sábado, 30 de junio de 2012

¿Qué fue de Gualberto?

Gualberto García Pérez es un músico español, nacido en Sevilla en 1945. Se le conoce sobre todo por su trabajo en el grupo de rock psicodélico Smash, pioneros del rock andaluz. Ha colaborado, entre otros, con el cantaor Camarón de la Isla. 
Gualberto García nace en Sevilla el 3 de julio de 1945. Se inicia en la música en el coro de los Salesianos de Triana a los 10 años. A los 17 años abandona los estudios y forma el grupo “Los Murciélagos”, con el que entra en el mundo del rock. Creación del Rock Andaluz En 1967 se forma Smash, grupo emblemático del rock español y pionero del rock andaluz. Graban varios LPs y dan conciertos en todo el territorio nacional.
Tras la disolución del grupo Smash, viaja a Estados Unidos, donde estudia música y se inicia como compositor escribiendo una ópera rock, Behind the stars, que se estrena en la Academia de la Música de Brooklyn, Nueva York. Colabora como músico de estudio en “Good Vibrations studio”, entrando así en contacto con músicos de jazz, rock y folk. Entra a formar parte de la “Yoga Symphony Orchestra” y forma un grupo con Diwan Mothihar, célebre sitarista hindú, y Arthur Volh al violín, con los que da varios conciertos.
En 1974, vuelve a España con dos músicos americanos (Arthur Volh y Todd Purcell) y graba dos discos como solista con composiciones suyas: A la vida y al dolor (Movie Play, 1975) y Vericuetos (MP, 1976). En 1976 es invitado al I Festival de Martigues (Francia) como representante por España. Permanece varios meses dando conciertos en Francia y Holanda y compone la música de cámara que grabará a su vuelta, en 1978, con profesores de la Orquesta Nacional, dando lugar al disco titulado Otros días. En 1979 graba un disco que fusiona el cante jondo con el sitar (Gualberto y Agujetas).
En estos años realiza múltiples arreglos orquestales, en los que compagina la instrumentación flamenca (palmas, voz, guitarra, etc) con la clásica (cuartetos de cuerda, tríos de viento, etc). Son producciones de este estilo el disco Casta de Lole y Manuel, donde trabaja con la Orquesta de RTV Española; “Cuaderno de coplas” y “A través del olvido” de Carlos Cano, “Rimas de Becquer” con Benito Moreno, etc. 
En 1983 trabaja como productor, arreglista y asesor musical en Columbia Records y graba el disco Puente mágico, para sitar y guitarra flamenca con Ricardo Miño. Da múltiples conciertos. A finales de ese año pasa una temporada en San Román de Cameros, donde se dedica exclusivamente a la composición. De esta época data su Trío de clarinetes. En 1984 compone, por encargo del Ayuntamiento de Sevilla, un cuarteto de cuerda que se estrena con el nombre de Cuarteto Bienal en la I Bienal de Arte Flamenco. El mismo año compone la música para la obra de teatro Cuentos de la Alhambra del Grupo El Globo de Sevilla. Simultáneamente dirige el Coro Rociero de Triana, con el que grabará, a lo largo de más de 10 años de colaboración, varios discos. Compone, en 1994, una Misa a cuatro voces. En 1985 hace una gira, patrocinada por la Junta de Andalucía, dirigiendo un septeto (cuarteto de cuerda, flauta, oboe y clarinete), interpretando un programa íntegramente suyo; cierra la gira con un concierto en los Reales Alcázares de Sevilla. En 1986 escribe una obra a petición de la Banda Municipal de Sevilla, que se estrena en el Parque de Maria Luisa. A partir de 1987 se introduce en el mundo de la informática musical, creando su propio estudio, lo que le permite grabar música para cine y televisión. En 1988 se estrena su obra Turruñuelo con la Orquesta Sinfónica Bética en el concierto inaugural de la III Bienal de arte flamenco. En 1989 empieza su colaboración con la guitarra de Paco del Gastor, que se mantiene en la actualidad y que ha dado lugar a innumerables conciertos dentro y fuera de España. 
En 1990 vuelve a los escenarios como intérprete (sitar, guitarra eléctrica), usando el soporte informático como acompañamiento. El primer concierto inaugura el I Ciclo de Nueva Música de la Universidad de Sevilla. Posteriormente este concierto lo interpreta en repetidas ocasiones bajo el patrocinio de la Fundación Luis Cernuda y dará lugar a la grabación del disco Sin comentario. El mismo año dirige la orquesta de la OTI en Miami, EEUU, en representación de España. En 1991 participa como solista en el Festival Internacional de la Guitarra de Córdoba. Colabora en el disco de recopilación de autores españoles editado por la revista Nueva Música. El mismo año participa como solista en el Concierto Inaugural del Festival de Itálica junto al ballet de Nacho Duato. En 1992 participa en los Encuentros de Nueva Música en un concierto que se celebra en Sevilla junto a Wim Mertens. El mismo año escribe, para la inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona una pieza que une el final de una jota, interpretada por Plácido Domingo, con unas sevillanas, bailadas por Cristina Hoyos e interpretadas por la Orquesta Ciudad de Barcelona. En los años siguientes continua dando conciertos en solitario así como con Paco del Gastor. En 1995 inicia un nuevo ciclo de conciertos en los que la interpretación sucesiva de diversos instrumentos (guitarra española, sitar, sarod, guitarra eléctrica y acústica, dilruba) sobre una base pregrabada, permite aunar muy distintas influencias y técnicas. En 1996 compone e interpreta la obra Crisol para la Bienal de flamenco, integrando diversas tendencias musicales dentro de una base flamenca. En 1998 graba un disco en compañía de Ricardo Miño, llamado Con-trastes. Es un disco donde hay un continuo diálogo entre la guitarra de Ricardo y el sitar de Gualberto. Este disco ganaría el 1º premio de la música Andalucía 2000. En el mismo año presenta el espectáculo Mil formas de sentir Triana en la X Bienal de flamenco de Sevilla, donde mezcla la música flamenca con la lírica. En él interviene su hija Meili García como voz soprano y violín, obteniendo gran éxito de público y crítica. Nuevo Milenio En el 2000 presenta la obra Constelación flamenca para voz soprano, violín, flauta contrabajo, percusión, sitar veena y guitarra flamenca, obteniendo un gran éxito de crítica. En el 2001, presenta un concierto organizado por la fundación “Ceiba” junto a Susana Baca. En el 2002 estrena en la Bienal un nuevo concierto para quinteto de viento, sitar, vina, dilruba y percusión, que obtiene gran éxito, resultando destacado en la prensa como uno de los mejores conciertos de la Bienal. En el 2002 estrena su concierto Caminos del Aljarafe para quinteto de viento (flauta, oboe, clarinete trompa y fagot), sitar y veena. Sigue dando conciertos utilizando diferentes formaciones de músicos y componiendo la banda sonora de El Everest ya es historia de Andalucía. En el 2004 estrena Mis cuerdas, obra para piano, cello, guitarra flamenca, guitarra eléctrica (tapping), guitarra eléctrica y sitar. En los siguientes años da varios conciertos con Smash, graba una Misa a 4 voces, Misa solemne, junto al Coro de la hermandad de Rocío de Triana. En ella mezcla los palos flamencos (bulería, soleá, alegrías) con la polifonía a 4 voces. Sigue dando conciertos tanto de sitar como de rock, tocando en directo tanto temas de sus dos primeros discos, A la vida y al dolor y Vericuetos, como nuevas composiciones. Hace una versión del Himno Andaluz para vina, tiorba, oboe barroco, quinteto de cuerda y voz y actúa en varios actos conmemorativos. En el 2008 es galardonado con el reconocimiento de la Delegación de Gobierno de la Junta de Andalucía como premio a su aportación a la cultura andaluza. 


jueves, 28 de junio de 2012

Sonny Rollins

Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.

Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería, Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba, Clifford Brown, a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor, Harold Land, y su permanancia con el baterista, duró año y medio.

Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.

Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).

Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida. 
Os dejo un vídeo de un concierto celebrado en Dinamarca año 1965, acompañado de Allan Dawson (batería) y Niels-Henning Ørsted Pedersen (contrabajo), dónde parece sonar un sexteto en lugar de un trío.


miércoles, 27 de junio de 2012

Michel Legrand


Michel Jean Legrand (*París, 24 de febrero de 1932) es un compositor y cantante francés, compuso la música de más de 200 películas y fue tres veces ganador del Oscar de la Academia de Hollywood. 
Hijo del compositor Raymond Legrand y hermano de la cantante Christiane Legrand.
Desde los 10 a los 21 años estudió en el Conservatorio de Música de París; después estudió siete años con Nadia Boulanger. 
Sus inclinaciones musicales lo llevaron siempre a escribir las letras de sus canciones e incluso a interpretarlas. 
Tras el éxito de su primer álbum Amo a París, trabajó con varios grandes del jazz como Miles Davis y John Coltrane en su siguiente álbum Legrand jazz. 
Cuando comenzó a trabajar en música para filmes, obtuvo un gran éxito, ya que no sólo componía canciones pegadizas sino que componía material orquestal de un fuerte sentido lírico. Su más conocido trabajo es Los paraguas de Cherburgo de 1963, un clásico del cine musical europeo y la primera película completamente cantada y protagonizada por la joven Catherine Deneuve. Asimismo en Las señoritas de Rochefort de 1965. 
Mucha de su música estaba destinada a películas francesas (como las del director Jean-Luc Godard), aunque también se implicó en la producción de películas estadounidenses, como The Thomas Crown affair (con su conocido tema The Windmills of your mind, 'los molinos de viento de tu mente'), Verano del 42 y Yentl. 
 Compuso la música de la serie infantil de televisión Érase una vez... la vida (1986). En la década de los 80 y 90 acompañó con su banda a estrellas como Björk, Ray Charles, Diana Ross y otros, trabajando también con cantantes de ópera como Jessye Norman, Kiri Te Kanawa y Natalie Dessay. 
Ha recibido 27 nominaciones al Premio Grammy ganándolo en cinco oportunidades. 

martes, 26 de junio de 2012

Jimmy Giuffre


De personalidad compleja, el multiinstrumentista Jimmy Giuffre, empezó a estudiar clarinete a los nueve años dominando poco después el instrumento completamente. Se pasó luego al saxo tenor y en 1942 se diplomó en música por la Universidad Estatal de Texas. Prosiguió sus estudios musicales en Los Ángeles durante ocho años con Wesley la Violette quien le enseño los secretos de la composición. Durante su permanencia en el Ejercito tocó el clarinete y el saxo en una banda militar y cuando se licenció, en 1946, se apuntó en una orquesta sinfónica, la "Dallas Symphony" donde tocó el saxo tenor en "Porgy and Bess". Al año siguiente estuvo con la orquesta de Jimmy Dorsey y en el 48 con el baterista Buddy Rich y su famosa orquesta. En 1949 su carrera da un salto cualitativo importante cuando ingresa en la orquesta de Woody Herman. Fue Giuffre quien sin proponérselo dio a aquel grupo tras la composición de un tema dedicado a la sección de saxos de la orquesta y que titulo: "Four Brothers", un tema que atrajo para si toda la atención de la critica. Tras un largo paréntesis a principios de los años cincuenta, Jimmy Giuffre reaparece entre 1953 y 1955 como saxofonista y arreglista de Shorty Rogers al que ayudó de manera espectacular al éxito del grupo "Shorty Rogers and his Giants" que contaba en sus filas con extraordinarios músicos como el saxo alto Art Pepper, el pianista, Hampton Hawes y el baterista, Shelly Manne, todos ellos insignes representantes del mejor jazz que se hacía en la época en la Costa Oeste norteamericano. En diciembre de 1956, Jimmy Giuffre grabó para el sello Atlantic el álbum que definitivamente le encumbraría a la fama de por vida y por el que pasaría a la historia del jazz: "The Jimmy Giuffre 3" fue en palabras del propio Giuffre escritas de su puño y letra en la portada, el disco por el que la composición primaba por encima de la instrumentación. Con un sonido sobrecogedor y un estilo originalísimo, Giuffre se posicionó por muchas semana consecutivas a la cabeza de la vanguardia jazzistica. Subido en la cima del jazz moderno, Jimmy Giuffre tuvo a partir de entonces una actividad frenética que le llevaría a colaborar con multitud de grandes músicos, siendo su encuentro con el trombonista Bob Brookmeyer otro de sus momentos importantes. Grabó con él un extraordinario disco titulado "Traditionalism Revisited" que compuesto totalmente por temas jazzisticos de los años veinte, supo readaptarlos con extraordinaria maestría y sacarles todo el jugo que escondían. En 1960, Jimmy Giuffre grabó algunos temas para clarinete y cuerda en Baden-Baden y nuca perdió la sensibilidad necesaria para adaptarse al jazz moderno y su propia evolución. Entre 1963 y 1966 creo un nuevo trío formado esta vez con Paul Bley al piano y Steve Swallow al contrabajo. A finales de los sesenta se dedicó a la enseñanza en la Universidad de New York, en el Livingston College y en el Wagner College. Regresa a la música en activo a principios de los setenta junto a Paul Bley, un pianista que era muy de su grado y el guitarrista, Bill Connors. Si bien la música es excelente, no tiene la frescura de los primeros tríos de Giuffre. Jimmy Giuffre es una de las grandes figuras del jazz moderno.
Os dejo un vídeo junto al guitarrista Jim Hall.


lunes, 25 de junio de 2012

Donald Byrd

Formado en sus inicios musicales en diversos grupos de Rhythm and Blues, el trompetista, Donald Byrd, comenzó su carrera profesional junto al extraordinario saxofonista, Jackie McLean y posteriormente en 1955 sucedió a Kenny Dorham, en el seno de los maravillosos "Jazz Messengers" del batería, Art Blakey.

Consagrado como un brillante instrumentista, colaboró a partir de entonces con numerosos y estupendos músicos, entre los que cabe citar a: Art Taylor, Lou Donaldson, Sonny Rollins, Lionel Hampton o el mismísimo, John Coltrane. Con este curriculum, era evidente que no pasaría mucho tiempo antes de que decidiera independizarse musicalmente hablando y formara su propio grupo

Antes, en 1966, tras doctorarse en música, y dada su experiencia, pasó a presidir el Departamento de música negra de la Universidad de Howard, en Washington.
 
Os dejo un tema compuesto por Duke Pearson titulado "Cristo Redentor" y escoltado por entre otros, Herbie Hancock, Lex Humphries, Kenny Burrell, Hank Mobley y Donald Best.
El disco fue grabado por Rudy van Gelder en su estudio de Englewood Cliffs, New Jersey en Noviembre de 1963.


domingo, 24 de junio de 2012

Jackie McLean

Virtuoso del saxo alto, Jackie McLean (New York, 1932) tuvo en su casa la oportunidad de dedicarse a la música dado que su padre era guitarrista en el grupo de Tiny Bradshaw. Alumno de Bud Powell, con quien tuvo el privilegio de tocar en el mítico "Birland" en 1949, tuvo ocasión de colaborar con Sonny Rollins, Thelonious Monk, Kenny Drew y el hijo de Andy Kirk. En 1951 trabajó con Miles Davis, con quien tuvo la oportunidad de debutar discográficamente. Entre 1955 y 1958 tocó con Charles Mingus, y con los "Jazz Messengers" de Art Blakey. Con esa magnifica preparacion, dio el paso de constituir su propio grupo en el que formaron inicialmente, Ray Draper, Mal Waldron, Doug Watkins, Art Taylor y ocasionalmente, Bill Hardman. Durante los años sesenta su trabajo tuvo unas connotaciones mas modernistas y pasó de un planteamiento netamente parkeriano, a una evolución mas propia del hardbop. Colaboró con el maestro, Ornette Coleman, con quien publicó un legendario álbum con Ornette tocando la trompeta: "New And Old Gospel", (Blue Note, 1967). A finales de la década de los sesenta desapareció de los escenarios debido a su adición a las drogas. En ese ostracismo, se dedico a dar clases de música, convirtiéndose en un gran pedagogo del jazz. Reapareció en los años setenta con mas brío e intensidad que cuando se fue y colaboró grabando discos con Kenny Drew, Ron Carter, Hank Jones o el mismísimo, Tete Montoliu, quien formó parte de su grupo. Jackie McLean, en esta segunda etapa dio al jazz lo mejor de su música y tras su amplísima etapa con el sello Blue Note, donde dejó algunas obras maestras como el álbum "Let Freedom Ring" en 1962 o el extraordinario: "One Step Beyond" grabado en 1963; fichó por el selecto sello "Steplee Chase" y a partir de 1966 combina sus trabajos en ambos sellos. Solista de gran valor y merito, con una excelente técnica y un agudo sentido del swing, Jackie McLean, ha aportado con sabiduría su granito de arena en la revalorización de esta música en el ultimo cuarto del siglo XX. Discípulo confeso del maestro Charlie Parker, de "Bird" ha heredado el fraseo rapidísimo y la riqueza de su línea melódica. McLean, es sin duda uno de los grandes herederos del bebop en la actualidad.

sábado, 23 de junio de 2012

Junko Onishi

Junko Onishi (大西 順子 Onishi Junko?, nacida el 16 de Abril de1967 en Kyoto) es una pianista de jazz japonesa de estilo post-bop.
Después de culminar sus estudios en Berklee se mudó a Nueva York dónde actuó con Joe Hendersoni, Betty Carter, Kenny Garrett, y la dinastía Mingus.
Asimismo colaboró con gente como Jackie McLean, Holly Cole, y Billy Higgins entre otros y grabó ocho discos cómo líder para el sello Blue Note. Reconoce influencias primeras de Duke Ellington Thelonious Monk y Ornettte Coleman, aunque también tene reminiscencias de McCoy Tyner y contemporáneos cómo Kenny Kirkland o Mulgrew Miller.
Aparecío en el documental grabado en 1997 "Blue Note :L A Story of Modern Jazz" interpretando del tema Trinity que podéis disfrutar en el siguiente vídeo.



viernes, 22 de junio de 2012

Johnny Hodges

Johnny Hodges (1906-1970), fue un músico extraordinario e inigualable. Su nombre permanecerá escrito en la historia del jazz, como uno de los solistas mas importantes de la gran orquesta de Duke Ellington en la que ingresó en 1928 con apenas veintidós años, y que salvo un periodo tiempo (1951-1955), no abandonaría hasta su muerte en 1970. Sus primeros pasos en el jazz los dio con el clarinetista de New Orleáns, Sidney Bechet. De Bechet, aprendió a usar el saxo soprano, instrumento que Hodges tocaría alternativamente con el saxo alto hasta 1940 en el que adoptó definitivamente este último. Posteriormente pasó efímeramente por las bandas de Lloyd Scott, Chick Webb, Luckey Roberts y Willie "The Lion" Smith. Después llegaría Ellington con quien pasó toda su vida siendo un elemento indispensable en su orquesta durante los años treinta y cuarenta. En los pupitres de Duke Ellington, Johnny Hodges, enriqueció con su sonido la ya de por sí, impecable sección de vientos de la orquesta con un sonido innovador, original y de una pulcritud innegable. Fuera de la orquesta de Ellington, abanderó números grupos o combos con miembros inclusive de la propia orquesta ellingtoniana que resultaron ser igualmente magníficos. Sus encuentros con otros músicos también son importantes, dando muestras de que era capaz de generar swing con su saxo con independencia de la formación en la que tocara. Así es destacable sus encuentros con el organista, Wild Bill Davis, con el pianista Earl Hines, con el trompetista, Dizzy Gillespie o el también pianista, Teddy Wilson. Grabó a su nombre cerca de una treintena de discos y de ellos dos sobresalen con luz propia. El primero grabado con la orquesta de Ellington - su orquesta- y en la que el "Duke" le permitió liderar la sesión y editar el disco a su nombre, un privilegio nunca concedido a ningún otro miembro de la orquesta. El titulo: "Side by Side" grabado para "Verve" en 1958. El segundo grabado en 1964 para el sello "Impulse!" y titulado: "Everybody Knows" con practicamente la sección de vientos de Ellington al completo. Con su fallecimiento en 1974, Johnny Hodges parecía anunciar el fin de la orquesta de Ellington que fallecería también cuatro años mas tarde.

jueves, 21 de junio de 2012

Johnny Hartman


John Maurice Hartman, verdadero nombre del extraordinario cantante de jazz, Johnny Hartman, tuvo en su época una relativa mala suerte. Protagonista de uno de los mas grandes álbumes de jazz vocal de todos los tiempos junto al genial maestro del saxo, John Coltrane - Impulse! 1963- la calidad del disco le persiguió durante toda su carrera y nunca volvería a grabar un disco mejor. Aquél álbum, modelo de sintonía entre cantante y acompañamiento - contiene la mejor versión vocal de todos los tiempos del clásico Lush Life - le persiguió durante toda su posterior carrera. Una carrera que comenzaría como cantante de las orquesta de Earl Hines a mediados de los años cuarenta y del trompetista, Dizzy Gillespie en 1947. Desde entonces soportó una carrera errática, fue un barítono intimista que atemperó la escuela del gran Billy Eckstine dedicándose por completo a la balada. El primer disco a su nombre fue grabado en 1955 para el selecto y pequeño sello "Bethlehem" y se tituló "Songs From the Heart", junto al trompetista, Howard Mcghee. Un titulo que indicaba claramente cual iba a ser su camino. Obligado a lidiar con el recuerdo de su encuentro con Coltrane, algunos de sus discos posteriores fueron no obstante muy buenos y especialmente el magnifico "I Just Dropped Bi To Say Hello" para el sello Impulse también en el año 1963 o el no menos brillante "The Voice That Is! de 1964 también para Impulse! En cualquier caso, Johnny Hartman, está por derecho propio en lo alto de una de las grande luminarias del jazz vocal y al final de su vida un par de discos con acompañantes sensibilizados por su voz le devolvieron sus virtudes.

miércoles, 20 de junio de 2012

Lisa Ekdahl & Peter Nordahl Trio

Os dejo un vídeo de la cantante sueca Lisa Ekdahl  ( Estocolmo 29 de julio de 1971 ) acompañada del Trio del también piniasta, compositor, productor, director y arreglista sueco Peter Nordahl.


martes, 19 de junio de 2012

Roberto Fonseca

Roberto Fonseca (Nació en el año 1975, La Habana. Cuba) pianista cubano.
Desde sus inicios, Roberto ha estado rodeado por la música ya que su padre era batería, su madre Mercedes Cortés Alfaro, cantante profesional (grabó el tema Dime que no del álbum Zamazu), además de sus dos hermanos mayores; Emilio Valdés (batería) y Jesús “Chuchito” Valdés Jr. (piano) son también dos músicos de prestigio internacional.
En sus comienzos, Roberto demostró interés por la batería, pero a los 8 años de edad se decanta definitivamente por el piano; y a los 14 comienza a experimentar la fusión de los ritmos tradicionales cubanos con el jazz americano dando un concierto con tan sólo 15 años dentro de Festival Jazz Plaza en el año 1991.
Formado en el prestigioso Instituto Superior de Arte en la Habana, obtuvo su master en composición musical, abandonando la isla una vez formado para buscar nuevos sonidos. 


lunes, 18 de junio de 2012

Al Jarreau

Alwyn López "Al" Jarreau (Milwaukee, Wisconsin, Estados Unidos, 12 de marzo de 1940), es un cantante estadounidense de jazz. 
Al Jarreau simultaneó desde niño su interés por la música con los estudios de psicología, que a la postre constituiría su primera profesión, al ejercer en San Francisco como rehabilitador durante cuatro años ayudando a gente con problemas de alcoholismo, drogas, esclerosis múltiple o amputaciones. Musicalmente, su primera experiencia musical la tuvo en el grupo The Indigos, un grupo de aficionados que se sentían influidos por Lambert, Hendricks y Ross, y otros vocalistas. Posteriormente, se unió al trío del teclado George Duke, con el que tocaba por las noches en el Club Half Note, tras trabajar por el día en su profesión. Ayudado por los productores Tommy LiPuma y Al Schmitt consiguió editar sus primeros discos. 
Os dejo una excelente interpretación del tema brasileiro "Mas que nada" acompañado del gran Michel Petrucciani al piano.


domingo, 17 de junio de 2012

Richie Beirach


Richard Aron Beirach 23 de Mayo1947 Brooklyn, New York City. Comenzó a tocar el piano a los 5 años de edad. El pianista y compositor James Palmieri fue su profesor de piano desde los 6 a los 18 años.  "James Palmieri me enseñó todo lo que sé sobre música,…me enseñó el profundo significado de la música.."  La clases de Palmierie era muy severas y hasta los 13 años tocó exclusivamente música clásica. A esa edad escuchó en casa de un amigo la versión de "Billy Boy" de Red Garland del álbum "Milestones" de Miles Davis : "No podía creérlo. Era justamente lo que yo buscaba, lo que yo necesitaba. A partir de ahí, y a pesar del odio de su profesor hacia el jazz, buscó contacto con  músicos de Jazz, pero sin dejar las clases con Palmieri.

Os dejo una espectacular versión, con unos solos asombrosos,  de la Gnossiene nº1 de Erik Satie.


sábado, 16 de junio de 2012

Georgie Fame

Georgie Fame (Nacido como Clive Powell el de 26 de junio de 1943 en Leigh cerca de Mánchester en Inglaterra) es un músico británico de rhythm and blues y jazz, cantante conocido principalmente por ser un virtuoso de los teclados, destacando ente ellos el órgano Hammond. Desde primeros de los ochenta hasta 1997 con el álbum The Healing Game, Fame was un miembro de la banda de Van Morrison, así como su productor musical, tocando los teclados y cantando en temas como "In the Days before Rock 'n' Roll". En esta época también hizo giras con su propio nombre. Fame ha tocado con frecuencia en clubs de jazz de modo residente, tal como en el Ronnie Scott's. También ha tocado el órgano en el álbum Starclub's. Georgie Fame and the Blue Flames fueron los únicos que actuaron invitados por el sello Motown en el Reino Unido cuando esta empresa hizo una visita a mediados de los años sesenta. Fame también ha colaborado con algunos de los músicos más exitosos del mundo. Tocó el órgano en todos los discos de Van Morrison publicados entre 1989 y 1997. También hizo de director musical y de protagonista en la fiesta del 60 cumpleaños de Terry Dillon el 10 de mayo de 2008. Fame también fue miembro fundador de la banda de Bill Wyman The Rhythm Kings y también ha trabajado con Count Basie, Alan Price, Gene Vincent, Eddie Cochran, Eric Clapton, Muddy Waters, Joan Armatrading y la banda The Verve. 

Veamos un vídeo junto a Van Morrison en un concierto celebrado en Londres.

viernes, 15 de junio de 2012

Phil Woods

Phil Woods, empezó a interesarse por la música cuando heredó de un tío suyo, un saxo. A finales de los años cuarenta se traslada New York decidido a hacerse músico profesional. Estudió con el pianista, Lennie Tristano y posteriormente en la "Manhattan School of Music" y en la prestigiosa "Julliard School" donde se licencio en el estudio del clarinete. Sus primeros contratos profesionales se remontan a 1954, cuando tras una breve colaboración con Richard Haynes, fue contratado sucesivamente por las orquestas de Charlie Barnet y por el quinteto de Jimmy Raney. Tambien en 1954 grabó su primer disco a su nombre y en quinteto para el sello "New Jazz" y titulado: "Phil Woods and New Jazz Quintet"

En 1956, militó en la orquesta de Dizzy Gillespie, actuando con el celebra trompetista en casi todo el mundo durante los tres años que estuvo con él. Posteriormente estuvo con la banda del maestro de la batería, Buddy Rich en 1958 y entre 1959 y 1961, perteneció a la orquesta de Quincy Jones, donde grabó numerosos álbumes. En 1961 grabó su primer gran disco en quinteto con composiciones propias. El álbum se titulo "Rights of Swing" y se grabó para el sello "Candid" con el acompañamiento, entre otros grandes músicos, de Tommy Flanagan al piano y Curtis Fuller al trombón. En 1962 participó en el improvisado grupo que acompaño al clarinetista, Benny Goodman de gira en la Unión Soviética y de cuyo recuerdo queda el disco: "Benny Goodman and his Orchestra en Moscow".

Tras participar como jazzmen de Thelonious Monk y de Oliver Nelson, no volvió a grabar a su nombre hasta 1966. En 1968 abandonó los Estados Unidos, asqueado por el racismo y se trasladó al viejo continente, afincándose en Paris donde fundó uno de sus grupos mas famosos, el cuarteto denominado "European Rhythm Machine" con la que recorrió Europa de cabo a rabo y grabando varios álbumes importantes, entre ellos el grabado en directo en el festival de jazz de Montreux en 1969 o en el festival de jazz de Frankfurt. A principios de la década de los setenta, volvió a New York y en 1974 graba lo que muchos consideran su obra maestra: "Musique du Boys", un álbum revitalizador de su música producto de su encuentro con Michel Legrand y acta fundacional de la música que Phil Woods haría a partir de entonces. Con ese cuarteto extraordinario que grabó "Musique du Bois" (Jaki Byard al piano; Richard Davis al contrabajo y Alan Dawson a la batería) Phil Woods, puso las cosas en claro sobre donde estaba el peso de la tradición moderna y ayudó en gran medida a reconducir el jazz a sus cauces naturales, en una época, principios de los setenta, donde el jazz estaba bastante desconcertado.

La discografía de Phil Woods, es amplísima y de una gran calidad media. Desde mediados de los años setenta, en distintos cuartetos o quintetos, su formula musical preferida, Phil Woods ha grabado discos con los mas grandes instrumentistas del jazz y varias casas discográficas conservan lo mejor de su música en esos años. Muy vinculado en sus inicios, tanto musical como personalmente, a la figura del maestro, Charlie Parker (tras su muerte contrajo matrimonio con la compañera de Parker, Chan Richardson, adoptando incluso los hijos de Parker y heredando el saxo alto del genio de Kansas City), Phil Woods esta considerado como el mas brillante discípulo blanco de Charlie Parker.
 
Philm Woods protagonizó una escena curiosa en cierta aduana. Cuando el saxofonista mostró su equipaje a los funcionarios de aduanas correspondientes y éstos vieron una pipa de agua con la que solía fumar opio, tuvo que echar mano de su capacidad de improvisación para convencerlos de que era una lámpara. Lo dejaron pasar.

Os dejo éste vídeo grabado en Barcelona en plena forma a los 79 años de edad.


jueves, 14 de junio de 2012

Graham Bond

Las primeras noticias que se tienen de Graham Bond lo ubican tocando el saxo alto en el quinteto del jazzman Don Rendell antes de unirse a la Blues Incorporated de Alexis Korner, verdadera usina del rhythm and blues inglés donde, entre otras cosas, se gestó el germen de los Rolling Stones. 
En 1963 Graham Bond forma su propio cuarteto llevándose a varios músicos del grupo de Korner: Jack Bruce al bajo, Ginger Baker a la batería y John McLaughlin a la guitarra eléctrica. En esa primera época, la orientación de la banda es decididamente jazzera, aunque -como detalle curioso- cabe destacar que el cuarteto de Graham Bond, con Bruce, Baker y McLaughlin acompañó en ocasiones al cantante Duffy Power y llegó a grabar una versión del tema de Paul McCartney “I saw her standing there” en forma contemporánea a la propia versión que los Beatles registrarían en su primer álbum Please Please Me. 
Hacia 1964 el grupo comienza a inclinarse más al rhythm and blues y para cuando el saxofonista Dick-Heckstall Smith reemplaza a John McLaughlin ya se los conocía como The Graham Bond Organisation. 
Bond era un adelantado. Además de tocar el saxo alto, fue el primer músico inglés en utilizar abundantemente el órgano Hammond en un contexto de rhythm and blues, y uno de los pioneros en el uso del mellotrón. En poco tiempo, la Organisation se convirtió en una de las principales atracciones de la escena inglesa de clubes, como desmuestra una grabación de esta época registrada en el local Klook’s Kleek que, a pesar de su precariedad técnica, da una clara idea de la energía que la banda desplegaba sobre el escenario. 
La Graham Bond Organisation grabó dos álbumes con esta formación. The Sound of 65, editado a principios de 1965, traía un gran favorito de sus conciertos, “Neighbour Neighbour”, y la primera versión grabada del tema “Traintime”, donde Jack Bruce canta y toca la armónica en el que luego sería uno de los temas cruciales del repertorio de Cream. El segundo álbum, There’s A Bond Between Us, aparecido en 1966, mostraba una notable evolución y destacaba el cover del clásico de Ray Charles “What’d I say”, la versión de “Have you ever loved a woman?” de Freddie King, aquí acreditada al propio Graham Bond y el tema de Ginger Baker “Camels and elephants”, donde el futuro baterista de Cream y Blind Faith le daba rienda suelta a sus parches. 
A mediados de los ‘60 la Organisation se disolvió. Bruce y Baker integraron Cream con Eric Clapton y Dick Heckstall-Smith formó el grupo Colosseum. Graham Bond grabó un par de álbumes en los Estados Unidos y a su regreso a Inglaterra participó en varios proyectos de corta duración, incluyendo el grupo Holy Magick -que formó con su esposa, la cantante Diane Stewart- (álbumes Holy Magick y We Put Our Magick On You), y la fugaz banda Airforce, de Ginger Baker, que también incluyó a Stevie Winwood y al futuro integrante de Wings, Denny Laine. Otro proyecto de esta época fue la grabacion, en 1972, del álbum Two Heads Are Better Than One con el poeta y letrista Pete Brown, co-autor de muchos temas de Cream junto a Jack Bruce. De ahí en adelante las cosas no le fueron bien a Bond. Se hablaba de abuso de drogas, de depresiones y de un interés cada vez más intenso en el ocultismo, la magia y los rituales esotéricos. 
En mayo de 1974, cuando parecía a punto de regresar al mundo de la música, Bond murió bajo las ruedas del metro en la estación Finsbury Park, en el noreste de Londres, en circunstancias misteriosas. En ese hecho trágico desaparecía una figura clave en la evolución de la música inglesa en los ’60. Un catalizador que unió el campo del rhythm and blues y el jazz y abonó el terreno para el desarrollo del rock progresivo en los años subsiguientes.


miércoles, 13 de junio de 2012

Blame It On My Youth

"Blame It on My Youth" (Échale la culpa a mi juventud), es un standard del jazz compuesto por Oscar y Edward Heyman en 1934. De las múltiples versiones que se han hecho, os dejo dos de las mejores por parte de Chet Baker y Keith Jarrett.
:
"Blame It on My Youth"
If, I expected love, when first we kissed, blame it on my youth
If only just for you, I did exist, blame it on my youth
I believed in everything
Like a child of three
You meant more than anything
You meant all the world to me

If, you were on my mind, all night and day, blame it on my youth
If, I forgot to eat, and sleep and pray, blame it on my youth
If I cried a little bit, when first I learned the truth
Don't blame it on my heart, blame it on my youth


martes, 12 de junio de 2012

Till Brönner

Till Brönner (1971, Viersen, Alemania, 1971) es un trompetista de jazz alemán. También se desempeña como cantante, productor y compositor. Su estilo combina el bebop y el jazz fusion, e incluye influencias de música pop, de bandas sonoras de películas de musiques de films (en particular de antiguas películas alemanas), de country e incluso de canciones alemanas de carnaval.

Till Brönner se criÓ en Roma, pero estudiÓ trompeta clásica en Bonn-Bad Godesberg (Alemania), en la escuela jesuÍta Aloisiuskolleg, antes de interesarse por la trompeta de jazz en la academia de música de Colonia junto a los profesores Jiggs Whigham y Jon Eardley.

En 1993 lanza al mercado su primer álbum, Generations of Jazz, grabado junto con Ray Brown, Jeff Hamilton, Frank Chastenier y Grégoire Peters, que recibió numerosos premios (ej. "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" y "Preis der Deutschen Plattenindustrie").

En el trascurso de su carrera ha tenido la ocasión de trabajar con Dave Brubeck, James Moody, Monty Alexander, Aki Takase, Joachim Kühn, Chaka Khan, Natalie Cole, Tony Bennett, Ray Brown, Johnny Griffin, Ernie Watts, Klaus Doldinger, Nils Landgren y Al Foster, entre otros.

En 2006 aparece su álbum Oceana, en el que participaron Madeleine Peyroux, Luciana Souza y Carla Bruni y en 2008, Rio, junto con Annie Lennox, Aimee Mann, Sérgio Mendes, Milton Nascimento, Melody Gardot, Vanessa da Mata, Luciana Souza y Kurt Elling.

Por si alguien pensaba que versionar a Leonard Cohen era sencillo, en el siguiente vídeo queda demostrado lo contrario.


lunes, 11 de junio de 2012

Hank Mobley

El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: "Horace Silver and the Jazz Messengers"; Mobley entró en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach).

Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: "Soul Station" con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venia pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos mas importantes en la batería del jazz contemporáneo.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986. 
Os dejo un vídeo del tema 'I shoud care' con el mismo Hank Mobley al saxo tenor, Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al contrabajo y Philly Joe Jones en la batería, todo un lujo de cuarteto.



domingo, 10 de junio de 2012

André Previn

Andreas Ludwig Priwin, (Berlín, 6 de abril de 1929), conocido como André Previn, es un pianista, director de orquesta y compositor estadounidense de origen alemán. 

André Previn nació en una familia judía de Berlín. Emigró con su familia a los Estados Unidos en 1938 huyendo del régimen nazi. Consigue la nacionalidad estadounidense en 1943, se establece en Los Ángeles y comienza su carrera en 1948 arreglando y componiendo música para películas de Hollywood. Durante muchos años trabajó en el departamento musical de la Metro Goldwyn Mayer, dirigido por Arthur Freed. 
A finales de la década de 1950, grabó discos como pianista de jazz que aparecieron sobre todo en la discográfica Contemporary Records. Colaboró con Shelly Manne y Benny Carter. Su álbum con Manne con canciones de My Fair Lady (1956) tuvo un éxito enorme. 
En 1967, Previn es nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston y al año siguiente de la Orquesta Sinfónica de Londres, con la que grabará numerosos y prestigiosos discos. Otras orquestas con las que colaboró estrechamente fueron la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, la Royal Philharmonic Orchestra de Londres y la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. Desde 2002 a 2006 fue director musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo. 
Tras su carrera en Hollywood, se concentró en la composición de numerosas obras de música clásica. Su primera ópera fue A Streetcar Named Desire («Un tranvía llamado deseo»), con libreto de Philip Littell basado en la obra de teatro de Tennessee Williams y estrenada en la Ópera de San Francisco en 1998 con Renée Fleming en el papel de Blanche Dubois. 
En 2009 estrenó en Chicago su segunda ópera Brief encounter (Breve encuentro) basándose el la película homónima de David Lean, con Nathan Gunn en el rol de Alec Harvey. Entre el resto de sus obras destaca un Concierto para violonchelo dedicado a Yo-Yo Ma, un Concierto para piano dedicado a Vladimir Ashkenazy, un concierto para guitarra, ciclos de canciones dedicados a grandes intérpretes como Janet Baker, Kathleen Battle, Barbara Bonney, Anthony Dean Griffey…

sábado, 9 de junio de 2012

My One And Only Love

"My One and Only Love" es una cación muy conocida compuesta por Guy Wood con letra de Robert Mellin en 1952. La han versionado desde John Coltrane a Sting en la inolvidable "Leaving Las Vegas", pasando por Sonny Rollins, Ella Fitzgerald, Chet Baker, Stevie Wonder, Joshua Redman, Chick Corea, Louis Armstrong y tantos otros, llegando incluso a músicos de segunda fila como Doris Day y Paul McCartney.
Os dejo una versión de dos músicos verdaderamente grandes, Ben Webster y Art Tatum.


viernes, 8 de junio de 2012

Dianne Reeves

Descubierta por el trompetista Clark Terry cuando todavía iba al colegio, la cantante Dianne Reeves, comenzó a cantar en la banda de su escuela, y con ella recibió un premio durante la Citywide Big Band, una competición escolar celebrada en Denver. Aquél premio le sirvió para asistir a la conferencia de la National Association of Jazz Educators en Chicago. Terry la escuchó durante la conferencia y decidió ayudarla. Dianne Reeves ha cantado con el trompetista cuando aún estaba en la Universidad de Colorado. Inició su carrera en Los Ángeles en 1976. En California, Diane Reeves descubre el trabajo en estudio, y se empapa de cultura musical. Graba con Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson, y The Latin Ensemble. Entre 1978 y 1980, conoce a Billy Childs y comienza una relación artística que durará diez años; con Childs, Dianne aborda el período de desarrollo musical más importante de su vida. Acompaña al grupo Night Flight en el conocido "circuito de las playas" americanas, dándose a conocer en todo el sur de California En 1981 trabaja con Sergio Mendes y con el compositor Phil Moore. Ya en aquella época recibe los primeros elogios de la critica y las primeras muestras de reconocimiento del publico. Al años siguiente, Dianne y Billy producen su primer álbum para el sello "Palo Alto" titulado: "Welcome To My Love" En 1986 Reeves, se instala en Nueva York y tras grabar su segundo álbum, en el que se aprecia mucho la influencia de Harry Belafonte: "Fore Every Heart" (Palo Alto) regresa a la costa Oeste donde ambos deciden formar un trío con el que realizan una amplia gira por todos los Estados Unidos. En 1987, Dianne Reeves interviene en el concierto "Echoes of Ellington" en Los Ángeles, en homenaje al gran compositor y pianista. Esa noche Bruce Lundvall, presidente de Blue Note Records, está entre el publico y tras escucharla la invita a entrar en su discográfica, una decisión que reforzará definitivamente su carrera. Su primer álbum para el sello de la etiqueta azul, "Dianne Reeves" (Blue Note-1987) incluye un arreglo del tema de Ellington: "Better Days" que se convierte en un enorme éxito. Tras el éxito de ésa primera grabación, Dianne inicia una gira por los Estados Unidos y Asia que se prolonga hasta 1989. Sus grabaciones se suceden año tras año y su voz es muy apreciada por los entendidos y el publico de jazz. En 1991 graba: "I Remember" para Blue Note y el disco permanece durante mas de tres meses en la lista de jazz vocal mas vendidos de los Estados Unidos. A ése enorme disco le siguen: "Art and Survival" para el sello EMI en 1994, trabajando junto al productor Eddie del Barrio, amigo y cómplice de aventuras musicales. Un nuevo álbum al año siguiente para Blue Note: "Quiet After The Storm" fue nominado para el Grammy por la Best Jazz Vocal Performance. Ya subida en la cresta de la ola, graban un disco con los grandes del jazz entre los que se encuentran: Joe Williams, Clark Terry, Harry "Sweets" Edison, James Moody, Phil Woods, Toots Thielemans, y Kenny Barron. El disco se titula: "The Grand Encounter" y constituyó un enorme éxito. Dianne Reeves, sigue en la actualidad grabando discos para Blue Note y está afianzada como una de las voces mas cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo y sus admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que saca al mercado.
Os dejo estas versiónes de los clásicos "Morning Has Broken" y "Suzanne"compues por de Cat Stevens y Leonard Cohen respectivamente.


jueves, 7 de junio de 2012

Gorge Coleman

El saxofonista, George Coleman, (Memphis-Tennessee- 1935), debutó en los años cincuenta en la banda del genial bluesman, B.B. King y ese espectacular comienzo de carrera musical, marcó su destino y su estilo como saxofonista de jazz. Adscrito al movimiento Hardbop, de la mano del baterista, Max Roach (1958-1959) o del octeto del pianista, Slide Hampton, (1959-1961) despuntó en varias formaciones adquiriendo prestigio y calidad. Su mayor momento de gloria como músico lo alcanzó a principios de los años sesenta cuando formó parte del quinteto del trompetista, Miles Davis, grabando entre otros temas el mítico: "All Blues". Junto a el, estuvieron en aquél quinteto, además del propio Miles, Herbie Hancock, al piano, Ron Carter al bajo, y Tony Williams a la batería. A partir de aquel momento su prestigio y su caché como músico aumentó notablemente y ello le valió que participara en numerosas grabaciones al lado de los grandes del jazz, entre ellos, Elvin Jones o Lionel Hampton. George Coleman, también intentó aunque con menor éxito, consolidar su propio grupo donde intentaba fomentar su creatividad y su capacidad imaginativa para la improvisación. En 1974, reapareció junto a su antiguo compañero de quinteto, Herbie Hancock para participar en el álbum: "Maiden Voyage" una autentica obra maestra. 
Os dejo un vídeo del clásico "My Foolish Heart" junto al gran Ahmad Jamal. 

martes, 5 de junio de 2012

Tomasz Stanko

Ese dia llevaba música del último hallazgo:Tomasz Stanko era un trompetista polaco que sonaba como el fantasma de Miles Davis. Su instrumento era intenso y emotivo. Era una buena música de vigilancia, que mantenía a Bosch alerta. A las cuatro de la tarde sonó Soul of Things en el reproductor de CD y Bosch no pudo evitar pensar que incluso Miles Davis daría su reconocimiento s Stanko aunque fuera a regañadientes.
Michael Connelly - Nueve Dragones

Tomasz Stańko (nacido el 11 de Julio 1942) es un trompetista y compositor polaco.
Estar en la vanguardia durante 40 años es un hito al alcance de pocos talentos. Tomasz Stanko, sin embargo, arropado desde 1974 por el sello —y la garantía inequívoca— ECM, es uno de ellos. Con una trompeta que lleva años sirviendo de motor evolutivo para la escena jazzística centroeuropea, el jazzman más célebre de Polonia sobresalió en la década de los 60 como uno de los primeros europeos en hacer free jazz y, desde entonces, nadie ha sido capaz de domesticarlo. Stanko es uno de los trompetistas más intensos, elegíacos y a la vez inquietos de la historia.



lunes, 4 de junio de 2012

Nils Landgren

Nils Landgren nació en 1956. Es un trombonista sueco especializado en la música de jazz y el funk. Entre 1972 y 1978 estudió trombón clásico en el colegio de música de Karlstad y en la universidad en Arvika. Tras conocer al pionero del jazz-folk sueco Bengt-Arne Walling, así como al trombonista Eje Thelin, dio un giro a sus intereses musicales de lo estrictamente clásico hacia la improvisación, dando así comienzo al desarrollo de su estilo y mundo propio. Tras su graduación, Nils se mudó a Estocolmo para trabajar como trobonista profesional. Pronto hizo giras con la exitoso estrella del pop sueco Björn Skifs cuyo "Blue Swede" alcanzó el número uno de ventas en U.S. En 1981, Thad Jones invitó a Landgren a unirse a su nuevo proyecto de big band "Ball of Fire", como primer trombonista. Nils Landren siempre ha estado interesado en la mayoría de estilos musicales de calidad como el jazz y rock, soul y hip hop, big bands. Por su propio reconocimiento como músico de sesión, ha participado al menos en 500 álbumes de artistas internacionales como ABBA, The Crusaders, Eddie Harris, Bernard "Pretty" Purdie, Wyclef Jean y Herbie Hancock. En 1983 llegó el álbum de debut de Nils llamado Planet Rock al que siguieron Streetfighter en 1984, You Are My Nr 1 en 1985, Miles from Duke with Bengt-Arne Wallin en 1987, Chapter Two 1 en 1987, Chapter Two 2 y Follow Your Heart en 1989. Entre 1985 y 1987 Nils también trabajó como actor, cantante y trombonista y bailarín en más de 360 actuaciones del show sueco "play of the year", SKÅL, así como apariciones en varios filmes televisivos como actor. 
Oa dejo dos vídeos, el primero en el Jazz Baltica junto a Pat Metheny (guitarra), Wofgang Haffner (percuisón) , Esbjorn Svensson (piano) y Michael Brecker (saxo tenor) con el tema
" This Masquerade " y el segundo con una versión del clásico "I will survive" de Gloria Gaynor.


domingo, 3 de junio de 2012

Don Sebesky

Don Sebesky (10 de Diciembre de 1937, Perth Amboy, New Jersey) es un trombonista, teclista y arereglista de jazz. Sebesky aprendió a tocar el trombón en la Manhattan School of Music; a comienzos de su carrera musical actuó con Kai Winding, Claude Thornhill, Tommy Dorsey, Warren Covington, Maynard Ferguson y Stan Kenton. In 1960 se independizó como arreglista y director. Uno de sus más conocidos arreglos fue para el LP de 1965 grabado por Wes Montgomery y titluado "Bumpin'". Otros trabajos incluyen "The Shape of Things to Come= de George Benson, "From the Hot Afternoon" de Paul Desmond y "First Light" de Freddie Hubbard. Su canción "Memphis Two-Step" fue el tema del título del disco de Herbie Mann de 1971. Colaboró con orquestas como London Symphony, Chicago Symphony, Boston Pops, The New York Philharmonic, Royal Philharmonic of London, y la Toronto Symphony.
Os dejo una versión, con sus arreglos, del archiconocido tema de guitarra clásica española interpretado por Paul Desmond (saxo alto) Bob James (piano) Gabor Szabo, Gene Bertoncini (guitarras) Ron Carter (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería)y grabado en Englewood Cliffs, New Jersey: 27-28 de Noviembre y 4 de Diciembre de 1973. 


viernes, 1 de junio de 2012

Kenny Barron

Kenny Barron, comienza a dar lecciones de piano a los doce años y en 1957 logra su primera participación en una orquesta. Tras un breve paso por las formaciones de Philly Joe Jones y Yusef Lateef (1960), se instala en Nueva York, donde trabaja con Ted Curson y, luego con James Moody, Lee Morgan, Lou Donaldson (1961). Al año siguiente toca con Roy Haynes, antes de reemplazar (por recomendación de James Moody) a Lalo Schiffrin en el quinteto de Dizzy Gillespie, donde se da a conocer y que abandona en 1966 para tocar con Freddie Hubbard y Stanley Turrentine. En marzo de 1970 se incorpora al cuarteto de Yusef Lateef; trabaja luego con Milt Jackson, Jimmy Heath, Stan Getz (1974-1975) y posteriormente inicia una duradera colaboración con Ron Carter (1976-1980). En 1981, es junto al saxofonista Charlie Rouse, uno de los fundadores de Sphere, grupo al que permanecerá fiel hasta su disolución además de trabajar, a partir de 1984, con Bobby Hutcherson y de acompañar a numerosos músicos en grabaciones o giras (como por ejemplo a Stan Getz en su gira europea de verano de 1987). En 1972 da clases de piano en el Jazzmobile Workshop y, desde1973, de practica y teoría musical El estilo y la trayectoria de Kenny Barron guardan cierta similitud con los de Tommy Flanagan y Hank Jones: ha acompañado a muchos músicos, ha sabido adaptarse a cada contexto con un oficio impresionante. Verdadero estilista del bebop, a principios de los años ochenta se convierte en una especie de depositario de determinada tradición del piano-jazz moderno: trabaja especialmente la sonoridad, un desarrollo armónico refinado y formulas rítmicas inexploradas, todo ello sin abandonar jamás su profundo arraigo en el swing.
Os lo dejo en una actuación en el Jazz Baltica.