domingo, 31 de marzo de 2013

Makoto Ozone

El pianista japonés Makoto Ozone es posiblemente el mejor ejemplo de niño prodigio del jazz de nuestra era. Nació en Kobe (Japón) en 1961. Comenzó a tocar el órgano a la edad de 2 años (según le contaron sus incrédulos padres) y comenzó a improvisar a la edad de 7 años. También apareció en programas de televisión japonesa juanto a su padre Minoru entre 1968 y 1970.
Con 12 años ya era un apasionado de Oscar Peterson, lanzándose a girar por todo Japón en la Tadao Kitano and Arrow Jazz Orchestra Big Band. Con 20 años ingresa en la Escuela de Música de Berklee (Massachusetts) un verdadero semillero de jóvenes promesas del Jazz actual (como Esperanza Spalding) con un alto porcentaje de estudiantes no estadounidenses. Empezó a tocar por Boston y por allí coincidió con Gary Burton, que no en balde era vicepresidente de la escuela. Al unirse al cuarteto del vibrafonista empezó a girar por todo el mundo a principios de los años 80, produciendo su primer disco Makoto Ozone en 1983. Actuó como solista al piano en el Carnegie Hall como parte del programa del “Coal Jazz Festival”, produciendo tres álbumes más para el sello  CBS, “After”, “Now You Know”, y “Spring is Here” -en homenaje al recién fallecido entonces Bill Evans-, y antes de asentarse en Japón en 1989 fue artista invitado en álbumes de otros artistas como Paquito De Rivera, Marc Johnson, Chuck Loeb, y por supuesto, en muchas obras de Gary Burton.
1989. Makoto vuelve a Japón y firma contrato con JVC, lanzando 3 discos: “Starlight”, “Paraíso Wings” y un álbum acompañado por una orquesta de cuerdas, “Walk Alone”. En 1994 firma por Verve y graba un álbum como solista al piano justo a Peter Erskine en la batería y John Patitucci en el bajo. En 1996 se une a dos excepcionales músicos japoneses, el bajista Kiyoshi Kitagawa y el batería Clarence Penn en el “Floating Jazz festival”, entrando inmediatamente al estudio de grabación con ellos para grabar una obra clave “The Trío” que consigue el premio al mejor disco de jazz del 97 por “Swing Journal”. Le sigue otro con composiciones originales titulado “Three Wishes of Makoto”, y el siguiente, titulado “Dear Oscar”, dedicado a su admirado Peterson, gana el premio de 1998.
En los 90 vuelve a Estados Unidos y sigue combinando actuaciones y nuevas grabaciones prácticamente cada año, siendo aclamado por la crítica y público como uno de los “piano jazzmen” más brillantes de nuestro tiempo.
Fuente

sábado, 30 de marzo de 2013

La larga historia de un viejo blues


Una antigua historia del siglo XVIII sobre un soldado que contrae una enfermedad venérea por su trato con prostitutas y que, a pesar de haber sucumbido a la Enfermedad de Cupido, pide honores para su funeral cual héroe caído en combate. Este va a ser elpunto de partida para el presente artículo: la leprosería de St. James, famosa por ser la primera de Londres, pues fue fundada en 1082 aunque sería demolida en 1532 para construir el palacio de St. James.

Esta historia fue glosada en una canción llamada The Unfortunate Rake, cuya versión más antigua fue datada en 1848 en el condado irlandés de Cork, por un músico errante que decía haberla aprendido en Dublín en el año 1790. La canción fue adaptándose a las circunstancias y cambió de escenarios y protagonistas varias veces con el paso de los años. A. L. Lloyd nos ilustra sobre este devenir en las notas al disco de 1956 English Street Songs.
A principios del siglo XIX, en las zonas portuarias, el protagonista de la canción pasó a ser un marinero y el título cambió por el de The Whores of the City (Las Putas de la Ciudad). Años más tarde, cambió el sexo del protagonista y en esta nueva versión, llamada The Young Girl Cut Down in Her Prime (La Joven Fallecida en la Flor de la Vida), era una chica la persona enferma de sífilis.
Cuando esta balada llegó a los Estados Unidos, los cowboys la hicieron suya y le dieron el nombre de The Streets of Laredo, la famosa ciudad tejana a orillas del río Bravo. En esta versión, tanto la chica como el vaquero reclaman también un funeral con honores militares.
Con la llegada del siglo XX, esta canción es recogida por el jazz y convertida en un estándar de gran éxito cuando Louis Armstrong la grabó en 1928 bajo el nombre de St. James Infirmary. Permanece en esta versión el funeral, si bien convertido en una procesión de los barrios bajos.
Esta canción destaca por la melancolía de su letra y el acompañamiento musical de una marcha funeral al estilo Nueva Orleans. En la primera parte de la canción, el protagonista cuenta en un bar cómo, cuando fue a ver a su chica al hospital de St. James, la encontró tendida en una mesa blanca, tan fría, tan dulce, tan bella…

I went down to St. James Infirmary,
Saw my baby there,
Stretched out on a long white table,
So cold, so sweet, so fair.
Let her go, let her go, God bless her,
Wherever she may be,
She can look this wide world over,
But she'll never find a sweet man like


A continuación, de forma más patética que triste, el protagonista pide que cuando muera, la comitiva fúnebre sea de categoría selecta: seis jugadores de dados para portear el féretro, tres mujeres bonitas como plañideras, una banda de jazz subida en el coche fúnebre:

I want 6 crapshooters to be my pallbearers
3 pretty women to sing a song
Stick a jazz band on my hearse wagon
Raise hell as I stroll along
De entre las más de 120 versiones de esta canción, incluida una de Blind Willie McTell
llamada Dying Crapshooter’s Blues, escogeremos, por ejemplo, la de Josh White:
St. James Infirmary, de Josh White (1944)
It was down by old Joe's barroom, on the corner of the square
They were serving drinks as usual, and the usual crowd was there
On my left stood Big Joe McKennedy, and his eyes were bloodshot red
And he turned his face to the people, these were the very words he said
I was down to St. James infirmary, I saw my baby there
She was stretched out on a long white table,
So sweet, cool and so fair
Let her go, let her go, God bless her
wherever she may be...
She may search this whole wide world over
never find a sweeter man as me....
When I die please bury me in my high top Stetson hat
put a 20 dollar gold piece on my watch chain
The gang'll know I died standing pat
Let her go, let her go God bless her
Wherever she may be
She may search this wide world over
Never find a sweeter man as me
I want 6 crapshooters to be my pallbearers
3 pretty women to sing a song
Stick a jazz band on my hearse wagon
Raise hell as I stroll along
Let her go Let her go
God bless her
Wherever she may be
She may search this whole wide world over
She'll never find a sweeter
Man as me…

Como curiosidad sobre esta canción, en la película de 1933 de Betty Boop, Snow White, el personaje Koko the Clown, interpretado por Cab Calloway , canta St. James Infirmay cuando cree que Betty ha muerto.

KEEP ACHIN’ BLUES
An Experience By Héctor Martínez

Os dejo la versión de Louis Armstrong, posiblemene la más conocida.

viernes, 29 de marzo de 2013

Duke Pearson

Duke Pearson fue un pianista, compositor y arreglista estadounidense.

Columbus Calvin Pearson, Jr, más conocido como Duke Pearson había comenzado estudiando diversos instrumentos de viento y piano, y fue su habilidad con este último instrumento la que le valió, por parte de su tío -un admirador de Duke Ellington- su sobrenombre. Problemas dentales le hicieron concentrarse en el estudio del piano, y como tal trabajó en Atlanta y en otras ciudades de Georgia y Florida antes de trasladarse aNueva York en 1959. Allí conoce al trompetista Donald Byrd e ingresa en su banda, además de participar en el sexteto de Arte Farmer/Benny Golson y acompañar a Nancy Wilson. En 1963 arregla diversos temas en formación de septeto y coro de ocho voces para el álbum de Donald Byrd "A New Perspective", trabajo que incluía su "Cristo Redentor", un hit instantáneo. De 1963 a 1970registra varias sesiones para Blue Note, y publica también bajo su nombre. De 1967 a 1970, y después también en 1972 lidera una big band que incluye músicos del calibre de Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker o Garnett Brown. A lo largo de la década de los 70 continúa su trabajo como acompañante de distintos solistas, entre las cuales destaca Carmen McRae, pero cae gravemente enfermo y finalmente fallece por complicaciones derivadas de la esclerosis múltiple en 1980.

Pianista cauto pero dotado, Duke Pearson será recordado sobre todo por haber sido el autor de varias piezas memorables, como el "Cristo Redentor" que compuso para Donald Byrd, su "Sweet Honey Bee", editado en conjunción con Lee Morgan y "Jeannine", un tema que ha alcanzado la categoría de estándar de jazz.1 A finales de los 60, y como la mayoría de los artistas de la Blue Note Records, Pearson viró desde el jazz más convencional hacia un soul jazz más comercial, aunque Pearson no perdió su toque delicado y su buen gusto al piano.2 Maestro consumado en el campo del jazz, la música de Pearson refleja elementos procedentes de ámbitos tan diversos como el pop, el hard bop, el soul-jazz, la bossa nova, el latin jazz, el funk o la música de las grandes big bands.

jueves, 28 de marzo de 2013

Carmen Lundy


Nacida en Miami (Florida) la cantante Carmen Lundy da sus primeros pasos en el canto a través de la música religiosa y ya a los seis años cantaba gospel. Su familia tiene una amplia tradición musical, y su hermano Curtis es contrabajista y estuvo durante algún tiempo en el grupo de la cantante, Betty Carter. A partir de los nueve años estudia piano y pronto graba su primer disco formando parte de un dúo vocal denominado "Salt & Pepper". Se gradúa en la especialidad de Ópera en la Universidad de Miami y su encuentro con el jazz se produce cuando la invitan a un concierto. Cuando observa que en el jazz tiene mas libertad para cantar que en el corsé de la música clásica da un giro de 180 grados a su carrera para dedicarse profesionalmente al jazz.

A finales de los años setenta viaja a New York y entra en contacto con el ambiente jazzistico de la Gran Manzana a través de uno de su clubes emblemáticos: El Village Vanguard; allí trabaja ocasionalmente con Thad Jones y Mel Lewis, y obtiene un papel protagonista en distintas comedias musicales de gran nivel como: "Sophisticated Ladies" o "They Were All Gardenias" donde interpreta el papel de Billie Holiday. En 1987 publica su primer disco como líder: "Good Morning Kiss" para el sello "Blackhawk" y después en 1988 "Night & Day" para la CBS/Sony. En 1991 fija su residencia en California donde se dedica a perfeccionar sus habilidades con la pintura a la que es muy aficionada. Graba para la compañía Arabesque el álbum "Moment to Moment" y a continuación firma un contrato de exclusividad para el sello JVC donde publica sucesivamente: "Self Portrait" en 1994 y tres años mas tarde, el que quizás sea su mejor disco hasta el momento: "Old Devil Moon".

Cantante de fuerte personalidad, Carmen Lundy cita siempre a Carmen McRae, Betty Carter y Sarah Vaughan como las influencias mas fuertes que ha tenido en su estilo.

miércoles, 27 de marzo de 2013

Maceo Parker



Maceo Parker (Kinston, Carolina del Norte, 14 de febrero de 1943) es un saxofonista estadounidense de jazz y funk.

Se dio a conocer en la formación de James Brown, en la que coincidió en la sección de vientos con el también saxofonista, Pee Wee Ellis y el trombonista, Fred Wesley -conocidos con el sobrenombre de los "J.B.'s Horns" -, con los que, al margen del cantante, James Brown, crearía diversos grupos, como el Maceo & All The King's Men, y participaría en diversas formaciones lideradas por George Clinton.

Desde principios de la década de los noventa - y junto a Ellis y Wesley, o en solitario, o bien con invitados de prestigio como la Rebirth Brass Band - Maceo Parker, ha emprendido una exitosa carrera en la que su personal fórmula de, según él, un 2% de jazz y un 98% de funk, le está proporcionando excelentes resultados.

Su sonido al saxo - que recuerda a la mejor tradición de King Curtis - enriquecido con su propia personalidad y aunado a la complicidad que comparte con Ellis, y Fred Wesley, les ha llevado a constituir una de las secciones de viento más emblemáticas del soul-jazz, terreno en el que cada uno de ellos ha dado abundantes muestras en los últimos años de una altísima creatividad y de una fascinante habilidad para combinar tradición y modernidad.

En los últimos años ha grabado y salido de gira con el músico Prince, a veces acompañado al viento por Candy Dulfer.


martes, 26 de marzo de 2013

Jimmie Lunceford

Hay varias razones por las que Jimmie Lunceford (1902-1947) mereció pasar a la historia del jazz. Su orquesta, en la segunda mitad de los años treinta, consiguió situarse en el triunvirato de las mejores formaciones de su época junto las de Count Basie y Duke Ellington. Sus arreglos, originales y hechos a la medida de sus instrumentistas, la disciplina y la concordia entre todos los miembros de la banda y por supuesto su música, eran las claves de aquel éxito.

Lunceford, realiza estudios musicales en la "High Scholl" de Denver (Colorado) bajo la dirección de Wilberforce J. Whiteman, padre del célebre director de orquesta, Paul Whiteman. Continua sus estudios en Memphis (Tennessee) y aprende a tocar varios instrumentos como el saxo alto, clarinete, trombón, flauta y guitarra. Se gradúa en la "Fisk University" de Nashville, con un diploma que le permite ejercer como profesor de música en la "Manassas High Scholl" de Memphis. Mas tarde, trasladado a New York, se matriculara también en el "New York City College". Aprovecha aquellos conocimientos para tocar en varias bandas como las de Elmer Snowden y en la de Wilbur Sweatman.

En 1927, en Memphis, decide organizar su primera orquesta, los "Chickasaw Syncopators" con alumnos y compañeros de la Fisk University. En 1929, ficha para la orquesta a tres pilares de la que muy pronto será la gran "Jimmie Lunceford Orchestra", el pianista, Edwin Wilcox, el saxo alto, Willie Smith, y el batería, Jimmy Crawford. En 1930, la orquesta empieza a darse a conocer por los alrededores de Memphis, pero será en Buffalo (New York), donde en 1933, la orquesta de Lunceford empieza ser tomada en serio por los círculos jazzistas de la Gran Manzana. Aquél año sería demás la de la incorporación mas importante de la orquesta: El trompetista y genial arreglista, Melvin "Sy" Oliver, que sería la base del extraordinario éxito de la orquesta.

Su primer contrato importante tuvo lugar al año siguiente, en 1934, cuando el y la orquesta son contratados para sustituir a Cab Calloway en el celebre Cotton Club de Harlem. La banda cosecha un éxito tremendo. No en vano allí están además de Oliver, una sección de saxos impresionantes encabezado por el saxo alto, Willie Smith y la mejor sección de trompetas de la historia mandada por Eddie Tompkins. Los contratos se suceden y en 1937 realizan una gira por Escandinavia, en la vieja Europa. Hasta 1939, la orquesta de Jimmie Lunceford, se mantiene en la cima jazzistica y solo es con la marcha de Sy Oliver, cuando empieza su decaimiento. Este se produce entre los años 1942 y 1943. La guerra y el reclutamiento de los mejores instrumentistas de Lunceford, hacen el trabajo sucio y la banda va dando tumbos hasta que en 1947, su creador, Jimmie Lunceford, fallece victima de un ataque cardiaco mientras firmaba discos en una tienda de Seaside en Oregon.

lunes, 25 de marzo de 2013

Buddy Guy

George "Buddy" Guy (30 de julio de 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy. 

Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.


A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Luisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vio tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certamen, haciéndose acreedor a un contrato de grabación.

"Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oído ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oído! Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!"
Stevie Ray Vaughan

Aparece como invitado especial en el concierto de los Rolling Stones filmado porMartin Scorsese "Shine a Light" (2008) Al final de su participación Keith Richards le rinde honores regalándole su guitarra.

En 2004, fue incluido en el número 30 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone.


domingo, 24 de marzo de 2013

Bebo Valdés R.I.P.


"Cuando yo muera, no quiero que nadie llore. Quiero que hagáis una fiesta y bailéis y os emborrachéis".
Bebo Valdés

Nos conformaremos con escuchar "Lágrimas negras".

sábado, 23 de marzo de 2013

Youn Sun Nah


Sólo los delicados y emotivos cuatro minutos de voz y kalimba con los que Youn Sun Nah retoma My favorite things, el clásico de Rodgers y Hammerstein de Sonrisas y lágrimas, valdrían ya el disco. Obviamente hay más: la canción de Randy Newman que le da título, Songs of no regrets -de Sergio Mendes-, otro guiño cinematográfico como La chanson d?Hélène, un tema tradicional de Corea o incluso Enter sandman, del grupo Metallica. Esta cantante coreana, hija de un director de coro y de una actriz de comedias musicales, que llegó a París en 1995 para estudiar en una escuela de jazz y en el conservatorio, se atreve con casi todo. Y con su eclecticismo elegante y su voz dúctil se ha ganado a los aficionados y los críticos franceses.

Os dejo una muestra con diversos tipos de música abordados sin contemplación .

viernes, 22 de marzo de 2013

Un disco memorable



Paul Desmond grabó un disco en directo junto al Modern Jazz Quartet el día 25 de Diciembre de 1971 en el Town Hall de Nueva York.

Os dejo el tema estándar "You go to my head" compuesto por  J. Fred Coots y Haven Gillespie, en el que se aprecia la maestría y musicalidad del amigo Desmond en perfecta armonía con los integrantes del Modern Jazz Quatet. Todo un lujo.


jueves, 21 de marzo de 2013

Mulgrew Miller



Mulgrew Miller es un pianista y compositor estadounidense de jazz.

Miller comenzó con el piano ya de niño, recibiendo sus primeras lecciones con ocho años y acompañando a sus hermano mayor en los conciertos con diez. Apasionado de todo tipo de música (blues, country, gospel, R&B, clásica), el descubrimiento de la obra de Oscar Peterson cambiraría el curso de su vida para siempre: a partir de ese momento supo que quería ser un pianista de jazz.


Sus mentores de la Memphis State University, James Williams y Donald Brown, le enseñaron a oír a los grandes, y el saxofonista Bill Easley le proporcionó su primera oportunidad profesional. A finales de los 70, Muller pasaría algún tiempo en la big bandde Mercer Ellington, trabajaría con Betty Carter (1980), con el quinteto de Woody Shaw(1981-1983), con los Jazz Messengers de Art Blakey (1983-1986) y con el quinteto deTony Williams (1986-1994). Además Miller comenzó a editar sus propias sesiones a partir de 1985, originalmente bajo el sello Landmark, y luego con Novus.

Mullgrew Miller realiza numerosas clinics en solitario o con otros pianistas, como la que llevó a cabo en 1997 en un tour japonés con un grupo de otros diez pianistas (incluyendo a Tommy Flanagan, Ray Bryant y Kenny Barron) con el nombre 100 Gold Fingers. Es miembro del Contemporary Piano Ensemble, un grupo de cuatro pianistas y sección rítmica, y ha mantenido otros interesantes proyectos como el dúo con el viruoso contrabjaista danés NHOP. En los últimos años ha mantenido un trío con el bajista Derrick Hodge y el baterista Karriem Riggins, con quienes ha editado hasta la fecha dos álbumes: Live At Yoshi's Vol. 1 (2004) y Live At Yoshi's Vol. 2 (2005).

El 20 de mayo de 2006, Muller recibió el Doctorado Honorario por la Performing Arts del Lafayette College. Actualmente, Miller reside en Easton, Pensilvania.

Excelente pianista e improvisador consistente, el estilo pianístico de Mulgrew Miller recoge las enseñanzas de McCoy Tyner y de Oscar Peterson . Sus más de 400 grabaciones hasta la fecha lo sitúan como uno de los pianistas de referencia en la escena del jazz contemporáneo.

miércoles, 20 de marzo de 2013

Ronnie Mathews


Ronnie Mathews (2 de diciembre de 1935 en Nueva York - 28 de junio de 2008 en Brooklyn) fue un pianista de jazz estadounidense que trabajó con Max Roach 1963-1968 y Jazz Messengers de Art Blakey. Actuó como líder en las grabaciones de 1963 y 1978 - 1979. Su trabajo más reciente fue en 2008, mientras tanto ejerció de músico con "Generations", un grupo de músicos de jazz incondicionales encabezados por el veterano baterista Jimmy Cobb. Contribuyó con dos composiciones nuevas al álbum que fue lanzado por el Centro Internacional de San Francisco de la Universidad Estatal de las Artes el 15 de septiembre de 2008.
Mathews murió de leucemia el 28 de junio de 2008 en Brooklyn.
En 1998 Hal Leonard Libros publicó su colección de arreglos para estudiantes: "Piano Fácil de Thelonious Monk".

martes, 19 de marzo de 2013

Lou Blackburn


Lou Blackburn ( 12 de Noviembre, 1922 – 1990 ) fue un trombonista de jazz estadounidense nacido en Rankin, Pennsylvania  que actuó en diversos frentes musicales, y especialmente en el del género swing. Durante los años 50 colaboró entre otros, con Lionel Hampton y Charlie Ventura. A comienzos de los sesenta comenzó a tocar con músicos del tipo de Cat Anderson y Charles Mingus en el álbum Mingus at Monterey. 
Esporádicamente hizo incursiones con grupos como The Beach Boys, The Turtles u otros del mismo calibre. Se trasladó a Alemania en 1970 y cosechó innumerables triunfos con la banda de jazz étnico Mombasa. Falleció en Berlín en el año 1990.
Os dejo una versión del clásico Manha de Carnaval de la película Black Orpheus.

lunes, 18 de marzo de 2013

Gene Lees sobre Bill Evans

Gene Lees (8 febrero 1928 a 22 abril 2010) fue un periodista canadiense, letrista, cantante y compositor. Fue editor de la revista de jazz Down Beat, más tarde publicó en forma independiente y escribió entre otras cosas para el New York Times. Contribuyó con notas a cerca de 100 grabaciones de artistas como Stan Getz, John Coltrane, y Quincy Jones. Ha publicado muchos libros sobre jazz como Dizzy Esperando y biografías de Oscar Peterson y Dave Brubeck. Lees, quien estudió composición en el Berklee College of Music de Boston escribió la letra de muchas canciones durante la década de 1960. Se convirtió en amigo íntimo de Bill Evans y escribió las letras de sus composiciones "Waltz For Debby", "My Bells" y "Turn Out The Stars" y contribuyó a sus grabaciones como Conversations With Myself. Prtesntó también Helen Keane a Bill Evans, quien se convirtió en su manager y productor personal.

"Todo lo que toca parece ser la destilación de la música. En How Deep Is the Ocean, él nunca toca la melodía original. Sin embargo, su rendimiento es la quintaesencia de la misma. On My Foolish Heart, toca nada más que la melodía, pero sigue destilando la esencia."

"Ha habido momentos en que, al oír tocar a Bill Evans, he pensado: esta música, tan emocional sin protección, tan completamente expuesta en su sentimiento, en el mundo real  va a aplastar al hombre que lo hizo. Quizá, después de todo, eso es lo que pasó."

"Bill Evans es el poeta del jazz"

Gene Lees

domingo, 17 de marzo de 2013

Natalie Cole


Natalie Cole (nacida en Los Ángeles el 6 de febrero de 1950 - ), cantante de jazz, soul y R&B, es hija del cantante y pianista de jazz Nat King Cole. 
Su carrera se puede dividir en dos etapas: una primera, en la que hizo R&B y urban, y una más cercana basada en el jazz. 
Os dejo un vídeo acompañada de Diana Krall versionando el clásico Route 66 que populizara su padre.

sábado, 16 de marzo de 2013

Vince Guaraldi


Pianista de Jazz conocido cariñosamente como «Pixie». Nació en San Francisco el 17 de julio de 1928. Vince Guaraldi confirma la poderosa influencia de Jimmy Yancy en sus inicios. Interpretó el piano junto a artistas como Nina Simone, Stan Getz, Jimmy Witherspoon y Cal Tjader, participando en más de 20 álbumes. En los años 60´s compuso temas musicales para la serie Carlitos «Peanuts» en la que su aporte musical jugó un papel importante. Murió a la edad de 47 años. Su música ha sido interpretada por Wynton Marsalis, Dave Brubeck y David Benoit.

Os lo dejo en una personal versión del "Autumns Leaves", y en otra acompañado del guitarrista Bola Sete.

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viernes, 15 de marzo de 2013

John Hicks



Hicks estudió música en la Lincoln University de Misuri y la Berklee School of Music de Boston. Tocó con Johnny Griffin y con Pharoah Sanders antes de trasladarse a Nueva York en 1963. Allí, tocó con Kenny Dorham, Lou Donaldson y Joe Henderson antes de unirse a Art Blakey's Jazz Messengers (1964–1965) y a Betty Carter (1966–1968, 1975–1980), además de uno de los grupos de Woody Herman (1968–1970).

Otros músicos con quienes tocó fueron Idris Muhammad, Lee Morgan, David Murray, Joe Lovano, David "Fathead" Newman, Kenny Barron, Sonny Stitt, Roy Haynes, Sonny Rollins, Freddie Hubbard, Jon Hendricks y Roy McCurdy. 


Os dejo una versión del clásico "My Foolish Heart".

jueves, 14 de marzo de 2013

Albert Ayler

El saxofonista, Albert Ayler, fue un innovador absoluto del jazz en los primeros años de la década de los sesenta. Su música a veces parecía caótica y desgarrada, pero en el mismo tema, un par de compases después, sonaba sentimental y lírica. Sus comienzos en Cleveland, la ciudad donde nació, fueron extraordinariamente fértiles dado el ambiente musical que reinaba en su casa, ya que su padre era violinista y saxofonista, y su hermano tocaba la trompeta. Estudio música en el Conservatorio de Cleveland, y antes de cumplir los veinte años, ya ejercía de saxofonista en las orquestas locales. En 1958, ingresó en el ejercito y aprovechó aquel tiempo para tocar en algunas bandas militares. Después de licenciarse en 1961, pasó algún tiempo en Suecia y Centroeuropa. En Copenhague, conoció durante el invierno de 1962 a Cecil Taylor y los dos músicos volvieron juntos a New York para seguir tocando juntos.

En la "Gran Manzana", Ayler formó su propio grupo integrado por, Don Cherry, Gary Peacock y Sunny Murray. Con esa formación volvió a Europa en 1964 y el publico del viejo continente aceptó de buen grado ese nuevo sonido del jazz que el saxo de Ayler producía. La controversia aumento entre los "puristas" del jazz, cuando el batería, Sunny Murray, abandonó un compás métrico en su forma de tocar la batería. En 1965 actúa en el Town Hall de New York y el concierto fue grabado en disco consiguiendo un gran éxito de critica y público. Firmó un contrato con el sello, Impulse! y sus dos primeros álbumes titulados: "At Greeenwich Village" y "Love Cry" se convirtieron en discos de cultos para sus seguidores.

Poco después de su vuelta a Estados Unidos después de un nuevo viaje a Europa en 1970, Albert Ayler desapareció de su domicilio de New York. Dos semanas después, su cuerpo fue encontrado sin vida flotando en las aguas del East River.


miércoles, 13 de marzo de 2013

Take Five

Una dulce y sensual versión por parte de Eliane Elias del clásico Take Five compuesto por Paul Desmond y del cual prácticamente se apropió Dave Brubeck.

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martes, 12 de marzo de 2013

Cecilia Coleman



Antes de trasladarse a Nueva York hace ya 13 años desde su nativo sur de California, Cecilia Coleman había adquirido en su tierra una sólida reputación como pianista y arreglista. Sus estudios con Charlie Shoemake y Tom Kubis le proporcionaron una consistente base teórica a partir de la cual escribió arreglos imaginativos para una gran variedad de grupos. Amplió más tarde el espectro de su abanico jazzístico con la complicidad de diversos músicos neoyorquinos.


lunes, 11 de marzo de 2013

John Lewis

El pianista, compositor, y arreglista, John Lewis (1920-2001), nació en el seno de una familia acomodada lo que le permitió simultanear los estudios musicales con los de Antropología en la ciudad de Nuevo México. En 1942, con motivo de la segunda guerra mundial, fue movilizado y destinado a Normandía, donde conoció al baterista, Kenny Clarke, que sería quien le introduciría en los ambientes jazzisticos de New York.

Una vez terminada la guerra, en 1946, se instala en New York donde cursó estudios en la "Manhattan Scholl of Music" e inicio su carrera profesional, animado por su amigo Clarke, en las noches del Minton' Playhouse donde formó parte del grupo de Hot Lips Page, y posteriormente del de Eddie Davis. Su encuentro con el genial trompetista, Dizzy Gillespie, fue decisivo en su carrera y con Gillespie permaneció varios años formando parte de su orquesta y tocando en una larga gira por Europa. A finales de los años cuarenta, merodeó por el grupo que dirigían, Gil Evans y Miles Davis que andaban buscando sonidos nuevos dando lugar al nacimiento del estilo cool, pero se enroló con la banda del saxofonista, Illinois Jacquet, con el que estuvo casi un año tocando en el área metropolitana de New York, lo que le permitió conocer y tocar junto a Charlie Parker y Lester Young.

Ya con una sólida y reconocida reputación musical, fundo en 1952 junto al vibrafonista, Milt Jackson, el contrabajista, Ray Brown y a su viejo amigo, Kenny Clarke, un combo que se haría justamente famoso en el mundo del jazz moderno y que consiguió a lo largo de varias décadas estar en lo alto de la cima del jazz: "The Modern Jazz Quartet", donde el contrabajista, Percy Heath, sustituiría a Ray Brown. También el batería, Connie Kay, ocuparía el lugar de Kenny Clark, agotando así los cambios en el grupo. John Lewis asumió la dirección musical del grupo y la música que realizó tenía en cuenta tanto los elementos característicos del jazz y de la música afroamericana, como algunos métodos compositivos del barroco europeo.

John Lewis, dedicó toda su vida a este grupo y a ese extraordinario proyecto, sin descuidar su actividad docente, ayudando a la creación de la "Jazz and Clássics Music Society" y de la denominada, "Orchestra USA", fundada en 1962 en la que se reunían instrumentistas clásicos para tocar junto a diferentes jazzman. Lewis fue también durante varios años director artístico del Festival de Jazz de Monterey. Tras la disolución del Modern Jazz Quartet, en 1974, su actividad derivó hacía la composición en música de orquesta, dirigiendo algunas de ellas y retomando su calidad de pianista. Murió el 29 de marzo de 2001.

domingo, 10 de marzo de 2013

Eartha Kitt


Hija de un campesino negro, la cantante y actriz, Eartha Kitt nació en Carolina del Sur. Tras la temprana muerte de sus padres, la niña creció con una tía en Nueva York, donde descubrieron su talento musical. A los 16 años entró en el estudio de danza de Katherine Dunham y fue enviada con el conocido conjunto a Europa. En París, la cantante y bailarina negra con la piel extrañamente clara se independizó en el club nocturno "Carrols". allí conoció una noche al director de cine, Orson Welles que admirado por su belleza la contrató en 1951 para la versión cinematográfica de "Fausto".

Consciente del deseo con que los hombres la admiraban, Eartha Kitt explotó el filón de vampiresa y asumió el rol de mujer extremadamente sexual y llegó a declarar de manera provocativa: "Para mí los hombres son los animales de rapiña más bellos y peligrosos del mundo". Sus representaciones eróticas, habituales y hecha para el escándalo, se sucedieron con frecuencia y empezó a ser conocida como la "jadeante gata montés", un apodo que ella misma colaboró a extender. En los años cincuenta celebró grandes éxitos en Broadway con musicales como "Monotonous" o "Shinbone Alley". Hollywood le dio el papel de "Gatúbela" en la serie televisiva "Batman" y en películas como "Accused" y "Anna Lucasta".

Musicalmente hablando, su disco: "Love for Sale" se convirtió en un autentico éxito de ventas y fue nominada varias veces al Grammy. Entre sus canciones más conocidas figuran "Je cherche un homme", "C'est Si Bon", "Let's Do It" y "My hearts Belongs to Daddy". Una representación en la Casa Blanca, en apoyo a la carrera presidencial del Partido Republicano, significó un duro revés para su carrera en 1968. En una cena de gala con la entonces primera dama Lady Bird Johnson, Kitt habló en contra de la Guerra de Vietnam y cayó en desgracia entre los poderosos de la industria del entretenimiento. Diez años después fue rehabilitada con una invitación del presidente Jimmy Carter.

En los años ochenta Eartha Kitt volvió a los escenarios con el disco: "Where is my Man?". Contrajo matrimonio con un agente inmobiliario en los años sesenta del que tuvo una hija, y poco después se separaron. En el 2002, cumplidos los 75 años, estuvo de gira por todas América representado la obra Cinderella. Actualmente sigue en activo. Su disco de debut con la RCA Victor "RCA Victor Presents Eartha Kitt" en 1953 sigue siendo el mejor de su carrera.


sábado, 9 de marzo de 2013

Joanne Brackeen



Joanne Brackeen (26 de julio de 1938, Distrito de San Buenaventura, Estados Unidos) es una pianista de jazz y pedagoga musical estadounidense.

Joanne Brackeen, con nombre de nacimiento Joanne Grogan, nació el 26 de julio de 1938 en el distrito de San Buenaventura en el estado de California (Estados Unidos). Recibió clases en el California Institute of the Arts pero se dedicó a imitar los álbumes de Frankie Carle. Su estilo musical estuvo influido por la música de Charlie Parker y el bebop.

Su carrera musical comenzó a finales de la década de 1950 y trabajó con músicos como Dexter Gordon, Teddy Edwards, Harold Land, Don Cherry, Charlie Haden y Charles Lloyd. En 1969 comenzó a destacar cuando se convirtió en la primera mujer en tocar en el club de Art Blakey llamado Jazz Messengers. A comienzos de los años 60 contrajo matrimonio con el saxofonista tenor Charles Brackeen, con el que tuvo 2 hijos.

Tocó con Joe Henderson de 1972 a 1975 y con Stan Getz de 1975 a 1977 antes de formar su propio trío y cuarteto. Joanne se consolidó como una pianista de vanguardia a través de sus apariciones en todo el mundo y sus interpretaciones como solista también cimentaron su reputación la pianista más dinámica e innovadora. En algunos de sus tríos estuvo acompañada por Clint Houston, Eddie Gomez, John Patitucci, Jack DeJohnette, Cecil McBee y Billy Hart.

Ha grabado 25 álbumes y es profesora en el Berklee College of Music.


viernes, 8 de marzo de 2013

John Kirby


Huérfano desde muy pequeño, antes de adoptar el contrabajo como el instrumento que le daría la gloria en el jazz, John Kirby se dedicó al trombón, instrumento que le robaron en uno de sus viajes a New York. Tras ahorrar consigue comprarse un bajo tuba y encontró trabajo en el grupo del trombonista, Bill Brown entre 1928 y 1930 consiguiendo además grabar sus primeros registros para la Brunswick. Entre abril de 1930 y marzo de 1934 formó parte de una de las mejores bigbands de de la epoca del swing, la orquesta de Fletcher Henderson, con quien también realizaría numerosas grabaciones ya con el contrabajo como instrumento definitivo.

     Tras pasar cuatro años con la orquesta de Fletcher, Kirby estuvo un año entero con la bigband del baterista Chick Webb (1934-1935) y en la primavera de 1937 formó parte del famoso sexteto del "Onyx Club" de Harlem, siendo su actuación una de las mas valoradas por los aficionados. Con esa formación estuvo hasta 1942 grabando varios discos para DECCA, Okeh-Columbia Vocalion y RCA Victor. Ese sexteto, uno de los más importantes de New York, y de los mas avanzados musicalmente en aquellos años en el panorama jazzistico, estaba formado además de por Kirby en el contrabajo, por Buster Bailey en el clarinete, Russell Procope en el saco alto, el trompetista Charlie Shavers, el pianista Billy Kyle y el baterista, O'Neil Spencer. Por razones de salud se trasladó tras la guerra a California donde de vez en cuando actuaba con la orquesta de Benny Carter. La salud le jugó una mala pasada y la diabetes le causo la muerte siendo aun muy joven.


jueves, 7 de marzo de 2013

Barney Kessel


Discípulo confeso del gran Charlie Christian, el guitarrista, Barney Kessel (Muskogee, 1923), se inspiró en su música para iniciar una carrera profesional magnifica. Sus inicios fueron en la orquesta del pianista, Chico Mark en 1943, un músico que alternaba la dirección de su bigband, con la de cómico en teatros y salones de baile.

Los años cuarenta los pasó tocando en diferentes formaciones y orquestas. Entre 1944 y 1945, formó parte de la bigband de Charlie Barnet, en 1945 estuvo con Artie Shaw y ya en los años cincuenta formo parte del trío de Oscar Peterson (1952-1953). Grabó a su nombre cerca de una decena de discos para los sellos, Verve y Contemporary entre los años 1953 y 1961.

En 1968 viaja a Europa de gira con el grupo del pianista, George Wein y en Londres graba varios discos en directo liderando sus propias formaciones. En 1973, participa en el concierto de los "All Stars" en el encuentro de "Great Guitars" junto a Charlie Byrd y Herb Ellis. Una enfermedad le apartó de los escenarios a primeros de los años noventa, cuando ya estaba consolidado como uno de los grandes guitarristas de la segunda mitad del siglo XX, y a la altura de otros guitarrista coetáneos como, Joe Pass o Jim Hall.

Un tumor cerebral acabó con su vida el 4 de mayo de 2004.


miércoles, 6 de marzo de 2013

Jaki Byard



Jaki Byard, nació en el seno de una familia de músicos y comenzó a estudiar piano y trompeta cuando era niño. Profesionalmente comenzó su trabajo a mediados de los años treinta con una banda de su ciudad natal en Worcester. Después de la guerra se paso al piano con el grupo de Earl Bostic. Como miembro del grupo de Herb Pomeroytocaba no obstante el saxofón. Se trasladó a Boston para formar parte de la bigband de Maynard Ferguson en 1959 y su talento no tardó en ser apreciado en New York, donde trabajó en los grupos de Mingus y Dolphy, donde alcanzó gran popularidad con sus disco, para Candid, el sello habitual del genial contrabajista, antes de formar el suyo propio.

La gran diversidad de estilos y la prolífica música grabada con distintas formaciones, hicieron de este magnifico pianista, un músico original y su calidad y fama como compositor no hizo mas que acrecentar. Después de una tumultuosa gira con su propio grupo llamado: "The Jaki Byard Experience" - del que formaba parte el multiinstrumentista, Roland Kirk - Jaki Byard, volvió a las aulas a enseñar música como profesor del "New England Conservatory" desde finales de los sesenta hasta mediados de los años ochenta. Posteriormente a esa experiencia educativa, enseño música en la "Manhattan Shool of Music" y en la "New Shool of Music" de New York. Ambas instituciones, formaban bandas de estudiantes capaces de actuar profesionalmente en Boston y New York.

martes, 5 de marzo de 2013

Conrad Herwig


El magnifico trombonista, Conrad Herwig, comenzó su carrera profesional en 1980 junto a la Big Band de Clark Terry y posteriormente con la de Buddy Rich. Se radicó en New York y tocó con Slide Hampton y con las formaciones de Mario Bauzá, Toshiko Akiyoshi, Mel Lewis, Bob Mintzer, Henry Threadgill, Miles Davis, Quincy Jones y Frank Sinatra. Intrigado por los sonidos y el ritmo del jazz y de la música latina, Conrad Herwig decidió satisfacer su curiosidad. A mediados de los años noventa y ya con mas de diez años de experiencia como trombonista y director y mientras cursaba Estudios Afro Caribeños en el Goddard College, comenzó a explorar la fusión entre la música latinoamericana y el jazz. El resultado fue el álbum: The Latín Side of John Coltrane (El Lado Latino de John Coltrane), nominado al Grammy en 1996.

Antes en 1991 formó parte de la Mingus Big Band, una macroformación en clave de bigband en la que intervienen hasta más de veinte músicos, y que dedica toda su actividad a explorar la música del gran bajista Charlie Mingus. Herwig, es ya un aclamado trombonista con cerca de 20 álbumes en su haber, siendo uno de los más elogiados, el titulado: The Latín Side of Miles Davis (El Lado Latino de Miles Davis) para el selloHalf Note que fue nominado para el premio Grammy. En él toca junto al trompetistaBrian Lynch. En este álbum, Herwig hace una interpretación afro caribeña de los trabajos clásicos de Miles Davis.

Uno de sus últimos trabajos fue su participación como solista en el noneto de Joe Lovano que recibiera el Grammy por el CD "Temas de la calle 52". Su último disco hasta el momento es el álbum "Que viva Coltrane" grabado en 2004 para el sello que últimamente viene recogiendo su música: "Criss Cross".

lunes, 4 de marzo de 2013

Sheila Jordan



Sheila Jordan (Detroit, 1928) siempre estuvo comprometida con la música y la cultura negra, lo que siendo blanca, le ocasionó graves problemas con los prejuicios raciales en los Estados Unidos. Desde muy joven trabó estrechos lazos con el pianista, Tommy Flanagan - un músico muy proclive a acompañar a las cantantes de jazz- con el guitarrista, Kenny Burrell, con el magnifico pianista, Barry Harris, y el circulo boppers de Detroit.

Empezó a cantar informalmente con un trío y allí conoció a Charlie Parker, cuya amistad fue determinante para que se instalase en New York en 1950. Inmersa en los círculos jazzisticos de la Gran Manzana, Charles Mingus, le aconsejó que adiestrara su voz con el pianista, Lennie Tristano. Con Tristano estuvo dos años (1950-1952) fundamentales para su formación; Tristano le enseñó, teoría, armonía, cantar de oído y leer música a primera vista. En 1952, se casó con Duke Jordan - de quién adquiriría su apellido para siempre- pianista en 1947 del quinteto de Charlie Parker, y con el nacimiento de su primer hijo, se retiró de los escenarios durante una buena temporada, hasta que George Russell se acordó de ella.

Con el sexteto de Russell, Sheila Jordan, grabaría para Riverside en 1962, un disco que conmocionó el jazz vocal con sus arreglos e interpretación. El propio Russell, convence a los productores del sello Blue Note, para que hicieran una excepción con su política de no grabar cantantes y Sheila Jordan, tuvo el privilegio de ser la primera cantante de jazz de grabar un disco para este vanguardista sello jazzistico. El resultado fue un excepcional álbum titulado "Portrait of Sheila" que está considerado como uno de los discos de jazz vocal mas importantes de toda la historia de esta música. Incomprensiblemente y a pesar de ese magnifico disco, Sheila Jordan, no volvió a grabar un disco hasta pasados doce años de aquel acontecimiento.

Fue en 1975, cuando volvió a pisar un estudio de grabación para grabar "Confirmation" un álbum que corroboraba su calidad y confirmaba que su estilo había madurado magníficamente. Era el inicio del reconocimiento de critica y publico e incluso de sus propios compañeros músicos. Su actividad discográfica no cesó desde entonces y se asoció con varios pianistas de categoría, primero con Kenny Barron donde dejó un magnifico álbum titulado "The Crossing" en 1984 para el sello Black Haw, y después con el elegante pianista, Steve Khun, con quién todavía en pleno siglo XXI, actúa en giras, conciertos y festivales de jazz, en una fantástica demostración de arte jazzistico.

domingo, 3 de marzo de 2013

Anders Jormin


Anders Bertil Michael Jormin, nacido el  7 de Septiembre de 1957 in Jönköping,es un bajista y com positor sueco.
A mediados de los 80, Jormin estableció sociedad musical con el pianista Bobo Stenson y más tarde, ya a comienzos de los 90, con el saxofonista norteamericano Charles Lloyd. A finales de esa misma década copmenzó a colaborar con el trompetista Tomasz Stanko. 
Jorman ha tocado y realizado giras con gente como Elvin Jones, Don Cherry, Lee Konitz, Joe Henderson, Paul Motian, Rita Marcotulli, Norma Winstone,Mike Manieri, Mats Gustafsson, Albert Mangelsdorff, Dino Saluzzi, Marilyn Crispell y Kenny Wheeler.
Anders Jormin asimismo imparte clases de contrabajo e improvisación en la Academy of Music and Drama at Gothenburg University. En 1995 accedió a la ploaza de profesor visitante en la Sibelius Academy de Helsinki.

sábado, 2 de marzo de 2013

Duke Pearson

Duke Pearson fue un pianista, compositor y arreglista estadounidense.

Columbus Calvin Pearson, Jr, más conocido como Duke Pearson había comenzado estudiando diversos instrumentos de viento y piano, y fue su habilidad con este último instrumento la que le valió, por parte de su tío -un admirador de Duke Ellington- su sobrenombre. Problemas dentales le hicieron concentrarse en el estudio del piano, y como tal trabajó en Atlanta y en otras ciudades de Georgia y Florida antes de trasladarse aNueva York en 1959. Allí conoce al trompetista Donald Byrd e ingresa en su banda, además de participar en el sexteto de Arte Farmer/Benny Golson y acompañar a Nancy Wilson. En 1963 arregla diversos temas en formación de septeto y coro de ocho voces para el álbum de Donald Byrd "A New Perspective", trabajo que incluía su "Cristo Redentor", un hit instantáneo. De 1963 a 1970registra varias sesiones para Blue Note, y publica también bajo su nombre. De 1967 a 1970, y después también en 1972 lidera una big band que incluye músicos del calibre de Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker o Garnett Brown. A lo largo de la década de los 70 continúa su trabajo como acompañante de distintos solistas, entre las cuales destaca Carmen McRae, pero cae gravemente enfermo y finalmente fallece por complicaciones derivadas de la esclerosis múltiple en 1980.

Pianista cauto pero dotado, Duke Pearson será recordado sobre todo por haber sido el autor de varias piezas memorables, como el "Cristo Redentor" que compuso para Donald Byrd, su "Sweet Honey Bee", editado en conjunción con Lee Morgan y "Jeannine", un tema que ha alcanzado la categoría de estándar de jazz.1 A finales de los 60, y como la mayoría de los artistas de la Blue Note Records, Pearson viró desde el jazz más convencional hacia un soul jazz más comercial, aunque Pearson no perdió su toque delicado y su buen gusto al piano. Maestro consumado en el campo del jazz, la música de Pearson refleja elementos procedentes de ámbitos tan diversos como el pop, el hard bop, el soul-jazz, la bossa nova, el latin jazz, el funk o la música de las grandes big bands.

viernes, 1 de marzo de 2013

Jo Jones


Jonathan "Jo" Jones, (1911-1985), fue uno de los grandes "sidemen" de la historia del jazz. Sólo basta echar un vistazo a su participación como baterista en mas de 1500 discos con un amplísimo abanico de músicos y cantantes para comprobarlo. Y solo tiene registrados a su nombre a penas una decena. Fue un músico capaz de adaptarse perfectamente tanto al estilo swing, cuando estuvo en la orquesta de Count Basie, como al movimiento conocido como bebop.

Jo Jones, dominaba varios instrumentos además de saber bailar claqué y cantar. El tiempo en el que estuvo con Count Basie, tuvo la fortuna de aprender ritmo en una de las bandas con mejor sección rítmica de toda la era del swing. Jo Jones, estuvo con Basie mas de diez años y en ese tiempo "reinventó" la batería de jazz, dotando a ésta música de un instrumento que exploró todas sus posibilidades sonoras golpeándola con baquetas, mazas, escobillas o incluso con las manos desnudas.

En los años cincuenta participó en el tour anual de la organización "Jazz at the Philarmonic" junto a los grandes de aquel año: Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson etc. En 1957 participa con el sexteto de Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de jazz de Newport. En los años sesenta y setenta, Jo Jones acompaña a infinidad de músicos, graba en estudio de manera continuada y deja algunos discos a su nombre interesantes, en especial el titulado "The Drums" un doble Lp en el que habla de su propia historia, de sus músicos preferidos y de las posibilidades de la batería como instrumento. Falleció en la cresta de la ola en 1985 en New York.