, Wardell Gray, Clifford Brown y Philly Joe Jones.
Según el propio Dameron, sus influencias más importantes fueron George Gershwiny Duke Ellington.
Ya drogadicto, Dameron estuvo preso en la prisión federal de Lexington, Kentuckydurante dos años (1959-1961) y sufrió varios infartos del miocardio antes de morir a la edad de 48 años.
Influencia
Dameron fue arreglista y compositor para las bandas de Count Basie, Artie Shaw, Jimmie Lunceford, Dizzy Gillespie, Billy Eckstine,Sarah Vaughan y el músico de rhythm and blues Bull Moose Jackson, donde coincidió con el también compositor y arreglista Benny Golson, quien ha afirmado que Dameron fue su mayor influencia en sus composiciones.
Composiciones
Dameron compuso varios estándar de bop, incluyendo "Hot House", "Our Delight", "Good Bait" (para Basie), y "Lady Bird".
Dexter Gordon consideró a Dameron el "romanticista" del bop, y Scott Yanow, que Dameron fue "el compositor y arreglista definitivo de la era bop".
Legado
En 1982, Slide Hampton, Jimmy Heath, Ron Carter, Art Taylor y Kenny Barron grabaron el álbum Continuum: Mad About Tadd: The Music of Tadd Dameron y en 1984, el baterista Philly Joe Jones, fundó Dameronia, una banda tributo a Dameron

jueves, 1 de agosto de 2013

Tubby Hayes

Edward Brian "Tubby" Hayes (30 de enero 1935 - 8 de junio 1973)  fue un jazzman  multi-instrumentista británico, más conocido como saxofonista tenor de los grupos del  saxofonista Ronnie Scott y del el trompetista Jimmy Deuchar. Es ampliamente reconocido como uno de los grandes instrumentistas del jazz británico.
Hayes nació en St Pancras, Londres, y creció en Londres. Su padre era un  violinista de estudio de la BBC que dio clases violín a su hijo desde una edad temprana. A la edad de diez años Hayes tocaba el piano, y comenzó en el saxo tenor, a las once. Dizzy Gillespie fue una influencia temprana: 
"Yo siempre solía escuchar música swing de los años cuarenta " y, de hecho, yo era un niño en ese momento. En realidad nunca pretendí ser saxo tenor a pesar de haberme gustado siempre. Creo que tal vez Dizzy me influyó más que Parker porque era algo más accesible. En lo que se refiere a mis influencias en los últimos años, Getz, y más tarde Rollins, Coltrane, Hank Mobley y, en menor medida, incluso Zoot.
Hayes asistió a la Escuela Rutlish en Merton Park, al sur de Londres, donde su profesor de música fue Roy Howard. Después de un período dedicado a tocar con varias bandas semi-profesionales de todo Londres, Hayes dejó la escuela y comenzó a tocar profesionalmente a la edad de quince años.
En 1951, cuando tenía dieciséis años, Hayes se unió el sexteto de Kenny Baker, y máss tarde pasó  a tocar en grandes bandas, como las de  Ambrosio, Terry Brown, Tito Burns, Roy Fox, Vic Lewis y Jack Parnell. En 1955 formó su propio octeto, con el que realizó una gira por el Reino Unido durante dieciocho meses. Hayes tocó la flauta y el vibráfono durante este tiempo, pero conservó su reputación como instrumenista de saxo tenor.
De 1957 a 1959 se unió a Ronnie Scott co-liderando un quinteto, Los mensajeros del jazz, quizás el más recordado con cariño de los grupos de jazz modernos británicos. Posteriormente, Hayes reformó su cuarteto, y una gira por Alemania con Kurt Edelhagen. Luego, en 1961 fue invitado a tocar en el Club Half Note en Nueva York, un nuevo acuerdo de la Unión Músicos transatlánticas "significaba que, a cambio, Zoot Sims tocase en el Ronnie Scott. 
De vuelta en Londres, Hayes formó su propia banda, comenzando a trabajar en televisión, cine y radio, e incluso tuvo su propia serie de televisión (1961-1962 y 1963). Se puso de pie en lugar de Paul Gonsalves en febrero de 1964 (con quien también grabó dos veces en 1965 (Just Friends y el cambio de la configuración)) cuando la orquesta de Ellington tocó en el Royal Festival Hall.
Así como al frente de sus propias bandas y grabaciones bajo su propio nombre, Hayes también aparece en grabaciones de otros músicos de jazz del Reino Unido, como el Harry Sur Big Band, el Ian Hamer Sextet y posteriores sesiones de estudio por la orquesta de Ted Heath. Hayes fue también un prolífico músico de sesión en muchos géneros. Entre sus muchos créditos, Hayes encabezó la sección de metales de las sesiones de música en una casa de muñecas, el aclamado álbum de debut de 1967 la banda de rock de la familia, en la que el joven Mike Batt arregló las cuerdas y metales. Batt Hayes acredita con salvar su arreglo de bronce en la pista "Old Songs para New Songs", que fue su primera sesión de grabación importante como arreglista, en la primera toma, se descubrió que había anotado inadvertidamente las partes en la tecla equivocada, pero Hayes y sus colegas, al darse cuenta de su error, discretamente transponen las partes de oído para que pudieran coincidir con la pista de fondo.
Hayes apareció en varias películas, incluyendo All Night Long (1961), con Charles Mingus y Dave Brubeck, y (con su grupo) en Un rey en Nueva York, de Charles Chaplin (1957), The Jungle Beauty (1964) y el Dr. Casa del Terror de los horrores (1965). También tocó en una amplia gama de festivales de jazz, incluyendo Reading, Windsor, Antibes, Lugano, Viena y Berlín.
A pesar de todo esto, era difícil de conseguir con regulardisad conciertos para los músicos de jazz, y sobre todo por su big band; primero el rock and roll y luego los Beatles habían expulsado a finales de la década de los sesenta el jazz de Gran Bretaña. La situación empeoró para Hayes por su adicción a las drogas, lo que afectó gravemente a su salud. A finales de 1960, se sometió a una cirugía a corazón abierto, que fue capaz. En 1973, murió durante durante otra operación de corazón en Hammersmith, a la edad de treinta y ocho. Fue incinerado y sus cenizas enterradas en el crematorio de Golders Green, donde hay una piedra blanca placa conmemorativa colocada en una de las paredes. El epitafio reza "Viva su memoria y su música".
Hayes dejó un legado de grabaciones que ahora son codiciados objetos de colección, muchos de los cuales han sido re-editados en CD, a pesar de algunas cintas de Decca en vías de desaparición de la empresa.