lunes, 31 de marzo de 2014

El nuevo estilo (Tercera parte)

Free Jazz :  Leon Zernitsky
No sé si conviene continuar con mi identificación entre el jazz moderno y otras ramas del arte moderno: creo haberlo dicho todo al afirmar que me producen el mismo rechazo. Con todo, una vez establecida esa correspondencia, no tardé en ver cómo el jazz pasaba de la mistificación ("¡Por qué no contratas a un mi pianista?" y "¿Qué está tocando?") a la provocación. Gente como Ornette Coleman, Albert Ayler y Archie Shepp, que prescindían de la tonalidad, de la armonía, de las melodías, de las notas y del ritmo, fueron el espejo en el que se miraron jóvenes y viejos, como Rollins y Coltrane. Y algunos de ellos conferían un aire más entusiasta a lo que tocaban al apuntar que existía una cierta relación con las aspiraciones del movimiento del Black Power. Los negros habían pasado de utilizar la música como entretenimiento para los blancos a servirse de ella como instrumento de odio hacia dicho grupo. Todo aquel que crea que un disco de Archie "Estados Unidos me ha hecho mucho daño" Shepp no son sino dos dedos que sobresalen de un puño cerrado y que le señalan no apreciará lo que tiene ante sí. O como afirma LeRoi Jones: "La música de Sonny Murray transmite las necesidades atávicas de la nueva música, su inmensa carga emocional. Un fantasmagórico lamento del espíritu cede su lugar a heroicas marchas espirituales y a celebraciones sacerdotales de la nueva condición del hombre negro".
Por aquel entonces, ya tenía casi la certeza de que se había dejado de hacer jazz. La sociedad que lo había engendrado había desaparecido para siempre jamás. Aun así, dudaba de que la fuerza y la alegría que habían  suscitado pudieran regresar de la nada de donde precisamente habían salido.

Philip Larkin - All What Jazz (Escritos sobre jazz)

domingo, 30 de marzo de 2014

El nuevo estilo (Segunda parte)

No encontraba siquiera la manera de decir "éste me gusta" y "éste no": todos me resultaban desalentadores por igual. El propio Parker, de una velocidad y fanfarronería compulsivas, no podía tocar cuatro compases sin recurrir a uno de sus clichés, especialmente molesto, sacado de un tema anterior a la guerra y titulado "The Woody Woodpecker Song". Su sonido, aunque mucho mejor que el de buena parte de sus sucesores, era agudo y carecía de cuerpo*. La impresión de alucinación mental que uno tenía al escucharlo era igual a la que producía el pianista Bud Powell, que cultivaba el mismo virtuosismo maníaco y al que sólo podía parar, en ocasiones, un rayo de luz que le pasara ante la mirada. Gillespie, sin embargo, era un tipo mucho más campechano, primer trompetista y showman, pero me disgustaba su afición por los ritmos latinoamericanos y encontraba su sentido del humor vulgar.  Thelonious Monk daba la impresión de ser un actor cómico que no había tenido demasiado éxito, como atestiguaban sus divertidos sombreros: su estilo al piano, una suerte de baile paquidérmico faux-naif, jalonado con aquellos torpes intervalos y la ausencia de swing, era más tedioso si cabe por su falta de repertorio. Con Miles Davis y John Coltrane nació una nueva suerte de inhumanidad. Davis se desdoblaba en varias facetas: como intérprete de temas lentos en los que invariablemente usaba la sordina, como intérprete de temas rápidos, plagados de amargos aullidos y como intérprete de arreglos de temas teatrales. No soportaba ninguna. La metálica y tediosa vacuidad del discurso de John Coltrane daba pie a un cúmulo de ejercicios de un absurdo de proporciones gigantescas y a unos viajes de un aburrimiento mastodóntico por temas sin demasiado atractivo, durante los cuales exhibía todas las sustituciones armánicas de las que era capaz, de sus extensas investigaciones acerca del hastío oriental y sus interminables y portentosas demostraciones de religiosidad. Coltrane fue, también, el primero en hacer del jazz una música desagradable a posta: su sonido, tremebundo, se iría exacerbando más y más hasta llegar a imitar el sonido chillón de un par de gaitas tocadas como si las hubiera poseído el demonio. Evidentemente, después de Coltrane llegó el caos, el odio y el absurdo, y fue casi un alivio descubrir que la ruptura con el jazz era ya tan total y evidente. Pero me estoy adelantando a los acontecimiento.

* Con todo, reconozco que Parker había mejorado en el momento de su muerte, posiblemente de resultas de haber conocido a Sidney Bechet en Francia (Bechet siempre estaba dispuesto a enseñar a los jóvenes).

Philip Larkin - All What Jazz (Escritos sobre jazz)

sábado, 29 de marzo de 2014

El nuevo estilo (Primera parte)

Charlie Parker & Dizzy Gillespie
El nuevo estilo parecía surgido del aburrimiento de tocar jazz corriente y moliente durante seis noches por semana, una dura manera, sin lugar a dudas, de ganarse la vida, y del deseo de los negros de recuperar la iniciativa en el jazz, de inventar "algo que no puedan robarnos porque no lo podrán tocar". Un motivo así es un principio nefasto para cualquier forma de arte y no debe sorprendernos que sus resultados me parecieran frívolos y voulu. Lo peor era, con todo, la naturaleza amarga, triste, febril y tensa de la música. Las constantes ansias por ser diferente y hacer el más difícil todavía exigían un mayor virtuosismo técnico y provocaban unas incongruencias musicales más y más flagrantes. En una palabra: ya no era la música de unos tipos felices. Por aquel entonces, pensaba que quien oyera un disco de Parker, habría adivinado que era un drogadicto, pero que nadie que escuchara uno de Beiderbecke se habría imaginado que se las estaba viendo con un alcohólico; tal era mi resumen de las diferencias entre un estilo y el otro.
Sin duda alguna, lo que entonces sentía era una versión exagerada de la sorpresa que se llevó buena parte del público europeo cuando, después de la guerra, los discos de Parker y de su séquito empezaron a llegar del otro lado del Atlántico. "¡América ha enloquecido!". escribió George Shearing al aterrizar en Nueva York por aquellos años -no tardaría en apoderarse de él la misma locura- y mientras Shearing, al parecer, tan sólo hubo de sufrir a Parker y a Dillespie, yo me tuve que tragar a todos hasta 1961: a Monk, a Davis, a Rollins, a los Jazz Messengers...

Philip Larkin - All What Jazz (escritos sobre jazz)

viernes, 28 de marzo de 2014

Joe Chambers


Joe Chambers (nacido el 25 de junio de 1942, cerca de Filadelfia, Pennsylvania) es un baterista estadounidense de jazz, así como pianista, vibrafonista y compositor. Asistió durante un año al Conservatorio de Filadelfia. En las décadas de 1960 y 70 Chambers colaboró con muchos artistas de alto perfil, tales como Eric Dolphy, Charles Mingus, Wayne Shorter y Chick Corea. Ha publicado ocho álbumes como líder de banda y ha sido miembro de varias formaciones del Roach's M'Boom percussion ensemble
También ha enseñado, incluso en la Nueva Escuela de Jazz y Música Contemporánea en Nueva York, NY. En la escuela que dirige el "Outlaw Band". En 2008, fue contratado para ser el distinguido profesor Thomas S. Kenan de Jazz en el Departamento de Música de la Universidad del Norte Carolina Wilmington.

jueves, 27 de marzo de 2014

Bob Florence



Bob Florence ( 20 mayo 1932 a 15 mayo 2008 ) fue un arreglista de jazz y pianista .

Florence comenzó a tomar clases de piano a los cinco años y estaba destinado inicialmente a ser concertista de piano clásico. Su dirección cambió cuando conoció al jazz en Los Angeles City College.

Al principio de su carrera, Florence trabajó como pianista y arreglista con Dave Pell. Fundó su primera banda a finales de 1950, en colaboración con, entre otros, Herb Geller, Bud Shank, Frank Capp y Bob Enevoldsen. Florence participó posteriormente en proyectos de big band en el área de Los Angeles, trabajando principalmente con músicos de sesión y como acompañante de varios cantantes. A lo largo de su carrera, Florence trabajó como arreglista para Harry James, Louie Bellson, Stan Kenton, Buddy Rich, Count Basie y Doc Severinsen .

En al año 2000, Florence ganó el Grammy por Mejor Performance Large Jazz Ensemble. Murió de neumonía, a la edad de 75 años, en Los Ángeles , California.

miércoles, 26 de marzo de 2014

Leo Wright


Leo Wright (14 de diciembre de 1933  Wichita Falls, Texas - 4 de enero de 1991 Viena) fue un músico estadounidense de jazz que tocaba el saxo alto, flauta y clarinete. Tocó con Charles Mingus, Kenny Burrell, Johnny Coles, Blue Mitchell y Dizzy Gillespie a finales de 1950, principios de 1960 y finales de 1970.

martes, 25 de marzo de 2014

Hugues Panassié

Hugues Panassié ( 27 febrero 1912 a 8 diciembre 1974 ) fue un crítico de jazz y productor francés . Sus obras más famosas fueron Hot Jazz : La guía a Swing Music y The Jazz real, publicado en 1936 y 1942 , respectivamente.
También lo recuerdan por la financiación de una serie de discos de jazz de artistas como Sidney Bechet y Tommy Ladnier .

Panassié era un admirador del estilo " hot " de la música de jazz interpretada por Louis Armstrong en la década de 1930 . Se le conoce por desestimar el bebop como " una forma de música distinta de jazz". Mantuvo una mirada despectiva sobre el jazz de la costa oeste considerandolo como falso, debido a que la mayoría de los músicos del estilo eran blancos. 
Panassié fue el presidente fundador del Hot Club de Francia ( 1932). Durante la Segunda Guerra Mundial supuestamente utilizó los discos como una manera de desafiar a la autoridad nazi en Francia. Su amigo , el músico de jazz americano Mezz Mezzrow, describe uno de los logros memorables de Panassié en su autobiografía Really the Blues de la siguiente manera :
" El censor nazi estaba mirando un disco con el título de "La Tristesse de Saint Louis", y Hugues explicó amablemente que era una triste canción escrita por el pobre Louis IX, de antigua tradición francesa. Lo que el Cancerbero no sabía era que debajo de la etiqueta falsa era un verdadero RCA Victor que indica a Louis Armstrong como el artista de la grabación y haciendo constar el nombre real del tema : The Saint Louis Blues " .
También es conocido por la cita, " cuando [ Charlie Parker ] desarrolló lo que se llamó ' Bop' dejó de ser un verdadero músico de jazz ".
En 1956 , RCA Victor publicó un LP , Guía de Jazz ( LPM 1393 ), una recopilación que incluye 16 grabaciones de artistas de jazz prominentes con sus portadas por Panassié .
Fuente: Wikipedia

Escribió Panassié en el boletín del Hot-Club de Francia:
"no es la primera vez que observamos que de todos los países de Europa occidental, España es aquel en que los progresistas poseen un mayor control de la radio, la televisión y la prensa. Es el país que, en proporción, contrata(en Barcelona y Madrid) el mayor número de falsos 'jazzmen' progresistas con respecto a los verdaderos músicos de jazz".
Chema García Martínez - Del fox-trot al jazz flamenco

lunes, 24 de marzo de 2014

Jimmy Forrest


Jimmy Forrest, James Robert Forrest (St. Louis, Misuri, 24 de enero de 1920 - Grand Rapids, Michigan, 26 de agosto de 1980) fue un saxofonista tenor norteamericano de jazz.



Sus primeros trabajos los desarrolló en el área de su ciudad natal, con las orquestas de Fate Marable y Dewey Jackson, para trasladarse, en 1940, a Nueva York. Allí se incorporó a la big band de Jay McShann, con quien estuvo hasta finales de 1942. Después trabajó con Andy Kirk (1943-1947) y Duke Ellington (1949-1950). De regreso en St. Louis, organiza su propia banda, con la que actúa dentro de la escena funky jazz, consiguiendo un gran éxito con el tema "Night Train" (1951), hasta que se incorpora al grupo de Harry Edison. Ocasionalmente, tocó con Miles Davis (primavera de 1952). Entre 1973 y 1978, toca en la big band de Count Basie, formando después un grupo con Al Grey, con el que permanecerá hasta su fallecimiento.
Oscilando entre el swing y el rhythm and blues con toques bop, Forrest poseía un sonido duro y rústico, muy típico de los tenoristas del Medio Oeste.

Os dejo dos clásicos que demuestran su calidad sonora y rítmica.


domingo, 23 de marzo de 2014

Claude Williamson


Claude Berkeley Williamson (18 de noviembre de 1926, Brattleboro, Vermont) es un pianista estadounidense de jazz.

Hijo de un baterista, director de una big band, y hermano del trompetista Stu Williamson, creció en un ambiente musical, estudiando piano clásico desde los siete años de edad, tocando en la orquesta de su padre mientras realiza sus estudios de grado, y diplomándose en el Conservatorio de Boston. Trasladado a Hollywood, en1947, es contratado por Charlie Barnet. En las épocas de descanso de la banda, toca con Red Norvo. Tras dejar a Barnet, acompaña a la cantante June Christy, hasta 1952.

Tras el servicio militar, entra a formar parte de la banda de Howard Rumsey, donde sustituye a Russ Freeman. Toca también con la big band de Les Brown, y grabó con buena parte de los principales músicos de la escena de la Costa Oeste, como Conte Candoli, Frank Rosolino, Bud Shank, el propio Rumsey, y otros, como Art Pepper, Barney Kessel o Tal Farlow.

En 1954, grabó el primer disco como líder, en colaboración con Stan Kenton, y mantiene su propio trio mucho tiempo. Sin embargo, a partir de mediados los años 1960, comienza a alejarse paulatinamente de la escena del jazz, aunque a partir de 1977 vuelve a grabar con asiduidad, com Sam Jones y Roy Haines. En 1995 registró varias grabaciones para el sello discográfico español Fresh Sound Records.

Influenciado en sus comienzos por Teddy Wilson y Jess Stacy, y más tarde por Hampton Hawes y Bud Powell, mantuvo no obstante una clara identidad propia, de técnica prodigiosa, de gran libertad, con utilización de block-chords y bruscas aceleraciones.


sábado, 22 de marzo de 2014

Jack Montrose


Jack Montrose (Detroit, 30 de diciembre de 1928 - Las Vegas, 7 de febrero de 2006) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor, compositor y arreglista.

Autor : William Claxton
Sus primeros trabajos se desarrollaron en Chattanooga, tocando saxo alto y clarinete. Una vez adoptado definitivamente el saxo tenor, Montrose se traslada (1951) a Los Ángeles, California, donde tocará con Shorty Rogers y John Kirby, mientras finalizaba sus estudios musicales. Finalizados estos, en 1953, participa, como músico y arreglista, en los grupos de Art Pepper, Chet Baker, Clifford Brown, Bob Gordon, Red Norvo y, nuevamente, Shorty Rogers. Entre 1955 y 1957, realiza diversas grabaciones como líder, dentro del estilo west coast. En los años 1960, se instala en Las Vegas, y continúa realizando grabaciones, con músicos como lennie Niehaus, Elmer Bernstein,Jack Millman, John Graas, Paul Chambers o Shelly Manne.

Su estilo estuvo muy marcado por Lester Young, aunque asumió muchos de los postulados del bebop, en una línea muy similar a la de Wardell Gray. Como arreglista, estuvo muy influenciado por la música europea.


viernes, 21 de marzo de 2014

Snooky Young



Eugene Edward "Snooky" Young (3 de febrero de 1919 – 11 de mayo de 2011) fue un trompetista de jazz estadounidense.


Tras tocar en la banda de Jimmie Lunceford de 1939 a 1942, Young estuvo con Count Basie, Gerald Wilson y Lionel Hampton. Fue miembro fundador de la Thad Jones/Mel Lewis Big Band.
De 1967 a 1992, fue trompetista de la banda de estudio de Tonight Show para la NBC, y durante ese periodo tocó en la banda dirigida por el trompetista Doc Severinsen (n. 1927) y como músico de sesión.
Young grabó en dos ocasiones con B.B. King: para el Bobby Bland and B.B. King Together Again...Live (1976) y One Kind Favor(2008).
No sería hasta 1971 que grabaría su primer álbum como líder, Boys from Dayton, que contaría con la colaboración de Richard Tee yCornell Dupree, entre otros.
Su álbum con el clarinetista y saxofonista alto Marshall Royal (1912 - 1995), Snooky and Marshall's Album (1978), contó con la colaboración del pianista Ross Tompkins (1938 - 2006), el guitarrista Freddie Green (1911 - 1987), Ray Brown y Louie Bellson, que colaboraría también en su siguiente álbum: Horn of Plenty (El cuerno de la abundancia).
Young fue uno de los músicos de jazz que acompañó a The Band en la gira que resultaría en el disco en directo Rock of Ages, grabado en diciembre de 1971,' y su colaboración posterior, junto con otros músicos de jazz, en el primer álbum de Steely Dan, Can't Buy a Thrill (1972), ayudó a consolidar la fama de la banda entre los músicos de sesión de la época.
En 2009, recibió un NEA Jazz Masters Award.

jueves, 20 de marzo de 2014

Joe Harriott


Joseph Arthurlin "Joe" Harriott (15 de julio de 1928 en Kingston, Jamaica - Enero 2 de 1973 en Southampton, Hampshire) fue un músico de jazz y compositor jamaicano, cuyo instrumento principal fue el saxofón alto. 
Inicialmente bebopper, se convirtió en pionero del free jazz. Fue educado en el famoso Alfa Boys School de Kingston, que produjo una serie de prominentes músicos jamaicanos. Se trasladó al Reino Unido como músico de sesión en 1951 y permaneció en el país durante el resto de su vida. Harriott fue parte de una ola de músicos de jazz del Caribe que llegaron a Gran Bretaña durante la década de 1950, incluyendo a Dizzy Reece, Harold McNair, Harry Beckett y Wilton Gaynair.

miércoles, 19 de marzo de 2014

Sahib Shihab

Sahib Shihab (nacido Edmund Gregory , 23 de junio 1925 , Savannah , Georgia - 24 de octubre de 1989 en Nashville , Tennessee ) fue un saxofonista  (barítono, alto y soprano) y flautista estadounidense de jazz .

Primero tocó profesionalmente para el saxofón alto Luther Henderson a los 13 años y se fue a estudiar en el Conservatorio de Boston y a tocar con el trompetista Roy Eldridge . Tocó el saxo alto alto con Fletcher Henderson , a mediados de los años cuarenta.
Fue uno de los primeros músicos de jazz en convertirse al Islam y cambió su nombre en 1947. Durante la década de 1940 , Shihab tocó con Thelonious Monk. Durante este período, también encontró tiempo para aparecer en muchas grabaciones de artistas como Art Blakey, Kenny Dorham y Benny Golson . La invitación a tocar con la big band de Dizzy Gillespie en la década de los cincuenta era de particular importancia ya que marcó el interruptor de Sahib al barítono .
En 1958, Sahib fue uno de los músicos fotografiados por Art Kane en su "A Great Day in Harlem picture".
En 1959, realizó una gira por Europa con Quincy Jones después de estar harto de la política racial en EE.UU. y en última instancia se estableció en Escandinavia. Trabajó para la  Copenhagen Polytechnic y escribió partituras para televisión, cine y teatro.
En 1961, se unió a The Kenny Clarke - Francy Boland Big Band , se casó con una danesa y formó familia en Europa, aunque siguió teniendo conciencia afroamericana y siendo sensible a las cuestiones raciales.
En 1973, Sahib regresó a los Estados Unidos por un periodo de tres años, trabajando como músico de sesión para artistas de rock y pop y también haciendo un poco de redacción para los músicos locales. Pasó sus últimos años entre Nueva York y Europa y tocó en una asociación exitosa con Art Farmer y murió en Tennessee.

martes, 18 de marzo de 2014

Ruby Braff




Ruby Braff, nació en Boston y sus primeros escarceos con la música profesional se le conocen cuando visitaba con frecuencia el barrio de Storyville en compañía del clarinetista, Pee Wee Russell. Este cornetista-trompetista, dejó pasar por alto la época que le tocó vivir - el bebop- y prefirió en cambio desarrollar y perfeccionar los sonidos del swing. Su admiración por Louis Armstrong era tal, que consiguió desarrollar una propuesta musical acorde con los sonidos característicos de New Orleáns.

En 1953 se trasladó a New York donde comenzó a grabar con destacados instrumentistas de su mismo estilo. Obtuvo un notable éxito con un álbum en compañía del trombonista, Vic Dickenson, pero le resultaba dificilísimo encontrar trabajo en una ciudad y en una época entregada al nuevo sonido emergente en el jazz: el bebop. A comienzos de los sesenta y durante la década siguiente, grabó primero de manera estable con el guitarrista, George Barnes y después con el auge del nuevo sello "Concord Jazz records" salió del ostracismo junto a otros músicos representativos de su estilo.

lunes, 17 de marzo de 2014

Bill Henderson

William Randall "Bill" Henderson (nacido el 19 de marzo 1926 ) es un cantante estadounidense de jazz y actor de televisión y cine.
Henderson nació en Chicago, Illinois. Las actuaciones de Henderson han sido numerosas. A partir de mediados de la década de 1970, y continuando hasta el día de hoy, ha aparecido con frecuencia en la televisión en papeles secundarios. Sus papeles en el cine han seguido una tendencia similar - papeles de menor importancia y secundarios.
Henderson comenzó su carrera musical profesional en 1952, actuando en Chicago con Ramsey Lewis, y comenzó a grabar como líder después de un traslado a Nueva York en 1958. Ha grabado y actuado con artistas como Oscar Peterson, Jimmy Smith, Count Basie, Yusef Lateef , Booker Little, y Eddie Harris. Henderson también grabó sus propias pistas de voz como " King Blues" en el 1983 la comedia "Get Crazy". En 1999, Henderson realizó una aparición vocal como invitado en el álbum de Charlie Haden "The Art of the Song". Todavía en forma privilegiada, Henderson sigue cantando regularmente en y alrededor del área de Los Angeles.
Os lo dejo acompañado, nada más y nada menos, que de Oscar Peterson.

domingo, 16 de marzo de 2014

Bengt Hallberg



Bengt Hallberg ( 13 septiembre 1932 - 2 julio 2013 ) fue un pianista de jazz, compositor y arreglista sueco .

Nacido en Gotemburgo, estudió piano clásico desde muy temprana edad , y escribió su primer arreglo de jazz a la edad de 13 años. A la edad de 15 años grabó su primer disco como miembro de un grupo dirigido por el bajista Thore Jederby  y en 1949 grabó con el saxofonista sueco Arne Domnerus. Ambos músicos continuaron juntos varias décadas más .
Durante la década de 1950, Hallberg jtocó con los principales músicos visitantes estadounidenses, entre ellos Stan Getz, grabando " Dear Old Stockholm " (originalmente " Ack Värmeland du Sköna ") con él, y el saxo alto Lee Konitz en 1951, y los trompetistas Clifford Brown y Quincy Jones en 1953. En el mismo período, trabajó con el saxofonista barítono Lars Gullin, otro intérprete sueco líder de la época. Ambos músicos se asociaron con la escena 'Cool Jazz "en su país, influido por la escuela del pianista Lennie Tristano, uno de los favoritos de Hallberg con la que se asoció Konitz .

Hallberg tenía un estilo versátil y en sus últimos años escribió música para cine y televisión, así como arreglos corales, y también tocaba el acordeón. Con Domnerus y Georg Riedel, entre otros, participó en los Jazz at the Pawnshop sessions en diciembre de 1976. Según Chris Mosey, mientras Hallberg fue: "Suele ser un intérprete extremadamente delicado y muy medido, estaba obviamente afectado por el ambiente en general, y aquí y allá se desata con una fuerza impresionante ".

Murió de insuficiencia cardíaca.


sábado, 15 de marzo de 2014

Reuben Wilson


Reuben Wilson es un organista estadounidense de jazz y soul jazz, y uno de los músicos pioneros del movimiento acid jazz.



Nacido en Mounds, Oklahoma, Reuben Wilson se trasladó de niño a Pasadena,California, donde tuvo como compañeros de escuela a futuros músicos de jazz como Bobby Hutcherson y Herb Lewis. Wilson aprendió a tocar piano de forma autodidacta, pero cuando un amigo suyo le mostró el órgano Hammond, supo que ése era su instrumento. Sus primeras influencias fueron Billy Larkin de the Delegates y, por supuesto, Jimmy Smith, pero pronto derivó su atención hacia el mundo del boxeo. Con 17 años se dirige a Los Ángeles y se casa con una cantante de nightclubs, a través de la cual conoce a un buen número de músicos profesionales, lo que redirige nuevamente sus pasos hacia la música. Wilson, en lugar de dedicarse al piano, se hace con un órgano Hammond, y en poco tiempo se encuentra trabajando con el baterista Eddie Williams, con el guitarrista George Freeman, y con el saxofonista Clifford Scott. El músico permanece en el circuito de Los Ángeles durante unos años antes de probar suerte -sin éxito- en Las Vegas, tras lo cual regresa a Los Ángeles, donde establece una fuerte amistad con el también organista Richard "Groove" Holmes.

En Diciembre de 1966, Wilson se marcha a Nueva York, donde forma el trío de soul jazz the Wildcare Express con el baterista Tommy Derrick. Tras seis meses de trabajo, el organista decide concentrarse en variaciones más complejas dentro del estilo, introduciendo elementos más bop, lo que atrae a músicos como Grant Green, Roy Haynes, o Sam Rivers a la banda de WIlson. En esa época, la prestigiosa Blue Note Records le ofrece un contrato que Wilson no duda en aceptar

El primer disco de Wilson con el nuevo sello ve la luz en 1968, bajo el título "On Broadway". En marzo de 1969 publica "Love Bug", con Lee Morgan, mientras que "Blue Mode" se edita en diciembre de ese mismo año. En 1970 sale a la venta "A Groovy Situation", en la nueva dirección, más comercial, que estaban siguiendo la mayoría de los artistas de Blue Note. "Set Us Free", de 1971, señala el fin de la relación de Wilson con la famosa editorial, pero éste sigue editando trabajos bajo otros señños menos conocidos durante el resto de la década, además de llevar a cabo trabajos de sesión con distintos artistas de funk y de jazz. Durante el final de la década de los 70, Wilson sólo graba esporádicamente y finalmente, a principios de los 80 tiene lugar su retiro.

En 1995, en pleno auge del movimiento acid jazz, y tras el redescubrimiento de su música en samples de artistas como A Tribe Called Quest, Us3, o Brand New Heaviess, Reuben Wilson vuelve a los escenarios con el proyecto Jazzmatazz de DJ Guru. En 1996 firma con el sello Hip Bop para editar dos álbumes, y desde entonces la actividad de estudio de Reuben Wilson ha sido incesante.

Referencia imprescindible en la historia del funk y del órgano Hammond, Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul jazz que emergieron a finales de la década de los 60, con la suerte de estar entre los pocos que lograron firmar con Blue Note Records. En una época en la que la editorial apostaba por una dirección menos purista, ninguno de sus trabajos para el sello lograron una fuerte aceptación en su época, pero fueron redescubiertos mucho más tarde por una nueva generación de fans que no desdeñaban sus licencias comerciales para convertirse instantáneamente en objetos de culto entre los aficionados al género. La música de Wilson, una mezcla de jazz, pop, jazz fusion y funk inspiró a gente como Sly Stone y George Clinton, y a través de los trabajos de los artistas del sello "Acid Jazz", de Gilles Peterson y de los samples de DJs contemporáneos, continúa ejerciendo una profunda influencia en la escena musical.

viernes, 14 de marzo de 2014

Bobby Pierce


Bobby Pierce nació en Columbus, Ohio, el 7 de noviembre de 1942. Pasó muchos años tocando en Chicago y Nueva York, con maestros del idioma del jazz, así como viajó por el mundo con una gran variedad de grupos. Además de ser un extraordinario pianista y organista, Bobby es un estilista de la canción evocadora que compone, arregla y dirige la música de una gran variedad de configuraciones. Actualmente vive en el área de Los Ángeles, donde es miembro activo de diversos grupos de Gospel, Jazz y clásicos.

jueves, 13 de marzo de 2014

Freddie Roach

Freddie Roach (nacido el 11 de mayo 1931 ) es un organista de soul jazz Hammond B3 nacido en el Bronx , Nueva York. Era uno del puñado de legendarios organistas de jazz que hicieron historia en la década de 1960, la época de oro del órgano Hammond. Roach hizo su debut discográfico en 1960 con el saxofonista Ike Quebec en los discos "Heavy Soul" e "It Might as Well Be Spring" y tocó con Willis Jackson. Desde 1962 hasta 1964 grabó 5 discos como líder para el sello Blue Note Records y grabó con Donald Byrd en el álbum "I'm Tryin' to Get Home". Su álbum de Blue Note "Mo' Greens Please", es quizás uno de los diez mejores discos de órgano de jazz de todos los tiempos. Desde 1966 hasta 1967 grabó tres discos más como líder para Prestige Records, que se encuentran en línea más comercial que los grabados para Blue Note . Después de esas grabaciones se trasladó a Francia y se perdió su pista.
Roach es un organista conmovedor, sin duda influenciado por Jimmy Smith, pero con un sonido distinto y un concepto muy original, que es quizás el más escuchado en "Good Move" para Blue Note . Sus discos de Blue Note son unanimenente aclamados por la crítica.

miércoles, 12 de marzo de 2014

Charlie Earland



Charles Earland fue un organista estadounidense de jazz y soul jazz.

La relación de Charles Earland con la música comenzó cuando era niño, tocando el saxo alto de su padre. Durante la High School tocó el saxo barítono en una banda que contaba con el guitarrista Pat Martino, el saxofonista Lew Tabackin y el trompetista Frankie Avalon, y tras su paso por la banda de la Temple University se une a la banda del organista Jimmy McGriff, con quien permanece tres años. Fascinado por la musicalidad de McGriff, Earland comienza a interesarse por el órgano Hammond, instrumento que estudia durante las pausas de su trabajo con McGriff. Cuando abandona la banda de éste adopta el Hammond como su instrumento principal, formando un trío con Par Martino y el baterista Bobby Durham.

Su primeras grabaciones con el sello Choice ven la luz a partir de 1966, y desde 1968 a 1969 Earland trabaja con Loud Donaldson, además de firmar con Prestige Records. Su primer álbum en este último sello sale a la venta en 1969, y con el título Black Talk!obtiene un gran éxito de ventas y se convierte en un clásico inmediato en el género del soul-jazz. El músico graba ocho discos más para Prestige antes de firmar con Muse, con Mercury y finalmente con Columbia. Cuando el trío de órgano comienza a pasar de moda, Earland comienza a usar sintetizadores y se pasa al pop y a la música disco con la colaboración de su esposa, la cantante y compositora Sheryl Kendrick. Tras una sucesión de álbumes de éxito que recorren el espectro estilístico del jazz, el soul y el funk(Odyssey (1976), The Great Pyramid (1976), o el recordado Revelation, de 1977), Earland entre en la década de 1980 con Coming To You Live (1980), Earland's Jam (1982) y Street Themes (1983), todos para CBS. En 1983 obtiene un resonante éxito con su tema It's A Doggie Boogie, Baby,2 pero tras el fallecimiento de su esposa en 1985, el músico suspende temporalmente sus actividades musicales, pero retorna a finales de la década con dos excelentes discos de soul jazz para Milestone Records que tienen como principal protagonista a su Hammond. Durante la década de 1990 Earland vuelve a Muse Records para continuar editando sus trabajos. Finalmente, el 11 de diciembre de 1999, el músico fallece por un ataque cardíaco a la mañana siguiente de haber dado su último concierto en Kansas City. Tenía 58 años.

Procedente de la gran generación de organistas de soul jazz que surgieron en la década de 1960, Earland debe mayormente su fama a la exposición que logró con la serie de álbumes que editó para Prestige. Deudor de Jimmy Smith y Jimmy McGriff, Earland, y sin ser un artista innovador, posee una técnica ágil y un sonido ligero en el órgano, además de un dominio absoluto de la técnica dewalking bass en el instrumento. Tras su muerte, la crítica continúa destacando Black Talk! como el mejor de sus trabajos.


martes, 11 de marzo de 2014

Jimmy McGriff




James Harrell McGriff, Jr. (Filadelfia, 3 de abril de 1936- 24 de mayo de 2008), Jimmy McGriff, organista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues, ysoul jazz y jazz funk. Especialista en el órgano Hammond B-3.


Sus padre tocaban el piano y entre sus familiares estaban el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin. Envuelto en la música religiosa de la iglesia de su familia, consiguió sus primeros instrumentos, una batería, a los ocho años. Hacia los diez, tocaba el saxo alto y el bajo acústico, y terminando el instituto aprendió también a tocar el vibráfono, el piano y la batería. Aunque su primer instrumento fue el bajo, pronto se pasó al órgano Hammond tras ver a Richard "Groove" Holmes en un club en Camden, Nueva Jersey. No obstante, entró en el servicio militar y estuvo en la guerra de Corea como policía militar. Una vez de vuelta en Estados Unidos, decidió estudiar para el cuerpo de policía, y tras completar la formación necesaria, trabajó en la policía de Filadelfia durante dos años y medio. Con todo, en ningún momento perdió su interés en la música, y hacia 1955 ya tocaba como músico de bajoacompañando a cantantes como Carmen McRae y, más frecuentemente, a Big Maybelle.

Más tarde, en los años 60 y 70, tocó en la banda de Buddy Rich, y a partir de 1986, con el saxofonista Hank Crawford.

lunes, 10 de marzo de 2014

Johnny Hammond



John Robert Smith (Louisville, Kentucky, 16 de diciembre de 1933 – Chicago, Illinois, 4 de junio de 1997), más conocido como Johnny Hammond, fue un organista de soul jazz y hard bop, especializado en el Hammond B3, del que tomó su apodo.


Comenzó tocando en las bandas de Paul Williams y Chris Columbo, aunque pronto formó sus propios grupos, en los que participaron músicos como Etta James, Houston Person o Freddy McCoy. Después acompañó a la cantante Nancy Wilson, trabajando además como músico de sesión para el sello discográfico Prestige durante casi diez años. En 1971, cuando Creed Taylor crea el sello especializado en soul jazz Kudu Records, Hammond pasa a integrarse en su equipo artístico. En su primer álbum para Kudu, incorporó a la banda a Grover Washington, Jr., quien luego sería uno de los artistas más vendedores de la discográfica. El estilo funky de Hammond también le dio varios éxitos en las listas, especialmente su disco "Gambler's life" (Salvation Records, 1974).

domingo, 9 de marzo de 2014

Babs Gonzales




De nombre real, Les Brown, el cantante, Babs Gonzales, tuvo que cambiarse el nombre debido a la necesidad de conservar uno de sus primeros empleos como chofer del actor, Erroll Flynn. Así podía inscribirse en los hoteles con su jefe allí donde no admitían clientes ni personal de color.

Como en el caso de Slim Gaillard, Babs Gonzales, no ocupa el lugar que le corresponde en la historia del jazz, ni tampoco el que merece. Ese parece ser el destino que parece perseguir a todos aquellos músicos afro americanos que se decantaron por el espectáculo y las variedades y a caballo entre el Rhythm and Blues, el Jive o incluso como es este singular caso, el bebop. Babs Gonzales, supo crearse un repertorio de canciones interesantes, una jerga costumbrista muy cuidadosamente dosificada y su onomatopeya mas singular - el celebre "Oop-Pop_A-Da - popularizada por el gran trompetista Dizzy Gillespie, o su versión vocal de "Ornithology", en la que pone de manifiesto su descarado dominio del scatt, es solo algunos ejemplos de la habilidad de este singular cantante adscrito al mundo del bebop. 
Su legado discográfico es bastante escaso y es destacable por lo disponible del mismo, el disco que grabó con el también cantante, Slim Gaillard, titulado: "Shuckin' And Jivin'".


sábado, 8 de marzo de 2014

The Day Lady died


The Day Lady Died

It is 12:20 in New York a Friday
three days after Bastille day, yes
it is 1959 and I go get a shoeshine
because I will get off the 4:19 in Easthampton   
at 7:15 and then go straight to dinner
and I don’t know the people who will feed me

I walk up the muggy street beginning to sun   
and have a hamburger and a malted and buy
an ugly NEW WORLD WRITING to see what the poets   
in Ghana are doing these days
                                           I go on to the bank
and Miss Stillwagon (first name Linda I once heard)   
doesn’t even look up my balance for once in her life   
and in the GOLDEN GRIFFIN I get a little Verlaine   
for Patsy with drawings by Bonnard although I do   
think of Hesiod, trans. Richmond Lattimore or   
Brendan Behan’s new play or Le Balcon or Les Nègres
of Genet, but I don’t, I stick with Verlaine
after practically going to sleep with quandariness

and for Mike I just stroll into the PARK LANE
Liquor Store and ask for a bottle of Strega and   
then I go back where I came from to 6th Avenue   
and the tobacconist in the Ziegfeld Theatre and   
casually ask for a carton of Gauloises and a carton
of Picayunes, and a NEW YORK POST with her face on it

and I am sweating a lot by now and thinking of
leaning on the john door in the 5 SPOT
while she whispered a song along the keyboard
to Mal Waldron and everyone and I stopped breathing

viernes, 7 de marzo de 2014

Aladar Pege


Pege fue uno de esos héroes sin corona que tanto abundan en la historia del jazz. Nacido en Budapest en una familia de músicos gitanos de música tradicional, a los 15 años empezó a tocar el contrabajo. Estudió en la prestigiosa Academia Liszt y en 1969 se convirtió en profesor. Ya era conocido en los círculos jazzísticos, llegando a ser elegido como mejor solista Europeo en Montreux, en 1970. Pege viajó a EE UU con frecuenci. En 1982 actuó con el pianista Herbie Hancock. Algo después fue obsequiado con el más preciado de los regalos: el contrabajo de Charles Mingus.
En sus últimos años, Aladar Pege estuvo dedicado preferentemente a la transcripción e interpretación de música clásica europea.
J. M. GARCÍA MARTÍNEZ EL PAÍS

jueves, 6 de marzo de 2014

Major Holley

Major " Mule " Holley (10 de julio de 1924, Detroit , Michigan - 25 de octubre de 1990 Maplewood , Nueva Jersey ) fue un contrabajista de jazz estadounidense.
Holley asistió a la prestigiosa Cass Technical High School . Holley comenzó tocando el violín y la tuba pasando posteriormente a tocar el contrabajo, mientras servía en la Armada. En la segunda mitad de la década de 1940 tocó con Dexter Gordon , Charlie Parker y Ella Fitzgerald , y en 1950 grabó duetos con Oscar Peterson  y también tocó con Peterson y Charlie Smith en formación de trío. 
A mediados de la década de 1950 se trasladó a Inglaterra y trabajó en la BBC. A su regreso a los Estados Unidos realizó una gira con Woody Herman en 1958 y con Al Cohn / Zoot Sims en 1959-1960. Como prolífico músico de estudio, tocó con Duke Ellington en 1964 y con el Kenny Burrell Trio, Coleman Hawkins, Lee Konitz, Roy Eldridge, Michel Legrand, Milt Buckner, Jay McShann y Quincy Jones en los años 1960 y 1970. De 1967 a 1970 enseñó en el Berklee College of Music.
Holley fue conocido por cantar junto con su arco (curvado ) solos de bajo, una técnica que Slam Stewart también utilizó. Holley y Stewart grabaron juntos dos álbumes en la década de 1970 .

miércoles, 5 de marzo de 2014

Richard Wyands


Richard Wyands (2 de julio de 1928 en Oakland, California) es un pianista de hard bop más conocido como sideman. Comenzó a tocar en su adolescencia en San Francisco, pero más tarde se trasladó a la ciudad de Nueva York. Trabajó con Kenny Burrell en la década de 1960 y también fue miembro del Gigi Gryce Quintet. Ha dirigido un par de tríos. Os lo dejo versionando el clásico "Teach me tonight".

martes, 4 de marzo de 2014

Vi Redd


La historia de la saxofonista alto Vi Redd ilustra otra vez la sinrazón por la cual las mujeres instrumentistas de jazz han sido excluídas de la presencia en la historia del jazz. A pesar de actuar junto a grandes del jazz como Count Basie, Max Roach, Dizzy Gillespie, y Earl Hines, rara vez se no0mbra en los libros de historia del jazz con excepción de los que se centran específicamente en las instrumentistas de jazz femeninas. Una razón para su omisión es que la historiografía del jazz se ha basado en gran medida en las grabaciones producidas comercialmente. A pesar de su carrera activa y exitosa en la década de 1960, Redd lanzó tan sólo dos grabaciones como director de orquesta, en 1962 y 1964. Críticas de estas grabaciones, junto con las cuentas publicadas de sus actuaciones en directo y recuerdos de sus compañeros músicos iluminan cómo la carrera de Redd como instrumentista de jazz fue formada en gran medida por las normas de género establecidas del mundo del jazz .

Elvira " Vi " Redd nació en Los Angeles en 1928. Su padre, el baterista de Nueva Orleans Alton Redd, trabajó con grandes del jazz tales como Kid Ory, Dexter Gordon y Wardell Gray. Redd comenzó a cantar en la iglesia cuando tenía cinco años, y se inició en el saxofón alto en torno a la edad de doce años, cuando su tía abuela le dio un instrumento y le enseñó a tocar. Alrededor de 1948 formó una banda con su primer marido, el trompetista Nathaniel Meeks. Tocaba el saxofón y cantaba, y comenzó a actuar profesionalmente. Tuvo su primer hijo cuando tenía veintitantos años, y un segundo hijo con su segundo marido, el baterista Richie Goldberg, unos años más tarde. Fue en la década de 1960 que la popularidad de Redd como saxofonista de jazz / cantante alcanzó su punto máximo .


lunes, 3 de marzo de 2014

Juan José Mosalini


Juan José Mosalini: el alma del bandoneón late en París

La música y la danza del Río de la Plata llegaron a las márgenes del Sena hace más de un siglo, seduciendo a los franceses, pero el tango vive ahora una verdadera explosión en Francia, de la mano de algunos de sus maestros contemporáneos, como el bandoneonista Juan José Mosalini. En una entrevista con la AFP en París, antes de viajar a Argentina, donde ofrecerá dos conciertos, y de donde partirá luego rumbo a China, Mosalini evocó "la apasionada e incondicional" relación entre París y el tango y entre él y el bandoneón, que llegó a sus manos cuando era un chiquilín.
Por Ana María Echeverría (AFP) 

"¿Maestro, qué significa el bandoneón para usted", le interrogó la AFP tras haberlo escuchado ensayar este fin de semana, antes de un aplaudido concierto en el teatro Alhambra, a unos pasos de la céntrica Plaza de la República.

"El bandoneón para mí es casi la vida. Fue el primer instrumento que escuché en la infancia, porque mi padre tenía dos pasiones: la carpintería y el bandoneón. Formó siempre parte de mi paisaje musical hogareño", explicó.

Mosalini, de 66 años, estudió con su padre desde los ocho años y a los 13 integró una orquesta de barrio, que tocaba en bailes y carnavales. "Era la época floreciente de estas orquestas", recordó el artista, que dio el salto a París en 1977.

"Me trajo la música y la situación política. Estábamos en plena dictadura militar y nuestra generación fue salvajemente golpeada. Nadie dejó de sufrir, sobre todo la gente que militaba, lo que era mi caso", recordó.

Ya en su camerino, tras haber dirigido con humor y guante de terciopelo a sus músicos, Mosalini notó que él ha sido testigo y partícipe del movimiento que ha transformado a París en la "segunda capital del tango".

"El tango, que llegó a Francia hace más de un siglo, vivió su primer apogeo en los años de 1930. En esa época, las orquestas populares francesas tocaban siete u ocho tangos todas las noches", dijo.

"Además, las visitas de artistas argentinos como (el uruguayo Francisco) Canaro y Carlos Gardel, que filmó tantas películas aquí, hizo que el tango estuviera siempre presente en París, de manera a veces clandestina, o sumergida, como fue durante la Segunda Guerra Mundial.

"¿Quién no pasó por París? Algunos se quedaron. Yo soy uno de ellos. Y es que hay aquí un amor incondicional a esta música, que está hecha de tripas, sensibilidad, ganas de comunicar sentimientos", expresó.

"Pero cuando yo llegué, no era tanto como ahora. Yo he sido testigo de todo lo que ocurrió alrededor del tango en estos últimos 30 años. Ahora se vive una verdadera explosión, sobre todo de la danza", subrayó.

Ahora hay más de 180 asociaciones de bailarines de tango en Francia, precisó el artista, señalando que París ha sido también el epicentro de la música instrumental del tango, un género que estuvo alguna vez adormecido en Buenos Aires.

Esta pasión por el tango ha llevado a que se cree un café concert al margen del Sena, que se llama "Buenos Aires sur Seine". Allí desfilan grupos nuevos con nuevas propuestas, con nuevos repertorios, agregó Mosalini, que se desarrolló como intérprete, compositor y también profesor en París.

Y como acontece siempre, nadie es profeta en su tierra: Argentina lo descubrió sólo en el 2008, cuando lo invitaron a un festival.

"Fue entonces que el público de Buenos Aires tomó conocimiento de mi trabajo. Y a partir de allí se empezaron a editar mis discos. Tengo como 15 CD's publicados. Y ahora dentro de unos días sale en Argentina el sexto disco".

El repertorio de ese álbum titulado "Música Argentina", que saldrá editado por Acqua records, incluye tres obras de Astor Piazzola, una del Osvaldo Ruggiero y otra de Mosalini, y cuenta con la participación de una orquesta de cuerdas francesas.

Para Mosalini, el tango es una música viva, con sus altos y bajos, que se transforma siempre, de forma imperceptible a veces.

"Hoy hay una enorme cantidad de tangueros que viven en Alemania, Holanda, Noruega, Japón, España, Italia, Estados Unidos. Y ellos, sumados a los de Río de la Plata, hacen que de manera constante haya cambios en el tango".

"Pero sea como sea, como bien dijo Osvaldo (Pugliese), el tango siempre transmite una manera de vivir. De vivir el día a día: la pareja, el amor, las contradicciones de la existencia", concluyó.

domingo, 2 de marzo de 2014

Mose Allison


Mose John Allison Jr. (Tippo, de Misisipi, 11 de noviembre de 1927), conocido como Mose Allison, es un pianista, cantante y compositor estadounidense de jazz.

Su estilo pianístico oscila entre los convencionalismos del boogie woogie y elbebop y la innovación del blues y el hard-bop. Como compositor (reconocido especialmente por sus composiciones blusísticas), sus canciones han sido grabadas por músicos como The Who ("Young Man Blues"), Leon Russell ("I'm Smashed"), Bonnie Raitt ("Everybody's Cryin' Mercy") y Jorge Drexler («I don't worry about a thing»). Es admirado por Tom Waits, John Mayall, Georgie Fame, the Rolling Stones y Van Morrison.

Sus primeros contactos con el blues fueron a través de los discos de Louis Jordan, con temas como "Outskirts of Town" y "Pinetop Blues." Allison ha asegurado que Jordan es su principal influencia, además de Nat "King" Cole, Louis Armstrong y Fats Waller.

Comenzó tocando la trompeta pero más tarde se cambió al piano. En su juventud, tuvo fácil acceso a través de la radio a la música dePete Johnson, Albert Ammons y Meade "Lux" Lewis. Allison ha reconocido también al compositor Percy Mayfield, "the Poet Laureate of the Blues", como una de las principales influencias en su faceta como compositor.

Tras una etapa en la universidad y en el ejército, el primer trabajo profesional de Allison tuvo lugar en Lake Charles en 1950. Después asistió a la Universidad Estatal de Luisiana, en Baton Rouge, donde estudió inglés y filosofía, muy lejos de sus intereses iniciales en ingeniería química.

Allison comenzó su carrera discográfica con el sello Prestige, en 1956, muy poco después de haberse trasladado a Nueva York. Grabó un álbum con Al Cohn y Bobby Brookmeyer, y en 1957 consiguió su propio contrato de grabación. Un gran momento fue su oportunidad de tocar con Cohn y Zoot Sims poco después de llegar a la ciudad, aunque más tarde sería conocido por haber tocado con el saxofonista Stan Getz. Tras dejar Prestige Records, donde grabó discos clásicos como Back Country Suite (1957), Young Man Mose (1958) y Seventh Son (1958-1959), firmó por Columbia Records para dos años antes de encontrarse con Nesuhi Ertegün de Atlantic Records, compañía con la que pasaría la mayor parte de su carrera. Allison también ha grabado para Columbia (antes de su etapa con Atlantic) y con los sellos Epic y Prestige.


sábado, 1 de marzo de 2014

Andrés Boiarsky


Nació en Buenos Aires, Argentina el 9 de Octubre de 1957.Comenzó lecciones de piano a la edad de seis. Más tarde, pasa al clarinete mientras que se envuelve en el fuerte panorama de Jazz revivalista que existía en Buenos Aires a mediados de la década de los setenta. A raíz de su evolución estilística dentro de la música de Jazz, Andrés comienza a tocar el saxo tenor y más adelante el soprano.



En 1978 viajó a Londres, Inglaterra para estudiar en el renombrado Royal College of Music. Durante su estadía en Londres, forma su propio grupo grabando su primer disco como solista para Spotlight Records así como también varios programas de radio para la BBC. Tras completar sus estudios en Inglaterra en 1981, Boiarsky vuelve a su patria donde permanece hasta 1987. Durante ese periodo graba dos discos bajo su nombre para el sello CBS así como también se presenta en varias capitales Sudamericanas. También durante este periodo de su vida, Andrés explora la música folclórica Argentina y Rioplatense buscando fusionarlas con sus raíces jazzisticas. 

En 1988 se muda a Nueva York con el apoyo de Paquito D'Rivera y Carlos Franzetti. A los pocos meses de su llegada, Boiarsky se une a la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton pasando luego a ser director musical de la misma hasta 1993. A su partida de la orquesta de Hampton, Andrés es convocado a para formar parte de la "segunda edición" de la United Nation Orchestra bajo la dirección de D'Rivera.

Desde su llegada a Nueva York, Andrés participo de muchas grabaciones entre las cuales se encuentran las que realizo con el trombonista Slide Hampton, Claudio Roditi, The Dizzy Gillespie Alumni All-Stars, The United Nation Orchestra, Lionel Hampton, Nancy Wilson, Paquito D'Rivera, Al Di Meola, entre otros. 

En 1996 grabo su primer disco como solista para un sello norteamericano. El CD "Into the Light" fue publicado y esta a la venta a través del sello Reservoir Records. 

Sus múltiples actuaciones como solista lo han llevado hasta Alaska y Rusia en donde se presento en varias oportunidades incluyendo su participación en el "White Nights Jazz Festival llevado a cabo en la ciudad de San Petersburgo.

Como educador, ha dado clínicas en numerosos centros de estudio como las universidades de Idaho y George Mason en Virginia dentro de los Estados Unidos. Actualmente también es docente del Rockland Conservatory of Music de Nueva York.

Todo puede ser jazzeado? Sí, responde el saxofonista argentino Andrés Boiarsky radicado hace 18 años en Nueva York. Y asegura demostrarlo en su flamante disco compartido con la pianista japonesa Tomoko Ohno, Shadows of Spring, que incluye tangos de Astor Piazzolla y varias composiciones de Tomoko, que a su vez están inspiradas en la música tradicional japonesa.
"Porque el jazz —define inspiradísimo, logrando casi un slogan— más que un tipo de música es una forma de hacer música."