martes, 30 de abril de 2013

Ray Nance


Ray Nance Willis (10 de diciembre 1913 Chicago - 28 de enero de 1976 Nueva York) fue un trompetista de jazz, violinista y cantante. Es conocido por su larga asociación con el director de orquesta Duke Ellington.

Nance dirigió su propia banda en Chicago desde 1932 hasta 1937. Luego, colaboró con Earl "Fatha" Hines desde 1937 a 1939, y desde 1939 a 1940 trabajó con Horace Henderson.

Duke Ellington contrató a Nance para reemplazar al trompetista Cootie Williams en 1940. La primera actuación de Nance con Ellington fue en el famoso baile de salón Fargo, de North Dakota. Poco después de unirse a la banda, Nance fue encargado del solo de trompeta en la primera versión grabada de "Take the" A "Train", que se convirtió en un estándar del Jazz y clave en el éxito de Ellington. El solo de Nance en "A-Train" es uno de los solos de trompeta más copiados y admirados de la historia del jazz. De hecho, cuando Cootie Williams regresó a la banda más de veinte años después, tocaba el solo de Nance en "A-Train" casi exactamente como el original.

Nance fue presentado a menudo con el violín y fue el solista de violín que más destacó en la orquesta de Ellington. También es uno de los vocalistas de renombre de la orquesta de Ellington, no cantó la primera versión (Ivie Anderson), pero sin duda la versión definitiva de "No significa nada (si no es Got That Swing) ", fue la suya. Sus múltiples talentos (trompeta, violín, voz y baile) le valió el apodo de "floorshow".

Dejó la banda de Ellington en 1963 después de haber tocado al lado de su predecesor Cootie Williams durante un año.
Nance realizó algunas grabaciones como director de orquesta, y también grabó como acompañante con Earl Hines, Rosemary Clooney, Jaki Byard, Chico Hamilton  y otros. 

lunes, 29 de abril de 2013

Hubert Nuss



Hubert Nuss (nacido el 10 de Marzo de 1964 en Neckarsulm) es un compositor y pianista alemán de jazz.
A los 8 años inició estudios de piano clásico y a los 16 amplió con estudios de órgano de iglesia e imoprovisación clásica a la par que comenzó sus experiencias en el jazz. Fue pianista desde 1982 a 1986 en la Jugendjazzorchester Baden-Württemberg, asi como desde 1988 a 1989 en la Bundesjazzorchester.  
Cursó estudios de piano de jazz en el Conservatorio de Colonia, graduándose con expediente sobresaliente en 1992.
Como pianista ha participado en n umerosas producciones discográficas (entre otras WDR, NDR, SDR, SWF, HR, RIAS) y ha tocado junto a Mel Lewis, Clark Terry, Shirley Bassey,Benny Bailey, John Taylor, Bobby Shew, Don Menza, Johnny Griffin, Art Farmer, Slide Hampton, Toots Thielemans, Ack van Rooyen, Paul Heller, Jeff Hamilton, John Schröder, Steffen Schorn, John Abercrombie, Till Brönner, Paul Kuhn, Bob Brookmeyer, Thilo Berg, la Bobby Burgess Sound Explosion y en Peter Herbolzheimers Rhythm Combination & Brass. Es muy conocida su participación en hasta ahora 6 CD's junto al saxofonistan Peter Weniger.

En 1997 Hubert Nuss fundó su propio Trio con John Goldsby (bajo) y John Riley (batería), con el cual ya ha editado 4 discos.

domingo, 28 de abril de 2013

Carol Sloane

La cantante, Carol Sloane (Providence, 1937) empezó su carrera artística con tan sólo 14 años y en 1958, estuvo un par de años en la banda de Les y Larry Elgart. En 1960, sustituyó - por enfermedad- a Annie Ross en el trío que habitualmente formaban junto a Dave Lambert y John Hendricks. El salto definitivo a la fama lo consiguió al año siguiente, en 1961, cuando su participación en el Festival de Jazz de Newport, llamó la atención de los propietarios del sello Columbia que la contrataron.


A finales de ese año graba su primer y excelente disco titulado: "Out of the Blues"con arreglos de Bill Finegan y Bob Brookmeyer, y la participación de los trompetistas,Nick Travis y Clark Terry, el pianista, Bernie Leighton, los guitarristas, Barry Galbraith y Jim Hall, los contrabajistas, Art Davis y George Duvivier y el baterista, Walter Perkins. Bob Brookmeyer, también participó tocando el trombón de varas y desde ése mismo momento establecieron ambos una fuerte amistad. A pesar del éxito del disco y tras un segundo, también para Columbia, con menos éxito "Carol Sloane Live 34oth Street" la discográfica decidió cancelar el contrato y Carol Sloane pasó al desierto donde se refugian las cantantes olvidadas. Su larga ausencia en los estudios de grabación, los pasó actuando en clubes de cierta solera jazzistica, trabajó para la revista Down Beat en su sección de criticas de discos y participó en algún que otro programa de radio.


Carol Sloane no volvió a grabar hasta 1977, pero antes, en 1975 trabajó con el contrabajista, George Mraz, el baterista, Joe LaBarbera y con el pianista, Jimmy Rowles, su compañero artístico y sentimental durante cuatro años. Su álbum de regreso a los estudios de grabación fue con el sello "Audiophile" y el álbum se tituló"Sophisticated Lady" y obtuvo el favor de la critica lo suficientemente importante como para, ahora sí, grabar continuamente para los sellos, "Choice", "Prestige"; "Contemporary" -donde grabó en 1988, el mejor álbum de su carrera titulado "Love You Madly" - y por fin, para el sello que le ha dado continuidad, prestigio y confianza en estos últimos veinte años, el sello "Concord Jazz". La relación con "Concord" dura hasta finales de los noventa y en sus arcas queda una serie de espléndidos álbumes destacando el disco grabado en 1993, titulado "Sweet & Slow" con su trío habitual en aquella época, mas el añadido del saxo y la flauta de Frank Wess.

Toda esta ultima etapa de su carrera, incluida los discos grabados en el tercer milenio para "Hig Note", confirman que Carol Sloane, es una de las mas prestigiosas baladistas blancas del jazz. 


sábado, 27 de abril de 2013

Horace Parlan


Horace Parlan (n. 19 de enero de 1931) es un pianista estadounidense de jazz encuadrado en el estilo hard bop.


Había comenzado a estudiar piano a una edad muy temprana, pero tuvo la desgracia de contraer la poliomelitis en su niñez, quedando parcialmente paralítico del lado derecho de su cuerpo. Sin embargo, con la ayuda de sus profesores privados Mary Alston y Wyatt Ruther consiguió proseguir sus estudios pianísticos desarrollando una singular técnica de ejecución con la mano izquierda.

Comenzó su carrera profesional en la década de los 50 tocando en distintas bandas locales de rythm & blues, excepción hecha de una breve colaboración con Sonny Stitt. En 1957 se unió a la banda del famos contrabajista Charles Mingus con quien permaneció dos años, trasladándose de Pittsburgh a Nueva York. De 1960 a 1961 trabajó con Booker Ervin, en 1962 participó en el quinteto deEddie Davis y Johnny Griffin, de 1963 a 1966 con Rahsaan Roland Kirk, además de editar durante toda la década varios álbumes de éxito en la prestigiosa Blue Note Records. En 1973, aprovechando el auge del jazz que estaba teniendo lugar en los países escandinavos, se traslada a Copenhague y allí comienza editar una serie de importantes álbumes para Steeplechase Records, algunos de ellos grabados con músicos locales y otros con músicos americanos residentes, como Dexter Gordon o Archie Shepp.1En los 80 grabó con Red Mitchell, con Frank Foster y con Michal Urbaniak.

Parlan siempre ha citado a Ahmad Jamal y a Bud Powell como sus principales influencias, pero el influjo de Mingus en su música y la proyección que consiguió bajo su liderazgo fueron también muy notables.2 Su característico estilo al piano, deudor en parte de sus raíces blueseras y del R & B, combina unas frenéticas frases de gran energía rítmica con la mano derecha y originales acordes con la mano izquierda.2 De entre sus discos, siempre una calidad exquisita, destacan sus colaboraciones con el saxofonista Archie Shepp, con quien estableció una singular química que les llevó a explorar a fondo las raíces del blues y del gospel.

viernes, 26 de abril de 2013

Body and soul / Art Pepper


«Body & Soul» —en español: «Cuerpo y alma»— es una canción clásica del repertorio melódico estadounidense, compuesta en 1930 y grabada desde entonces por múltiples artistas como Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Frank Sinatra.
Los autores de la canción son: Johnny B. Green (música) y Robert B. Sour, Edward Heyman y Frank Eyton (letra). La compusieron para la actriz y cantante inglesa Gertrude Lawrence, y pronto se hizo popular en Estados Unidos. En 1947 dio título a una película clásica de boxeo, protagonizada por John Garfield.
La primera y mítica  versión en clave de jazz la realizó, pasando a la historia por ello,  Coleman Hawkins.
Yo os dejo una versión de uno de mis músicos favoritos.

jueves, 25 de abril de 2013

Smile


Madeleine Peyroux comparte con Billie Holiday algo más que ese deje de cantar el jazz como con maullidos perezosos. Tiene también algo del misterio que rodeó a 'Lady Day', la misma querencia por escaparse de las convenciones del negocio musical y las expectativas de la gente.
Os dejo esta extraordinaria versión del clásico de Chaplin.

miércoles, 24 de abril de 2013

Women in Jazz

Os dejo este interesante documental sobre algunas de las jazzwomen más destacadas.

martes, 23 de abril de 2013

Jean-Michel Pilc


Jean-Michel Pilc (1960 Paris, Francia) es un pianista de jazz autodidacta y residente en Nueva York. Debido a sus facultades técnicas ha sido comparado frecuentemente con Michel PetruccianiMcCoy Tyner, y Cecil Taylor.

Ha tocado con algunos de los mejores músicos de jazz tanto europeos como americanos, entre ellos citar a Roy Haynes, Michael Brecker, Kenny Garrett, Richard Bona, Martial Solal, Michel Portal o Daniel Humair.

lunes, 22 de abril de 2013

Hidehiko Matsumoto


Hidehiko Matsumoto, Okayama 12 de Octubere 1926 - 29 Febrero 2000, apodado "Sleepy" fue un saxofonista tenor japonés que tocó en su día con lo más granado del panorama jazzístico internacional.

domingo, 21 de abril de 2013

Kenny Werner

Kenny Werner es pianista, compositor y arreglista norteamericano (Brooklyn, 1951). Comienza a estudiar piano clásico a los once años de edad; poco después disfruta de un precoz debut discográfico con una orquesta de quince miembros.
Estudia en la Manhattan School de Nueva York y en el Berklee College Of Music de Boston, en el que recibe lecciones de Margaret Stedman Chaloff (madre del saxofonista baritono Serge y maestra de Leonard Bernstein, Keith Jarret y Herbie Hancock entre otros).
Realiza su primera gira por Sudamérica y en 1977 graba con el grupo de Charles Mingus.
A partir de entonces multiplica sus trabajos como músico de estudio para distintos sellos discográficos. En 1980 se une al grupo de Archie Shepp, al mismo tiempo que pertenece a la orquesta de Mel Lewis. En 1984 trabaja como músico freelance y colabora en dúos con Rufus Reid, Ray Drummond y Jaki Byard, además de realizar conciertos a piano solo.
En 1989 decide formar un trío estable, completado en principio por el contrabajista Ratzo Harris y el baterista Tom Rainey. Graba con ellos ese mismo año, pero su siguiente proyecto discográfico, en sexto, demuestra el afán por no estancarse en una formula concreta y su interés hacia la confección de arreglos para pequeños grupos.
En sus discos han participado entre otros: Dave Holland, Jack DeJohnette, Joe Lovano, Mark Feldman etc.
También despliega una intensa actividad docente. Regresa a la formula de trío con un concepto denso y complejo que exige de sus acompañantes gran talento improvisador y notable capacidad de lectura de partituras.
Como instrumentista se encuadra en una corriente cada vez mas fuerte que se muestra tan atenta a la tradición de los grandes pianistas del jazz como a los últimos hallazgos de la música culta, étnica y hasta popular.
Os dejo una versión del clásico de Eric Clapton "Tears in Heaven".


sábado, 20 de abril de 2013

Renee Rosnes



La pianista de jazz y compositora canadiense Renee Rosnes ha disfrutado de una carrera expansiva, después de haber tocado y grabado con artistas legendarios como Joe Henderson, Wayne Shorter, JJ Johnson, Bobby Hutcherson, James Moody, Ron Carter, y fue un miembro original de la SFJAZZ Collective. 
Como líder, Rosnes ha publicado doce grabaciones, cuatro de las cuales han cosechado Juno Awards, el equivalente canadiense de los Grammy. Frecuentemente toca a cuatro manos junto a su esposo, el también pianista Bill Charlap, con el que recientemente ha publicado un disco titulado  "Double Portrait".

viernes, 19 de abril de 2013

Oscar Hammerstein


Oscar Hammerstein II, (12 de julio de 1895 - 23 de agosto de 1960) fue un libretista estadounidense, que nació y murió en Nueva York.

Fue sobrino de Oscar Hammerstein I y dueño del Manhattan Opera House. Su ascenso a la fama se dio con una serie de comedias musicales y operetas entre las que se encuentran:
Sunny (1924), Rose Marie (1924), The Desert Song (1926), Showboat (1927).

Show Boat es un musical en dos actos con música de Jerome Kern y libreto de Oscar Hammerstein II, considerado a menudo el "padre del musical estadoundiense", fue el primero en integrar texto con canciones logrando un conformar una suerte de opereta estadounidense de fuerte contenido racial y critica social, narra la historia del barco showboat (teatro flotante) Cottom Blossom en sus travesias por el Mississippi a través de 47 años.

Contemporánea de Porgy and Bess de Gershwin es la antecesora directa de Oklahoma, South Pacific, My fair lady, West Side Story y Candide de Leonard Bernstein.

Basado en la novela de Edna Ferber se estreno en el Teatro de Ziegfield en 1927 protagonizada por Helen Morgan alcanzando las 572 representaciones, siendo llevada al cine en tres oportunidades, contiene algunos de las mas célebres canciones del patrimonio cultural estadounidense tales como Bill, Can't help loving that man, You are love, Make believe, After the Ball (firmada por Charles K. Harris) y en especial Ol'man river.

jueves, 18 de abril de 2013

Helen Merrill





La cantante, Helen Merrill (New York, 1930), es una de las grandes voces blancas del jazz. Su estilo siempre ha estado exento de ornamentas y vibratos adicionales y su canto es un homenaje a la desnudez vocal. Con un registro pequeño en comparación con sus colegas, su especialidad es la balada. Nunca fue una cantante de bigband, ni cultivaba el arte del scat, pero en los tiempos lentos es toda una autentica especialista.
De origen yugoeslavo, Jelena Ana Milcactic, verdadero nombre de Helen Merrill, consiguió con su primer álbum (Helen Merrill, Emarcy 1954) llegar a lo mas alto del jazz vocal. Con el mismo acompañamiento instrumental que había tenido días antes la gran Sarah Vaughan -Con Clifford Brown, a la trompeta como principal solista- tuvo la virtud de grabar un disco original, intimista, inteligente y con una voz prodigiosa.Clifford Brown, estaba en el momento álgido de su carrera y eso lo agradece el disco.Su debut como profesional tuvo lugar con la orquesta de Reggie Childs con quien estuvo de vocalista entre 1946 y 1947. Después vino el disco de su debut con CliffordBrown ya citado y a continuación varios mas para el sello Emarcy -una casa discográfica, filial de la Mercury que se especializó en grabar a cantantes- algunos de ellos también excelentes como el grabado en 1956 titulado: "Dream of You" y que cuenta con la extraordinaria aportación en los arreglos del maestro Gil Evans, ya famoso por su participación fundamental en el Noneto Capitol, y que por vez primera se decidía a trabajar exhaustivamente con una cantante. Los cincuenta y los sesenta vieron como la cantante, que seguía teniendo una naturalidad apoteósica y una dicción matizada, dejó algunos discos salteados para varios sellos: Verve, Milestone o Landmark.


Su estancia en Europa y en Japón- donde vivió entre 1967 y 1972- contribuyó a su renacimiento artístico en el país nipón, y en Europa tuvo que esperar a que en 1984 publicara el disco "No Tears, No Godbyes" (OWL) junto al pianista, Gordon Beck y mas tarde el magnifico "Music Makers" con Steve Lacy y Grapelli en 1986 para que el publico francés la redescubriera. Antes, en 1967, había grabado para Milestone una serie de discos con el extraordinario pianista, Dick Katz -su acompañante y director musical, antes de instalarse en Japón- que aportaron nuevos horizontes a su voz humeante. Dos discos dejaron testimonio de aquella feliz etapa: "The Feeling is Mutual" un disco admirable, y "A Shade of Difference" (1968) algo mas desigual pero con una magnifica versión de "Lonely Woman" la obra maestra que compuso Ornette Coleman.

En 1987, treinta años después de la primera colaboración con Gil Evans, cantante y arreglista se juntan de nuevo para grabar "Collaboration" (Emarcy) una reedición con los mismos temas y arreglos de la primera ocasión. En 1989 llegó la esperada cita conStan Getz, uno de sus músicos preferidos "Just Friends" (Emarcy) aunque ya su voz no era la misma y anunciaba la cercanía del retiro. Su obra postrera mas importante, es el álbum que ella misma se retrata. Esa autobiografía musical titulada "Jelena Ana Milcactic a. k. a. Helen Merrill" (Gitanes, 18 abril de 2000) es además de un gran disco, una especie de tributo a su magnifica carrera como cantante de jazz.


miércoles, 17 de abril de 2013

John McLaughlin


Guitarrista, pianista, sintetizador y compositor autodidacta, John McLaughlin, empezó su carrera muy joven, tocando a finales de los cincuenta con el grupo "Big Pete Deuchar and His Professors of Ragtime". A principios de los sesenta actuó con algunos de los músicos mas importantes de Rhythm and Blues británicos, comoGraham Bond, Jack Bruce y Brian Auger. 

Se interesó por el jazz y se enroló en el grupo del saxofonista, John Surman, trabajando junto a Dave Holland, Karl Berger y otros. Se trasladó a los Estados Unidos a principios de los años setenta y entró a formar parte del grupo "Lifetime" dirigido por el baterista, Tony Williams, que encontró en McLaughlin, el compañero de aventuras musicales ideal para realizar una mezcla de jazz y rock. Con "Lifetime"grabó dos álbumes muy importantes, el titulado "Turn It Over" (Verve, 1970) y"Emergency" (Verve, 1969), en los que demostró haber asimilado perfectamente el lenguaje de la nueva música. Gracias a la colaboración con Williams, McLaghlin, entró en contacto con Miles Davis, que por entonces estaba inmerso en sus experiencias eléctricas. De hecho, McLaughlin, participó en dos de los álbumes de culto de Miles de aquella época: "In A Silent Way" y "Bitches Brew".

Convertido al hinduismo, grabó en 1970 a su nombre el álbum que lo consagró definitivamente como un extraordinario guitarrista: "My Goal's Beyond", un disco que por medio de técnicas propias de la música india, intentó expresar su credo religioso. En 1971, fundó la "Mahavishnu Orchestra" otra vuelta de tuerca mas en la nueva concepción musical de McLaughlin. Entre los grandes discos que grabó en el seno de la "Mahavishnu" cabe citar, el extraordinario: "The Iner Mountain Flame" (Columbia, 1971), un disco considerado de los mejores en el terreno del rock progresivo y su fusión con el denominado, "Jazz eléctrico". Cuando la "Mahavishnu" se disolvió, McLaughlin, atravesó un periodo de crisis que se rompió cuando formó a finales de los años setenta, un grupo acústico junto a Chick Corea, Stanley Clarke, Tony Williams,Billy Cobham y Jack DeJohnette. Con ellos grabó un disco titulado: "Electric Guitarist"(Columbia, 1979) que marcó la vuelta del guitarrista a los ámbitos jazzisticos. 

En los ochenta y noventa, McLaughlin, empezó a filtear con otras formas musicales participando en diferentes y fascinantes tríos de guitarra con el maestro de la guitarra flamenca, Paco de Lucía, con Larry Coryell o con, Al Di Meola. En todos sus proyectos, McLaughlin, ha dado muestras de una generosidad y una sinceridad muiscal extraordinaria, y sus proyectos y trabajos discográficos, son la prueba de su constante actitud creativa. McLaughlin, pasará a la historia, no solo como un gran guitarrista, sino alguien que hizo mucho bien con la fusión en el jazz.


martes, 16 de abril de 2013

The Two Lonely People


The Two Lonely People es un estándar del jazz compuesto por Bill Evans y con letra de Carol Hal en 1971. Su primera aparición fue en el álbum Bill Evans de 1971 y más tarde apareció en el álbum "But Beautiful" de Bill Evans y Stan Getz , así como en el "Together Again" de Bill Evans y Tony Bennett. Jazz Improv lo comparó con "la música clásica de una gran orquesta.

lunes, 15 de abril de 2013

Howard McGhee


El trompetista, Howard McGhee (1918-1987) aunque nació en Oklahoma, se trasladó con su familia cuando era joven a Detroit. "Maggie" apodo por el que se le conocería posteriormente en el mundillo del jazz, recibió las primeras clases de música de un hermano guitarrista, perfeccionándolas después en la "Cass HighScholl". Decidió hacerse trompetista tras escuchar impresionado los discos de Louis Armstrong, pero su maestro en la escuela se empeñó en que aprendiera el clarinete, lo que le sirvió para su posterior carrera.

Terminados sus estudios se traslado a California y aprendió a tocar el saxo tenor. En 1939 estuvo con Leonard Gay, en 1940 con Jimmy Rachel y al año siguiente volvió a Detroit para presentarse con su propia formación en el "Club Congo". Allí fue descubierto por el maestro del vibráfono, Lionel Hampton, con cuyo grupo estaría un año. Tras la estancia con Hampton, McGhee se enrolaría en la orquesta del extraordinario Andy Kirk, con la que grabó sus primeros disco para DECCA el 14 de julio de 1942. Con una apreciable popularidad, McGhee se junta con la formación deCharlie Barnet, con quien permaneció durante dos años (1943-1944). Tras una breve vuelta con Andy Kirk, en la que coincidió con la extraordinaria pianista, Mary Lou Williams y el extraordinario trompetista, Fats Navarro, trabajó efímeramente con la orquesta de Count Basie.

En 1944 marcha a California para tocar con Coleman Hawkins y este cuando vio la calidad de aquel músico lo contrato durante un año. Estuvo con Hawkins, todo el año 1945 en una gira por varios Estados americanos y a la vuelta de Hawkins a New York, prefirió quedarse para formar con algunos músicos importantes un grupo con el que se sucederían las grabaciones. En aquella época el éxito de McGhee, era enorme, siendo practicamente el único "bopper" de la Costa Oeste hasta la llegada posterior de Parker y Gillespie en diciembre de 1945. Fue Howard McGhee, quien contrato aCharlie Parker, en el "Finale Club" y en el "Hi De Ho" cunas del bebop en California. En 1946, McGhee, intervendría en la famosa sesión de grabación para el sello Dial donde Parker grabaría el escalofriante testimonio decadente que supuso "Lover Man". 

Con Parker, Howard McGhee, grabó varias obras maestras del bebop, y ese fue su periodo musical mas importante. Norman Granz, lo incorporó a su "JATP" y entretanto, las revistas especializadas "Metronome" y "Down Beat", le consideraban entre los cuatro mejores trompetistas de jazz entre 1945 y 1947. En 1948, participó en el Primer Festival de Jazz de Paris y a su regreso a los Estados Unidos, se unió al grupo del llamado padrino del jazz afrocubano, Machito. Entre 1951 y 1952, tocó conOscar Petifford, por la zona del Pacifico y a partir de ahí vinieron los problemas de salud provocado por su adicción a la heroína. Desaparece de la escena musical durante toda la segunda mitad de los años cincuenta, y solo algunas esporádicas grabaciones en 1956 y en 1960 lo saca del ostracismo. George Wein lo busca para que participe en el Festival de Jazz de Newport de 1962 y le organiza un gira por Europa junto a Jay Jay Johnson y Sonny Stitt. Recuperado físicamente, vuelve a los estudios en 1976 para grabar con Illinois Jacquet un espectacular álbum. 

En los años ochenta, ficha por el sello Storyville con quien realiza tres grabaciones.Howard McGhee, falleció en 1987 y sus compañeros lo consideraban un excelente músico, hasta el punto de situarlo justamente por detrás de Dizzy Gillespie y Fats Navarro.

domingo, 14 de abril de 2013

Dean Martin







Dean Martin, nacía el 17 de julio de 1917 en la localidad de Steubenville, estado de Ohio, en el seno de una familia de inmigrantes italianos. De nombre real, Dino Paul Crocetti, poco amante de los estudios, pronto abandonó el colegio y se propuso ganarse la vida en lo que fuese; así trabajó desde su adolescencia en diferentes oficios como peón, vendedor de combustible en una gasolinera, crupier de casino e incluso boxeador, peleando (con algún éxito) con el apodo de "Kid Crocetti".

Al mismo tiempo, Dean Martin se fue introduciendo poco a poco en los "nightclubs" como cantante, actuando junto a la orquesta de Ernie McKay, bajo su nuevo apelativo de Dino Martin. En una de sus actuaciones, que compaginaba música y humor, coincidió con un cómico que intentaba también abrirse camino en el ámbito del espectáculo, su nombre era Jerry Lewis. Los dos se hicieron muy amigos, lo que les llevó a actuar como pareja en 1946 en el club "Atlantic City", consiguiendo con su hilarante química despertar el entusiasmo entre el público asistente. Poco después debutarían en la radio y en 1949 firmaron con los estudios Paramount para protagonizar su primera película juntos, "My friend Irma" (1949), un título dirigido por George Marshall y que sería el comienzo de una larga serie de éxitos cinematográficos.

La larga amistad culminó después del rodaje de "Loco por Anita" y la pareja rompió su exitosa colaboración artística para iniciar su carrera en solitario, en la cual diversificaría mucho más sus papeles, demostrando un sorprendente talento para la interpretación dramática. Además continuó grabando discos y consiguiendo éxito con temas clásicos del pop como "Volare" o "Everybody loves somebody". Sentimentalmente hablando, antes de la llegada de los 60 se había casado ya en dos ocasiones, la primera con Betty MacDonald en 1940, de quien se divorció en 1949; y la segunda en 1949 con Jane Biegger, su relación más duradera con la que estuvo hasta 1973. A partir de los años 50, Dean Martin, formó parte de un grupo de actores y cantantes, liderado por Frank Sinatra y que todo el mundo conocería como el "Clan Sinatra" y vulgarmente "rat pack", (La banda de las ratas). Eran amantes de la juerga y la buena vida y se vanagloriaban de tener contactos muy estrechos con el mundo de la mafia. 

Dean Martin, llegó a ser un cantante muy popular con escasa relación con el jazz, al que se acercó muy brevemente, pero con corrección apreciable -su álbum "Swingin' Down Yonder" para Capitol de 1954 es un buen ejemplo de ello- no es óbice para que mantuviera una presencia constante e ineludible en el mundo del show business estadounidense de los años 50 y 60.

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sábado, 13 de abril de 2013

Danilo Rea

Danilo Rea
Danilo Rea es un pianista de jazz nacido en Vicenza (Italia) en 1957. Se graduó en el Conservatorio Santa Cecilia de Música de Roma e hizo su debut con el Roma Trio ( Roberto Gatto y Pietropaoli Enzo) en 1975.  
Rea ha colaborado, entre otros con Chet Baker, Lee Konitz, Steve Grossman, Woods Phil, Art Farmer, Curtis Fuller y Wheeler Kenny. 
Es un acompañante muy codiciado en la música pop, y ha actuado con Domenico Modugno, Daniele Pino y Gianni Morandi. Ha participado como solista en 1989 en "Réquiem por Pierpaolo Pasolini", de Roberto De Simone en el Teatro San Carlo de Nápoles.
Os dejo una actuación suya en el Umbriajazz del 2008.

viernes, 12 de abril de 2013

In the still of the night - Cole Porter


Gordo como Armstrong, creativo como Ellington, virtuoso como Tatum, lírico como Young y, finalmente, auto-destructivo como Holiday.
Os dejo ésta maravilla de Charlie Parker improvisando sobre el coro de un tema de Cole Porter. Para aquéllos que opinan que la música de Bird es inaccesible, escuchad esto.

jueves, 11 de abril de 2013

Denny Zeitlin


Denny Zeitlin (10 Abril 1938, Chicago, Illinois) es un pianista y compositor de jazz americano, además de profesor de psiquiatría en la Universidad de California, San Francisco. Ha grabado más de 3o álbums, incluyendo alrededor de 100 temas originales, siendo ganador del premio internacional Down Beat en los años 1965 y 1974. 


El prestigioso crítico de jazz Leonard Feather le nombró a principios de los años 60 "promesa joven más relevante".


 

miércoles, 10 de abril de 2013

Ray Bryant


Raphael Hommer "Ray" Bryant (Filadelfia, Pensilvania, 24 de diciembre de 1931 - 2 de junio de 2011) fue un pianista estadounidense de jazz.1 Es hermano delcontrabajista Tommy Bryant y tío de Robin Eubanks.

Debuta profesionalmente a los quince años de edad, con la big band de Mickey Collins, tocando después con Tiny Grimes y con una banda de dixieland. Asentado en el "Blue Note club" de su ciudad natal como pianista estable, toca con músicos como Dizzy Gillespie, Miles Davis, Charlie Parker, Sonny Stitt, Coleman Hawkins o Sonny Rollins, con quien se introduce en el mundo de las grabaciones en estudios de Nueva York, grabando su primer disco como líder en 1955. Trabaja con Max Roach en 1956, Carmen McRae en 1957, y Art Blakey y Joe Jones, en 1958. Al año siguiente, nuevamente con Gillespie y Roach, además de Charlie Shavers,Curtis Fuller o Melba Liston.

Llega incluso a obtener un pequeño éxito de ventas en 1960, con el tema "Little Susie", dentro del estilo conocido como funky jazz. La de los años 1960 es una década en la que actúa regularmente con su trío, además de trabajar con Sonny Rollins, y aparecer en numerosos Festivales, y de grabar varios discos para el sello Pablo, de Norman Granz.


martes, 9 de abril de 2013

Ken McIntyre


Makanda Ken McIntyre (n. Kenneth McIntyre Arthur, también conocido como Ken McIntyre) (7 de septiembre 1931 - 13   junio 2001) fue un músico de jazz y compositor estadounidense.

McIntyre nació en Boston, Massachusetts. Además de su principal instrumento, el saxofón alto, también tocaba la flauta, clarinete bajo, oboe, fagot, y muchos otros instrumentos de viento, así como contrabajo, batería y piano. Grabó trece álbumes, uno de los cuales fue editado tras su muerte. Compuso más de 400 temas  y escribió cerca de 200 arreglos, lo que refleja la cultura de sus raíces americanas caribeñas y africanas, entre ellas el blues, el jazz y calipso. Sus primer álbum titulado Stone Blues se editó en 1960, acompañado por músicos locales de Boston con los que había estado ensayando durante varios años.
A lo largo de su carrera, McIntyre tocó o grabó con: Nat Adderley, Jaki Byard, Ron Carter, Eric Dolphy, Charlie Haden, Daoud A. Haroon, Richard Harper, David Murray, Cecil Taylor y Reggie Workman, entre otros, y fue miembro del innovador grupo  Beaver Harris and the 360 Degree Ensemble.
Después de servir dos años en el Ejército de los EE.UU., McIntyre obtuvo una licenciatura en composición musical en el Conservatorio de Boston en 1958, con certificado en  flauta, y master en composición musical en el Conservatorio de Boston en 1959. También pasó a obtener doctorado (Ed.D.) en el diseño del plan de estudios de la Universidad de Massachusetts Amherst en 1975.
En 1971 fundó el primer programa africano de Música Americana en el país en la State University of New York College at Old Westbury, enseñando allí durante 24 años.  Asimismo dió clases en la Universidad de Wesleyan (donde grabó con Richard Harper y colaboró ​​con Daoud A. Haroon), Smith College, Central State University y la Escuela de The New Jazz y Música Contemporánea.
A principios de 1990 se cambió el nombre a Makanda Ken McIntyre. Mientras actuaba en Zimbabwe, un desconocido le entregó un pedazo de papel con la palabra "Makanda" escrito en él, la palabra significa ""many skins"" en el idioma ndebele y "many heads" en Shona .
McIntyre murió en la ciudad de Nueva York a la edad de 69 años.

lunes, 8 de abril de 2013

Eddie Lang

Eddie Lang (1902-1933), es sin duda el primer gran guitarrista del jazz. Su verdadero nombre era Salvatore Massaro de raíces italianas, pero nació y se crió en Philadelphia.

Junto al violinista clásico de swing, Joe Venuti, realizó en los años veinte numerosas y extraordinarias grabaciones. En 1924 debuta con la formación liderada por Red McKenzie, los "Mound City Blue Blowers", un músico capaz de hacer música soplando cualquier cosa. Posteriormente, Eddie Lang estuvo en varias orquestas de jazz, empezando por la de Jean Goldkette, pasando por la de los hermanos Dorsey y terminando por la de Paul Whiteman.

Eddie Lang, fue además el primer gran solista de la historia del jazz, y ejerció una tremenda influencia en el gran guitarrista belga, Django Reinhardt. Una de sus mejores sesiones fue junto al también guitarrista negro, Lonnie Johnson. En aquella época, el racismo impedía ver juntos a un músico blanco tocando con uno negro, por lo que Eddie tuvo que cambiarse el nombre y aparecer en la grabación de varios discos bajo el seudónimo de Blind Willie Dunn. El álbum, "Steppin' on the Blues" es un ejemplo extraordinario de esa colaboración.

Eddie Lang, murió prematuramente en un hospital durante el transcurso de una trágica operación de tonsilectomía (extirpación quirúrgica de las amígdalas). Su música dejó escuela en la vieja Europa de la mano del gran Django, quien siempre se confesó admirador suyo.

domingo, 7 de abril de 2013

Sonny Criss

En 1966 las cosas empezaron a tomar un cariz menos deprimente para el tímido saxofonista de Memphis: a raíz de una reseña aparecida en Down Beat, Don Schlitten de Prestige Records se puso en contacto con Criss y dio comienzo a una relación musical que cristalizaría en forma de siete discos para la casa. El primero de ellos fue This Is Criss!, grabado el 21 de Octubre de 1966 junto a Walter Davis (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Alan Dawson (batería). Se trata de una sesión equilibrada y vibrante que metió al saxofonista en el mundillo jazzístico que habitualmente le había dado la espalda. 


Por entonces Criss empezó a trabajar para tratar de alejar a jóvenes descarriados de las garras del alcoholismo y otras adicciones. Era inevitable que antes o después su camino confluyese con el de Horace Tapscott, un tipo que consagró buena parte de su energía a inculcar a los jóvenes de barrios marginales de Los Angeles unos tímidos rudimentos educativos, nociones básicas de supervivencia urbana y un conocimiento elemental de la cultura negra que les ayudase a valorarse como seres humanos en el seno de una sociedad empeñada en estigmatizarlos como bazofia negra. Y, mira tú por dónde, de aquel encuentro afortunado surgió la idea que terminaría germinando en la forma del disco más extraño de la carrera de Sonny Criss: Sonny’s Dream (Prestige, 1968).

Se trata de una grabación en noneto subtitulada The Birth Of The New Cool; la referencia al The Birth Of The Cool de Miles Davis no puede ser más explícita. Sin embargo las similitudes entre ambas grabaciones desaparecen en el título y la formación... no en vano habían transcurrido casi veinte años desde que se grabase aquella joya de Miles. Sonny’s Dream consta de seis excelentes composiciones y arreglos de Horace Tapscott (que, por cierto, no participó como pianista en la grabación), plenas de las estructuras modales tan de su gusto, magníficamente estructuradas. Criss adapta perfectamente su personal estilo, tan forjado en estructuras armónicamente tradicionales, a este contexto sonoro nuevo para él, hasta el punto de que asoma en él una nítida influencia coltraniana (etapa Atlantic, para entendernos) que va mucho más allá del obvio uso del saxo soprano en algunos temas: algo de sus obsesivas líneas se aparece en Sonny’s Dream, sin duda producto de la confrontación de Criss con los modos (esa influencia coltraniana se detecta también en otras grabaciones de Criss de la época, si bien de manera menos acusada). Este disco no solo es una estimulante rareza en la discografía de Sonny Criss; también, y sobre todo, es una magnífica y semiolvidada joya de la segunda mitad de los años sesenta, alejada del fragor experimental del avant-garde pero igualmente intrigante y valiosa.

Entre 1966 y 1969 Prestige editó siete grabaciones de Sonny Criss, dándole así una estabilidad discográfica de la que hasta entonces no había disfrutado. En sus propias palabras: “Durante muchos años no hubo perspectivas de futuro (…). Bien, ya no me siento de ese modo, ahora la situación es completamente diferente. Las perspectivas son mejores que nunca”. Además de This Is Criss! y Sonny’s Dream, Prestige editó Portrait Of Sonny Criss (1967), Up, Up And Away(1967), The Beat Goes On! (1968), Rockin’ In Rhythm (1968) y I’ll Catch The Sun (1968). Son todas ellas grabaciones más que notables, sesiones en que el saxofonista se enfrentó a repertorios con amplia presencia de éxitos del momento (Days Of Wine And Roses, On A Clear Day, Up, Up And Away, Sunny…) sin perder su identidad y facturando música no memorable pero sí francamente atractiva. No obstante, las pobres ventas llevaron a Criss a verse de nuevo sin discográfica a finales de la década. Ante esta dificultad, nuestro saxofonista ensayó una respuesta ya conocida: viajó a Europa para una larga temporada.

A su regreso en 1975 le esperaban un par de intensos y fructíferos años de grabaciones para varios sellos y el cáncer de estómago que nos lo arrebató. Este puñado de discos de madurez muestran a un Criss menos chispeante de lo habitual, más sobrio y penetrante, un orfebre de melodías capaz de combinar con naturalidad talento y experiencia. Su sonido ha ganado en profundidad expresiva, si bien parte de la despreocupada alegría de siempre se ha marchitado en favor de cierta agridulce rugosidad. Apetece escuchar a este Sonny Criss, él sigue poniendo al mal tiempo buena cara y despachando un jazz fundamentalmente alegre aunque teñido de cierta amargura bluesy. Saturday Morning(Xanadu, 1975) y Out Of Nowhere (Muse, 1975) se grabaron en cuarteto, con Barry Harris, Leroy Vinnegar y Lenny McBrowne el primero, con Dolo Coker, Larry Gales y Jimmie Smith el segundo, y Crisscraft (Muse, 1975) en quinteto con estos últimos más el guitarrista Ray Crawford. Resulta difícil resaltar alguno de ellos sobre el resto: los tres suenan de muerte y son conceptualmente bastante parejos, con temarios que combinan standards, temas de moda y alguna que otra rareza (en Crisscraft, por ejemplo, interpreta dos composiciones de su viejo colega Horace Tapscott). Personalmente no puedo dejar de preferir Saturday Morning, donde Barry Harris vuelve a dejar bien claro que por donde pasa no es posible un swing mojigato.

Pero aquel fructífero año no había terminado todavía para Sonny Criss: aún tuvo tiempo de grabar el primero de los dos discos que realizó para el sello Impulse!, Warm And Sonny (Impulse!, 1975). Tanto para éste, como para su hermano gemelo (The Joy Of Sax –Impulse!, 1977) Criss contó con una nutrida orquesta que no sirvió, sin embargo, para lograr que la música resultante remontase el vuelo: ambos resultan decididamente vahídos y poco atractivos.

Las cosas no parecían irle mal del todo a Criss, pues, cuando en noviembre de 1977 se arrebató la vida de un disparo. Propios y extraños se mostraron incrédulos al enterarse: no les cuadraba con el carácter del saxofonista, que se había enfrentado siempre con entereza a las numerosas zancadillas que le puso la vida, tan triste e irrevocalbe salida. A Sonny, cuando todo se torcía, siempre le quedaba París… pero no esta vez.

Pasaron años antes de que trascendieran los motivos del saxofonista para tomar tan dramático camino: un cáncer de estómago le estaba devorando por dentro, en medio de insoportables dolores, sin futuro posible, y la perspectiva de la cruel agonía que le esperaba le llevó a poner fin anticipadamente a su tormento.

Y así nos dejó un grande del saxo alto, uno de esos músicos que transmiten buenas vibraciones desde la primera nota. Como apuntaba al principio del recorte, Criss fue un fino estilista y temible improvisador; y también un músico de primera que dirigió una carrera discográfica de segunda. Y, ante todo, un hombre cuya música continúa trayendo placer al oyente 35 años después de desaparecer su artífice.



sábado, 6 de abril de 2013

Sylvia McNair



Sylvia McNair ( 23 de junio de 1956 en Mansfield, Ohio, Estados Unidos) es una soprano angloamericana ganadora de dos Premio Grammy, destacada en ópera, musicales y cabaret. Eximia en óperas de Mozart y oratorios de Bach y Handel y como recitalista1siendo una de las principales sopranos liricas de la década de 1990.

Sylvia McNair estudió violin y se enroló en el Wheaton College (Illinois) para perfeccionarse, allí fue impulsada a estudiar voz con Margarita Evans, dedicandose completamente a esta disciplina. Se graduó en la Universidad de Indiana y estudió con John Wustman, y Virginia Zeani.

Debutó en 1980 con la Orquesta Sinfónica de Indianápolis y en ópera en 1982 como Sandrina en la ópera de Haydn L'infedeltà delusa.

Se sucedieron notables actuaciones en la Ópera Estatal de Viena, Festival de Glyndebourne, Festival de Salzburgo, Covent Garden, Edinburgo, Paris, Lisboa, la Ópera de Santa Fe, la Ópera de San Francisco y el Metropolitan Opera.

Desde 1998, McNair cambió rumbo al dedicarse al musical de Broadway y al jazz.

En 2006 se unió a la cátedra de la Universidad de Indiana, donde enseña.

Os la dejo en un clásico de Jerome Kern acompañada al piano por André Previn

viernes, 5 de abril de 2013

The Greatest Jazz Films Ever


Aprovechando que es fin de semana y tenéis tiempo libre, he aquí una interesante recopilación. 

Título: The Greatest Jazz Films Ever
Sello: EFORFILMS
Año: 2005 (edición). 1944 - 1961 grabación. Programas televisivos


Incluye: 
The Sound Of Jazz (Complete Edition)
Músicos: Billie Holiday, Thelonious Monk, Count Basie, Jimmy Giuffre, Coleman Hawkins, Ben Webster, Jo Jones, Pee Wee Russell, Milt Hinton, Jimmy Rushing, Rex Stewart, Abdul Malik, Osie Johnson, Mal Waldron, Doc Cheatman, Vick Dickenson, Gerry Mulligan, Roy Eldridge, Jim Hall, Jim Atlas y otros
Temas: Open All Night / Blues, The Count Blues, Wild Man Blues, Rosetta, Dickie's Dream, Blue Monk, I Left My Baby, Fine And Mellow, The Train And The River, Blues My Naughty Sweetie Gives To Me

The Sound Of Miles Davis (Complete Edition)
Músicos: Miles Davis, John Coltrane, Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb.
Gil Evans Orchestra: Gil Evans, Ernie Royal, Clyde Reasinger, Johnny Coles, Julius Watkins, Danny Bank, Romeo Penque, Jimmy Cleveland y otros.
Temas: So What, The Duke, Blues For Pablo, New Rhumba
Grabado en New York el 2 de abril de 1951

Jazz From Studio 61
Músicos: Ahmad Jamal, Israel Crosby, Vernell Fournier, Buck Clayton, Vic Dickerson, Ben Webster, Hank Jones, George Duvivier, Jo Jones
Temas: Darn That Dream, Ahmad's Blues, Chelsea Bridge, Duke's Place
Grabado en 1961

Be Bop's Nest
Músicos: Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Dick Hyman, Sandy Block, Charlie Smith. Earl Wilson y Leonard Feather
Temas: Hot House
Grabado en New York el 24 de febrero de 1952

Jammin' The Blues
Músicos: Harry Edison, Lester Young, Illinois Jacquet, Barney Kessel, Red Callender, John Simmons, Sid Catlett, Jo Jones y otros. 
Temas: The Midnight Symphony, On The SUnny Side Of The Street, Jammin' The Blues
Grabado en Hollywood, en agosto-septiembre de 1944

Extras: 
Temas grabados pero no utilizados para Jammin' The Blues: Sweet Georgia Brown, If I Could Be With You One Hour Tonight, Blues for Marvin, Jammin The Blues (alt. take)

2 DVD, Doble cara (NTSC / PAL), Zona 0 (multizona).
Duración: 2 horas aproximadamente.


Comentario: Recopilatorio de apariciones televisivas, este doble dvd va un paso más allá de la simple colección de imágenes gracias a un tratamiento visual más que notable. El primero de ellos se inicia con Jammin' The Blues. Un corto, seleccionado en su momento para los premios de la Academia, con una estética que resulta totalmente actual, en el que se juega maravillosamente con las imágenes y el sonido. A pesar de su brevedad (apenas diez minutos) resulta lo más asombroso de esta obra.

La siguiente pieza nos muestra a Charlie Parker y Dizzy Gillespie en quinteto versioneando Hot House de Tadd Dameron. Previo a la música está la entrega del premio a ambos como músicos del año 1951 en sus respectivos instrumentos por la revista Downbeat: allí aparece Leonard Feather presentando la actuación. Sumamente breve es lo menos interesante de todos los contenidos en cuanto al aspecto puramente visual, que no musical o en importancia histórica.

Tras estas dos breves piezas, el primer dvd finaliza con The Sound Of Miles Davis. Es un lujo poder ver y escuchar al Miles Davis Quintet (con John Coltrane, Wynton Kelly, Paul Chambers y Jimmy Cobb) acompañado por Gil Evans y su orquesta. El resultado es un placer tanto para los oídos (no en vano Gil Evans y Miles Davis tuvieron una más que fructífera relación artística plasmada en unos cuantos discos imprescindibles) como para la vista. Miles Davis ejerce su papel de gran estrella, lo que no impide disfrutar de más de un solo de sus compañeros, especialmente por parte de John Coltrane. En esta pieza es notable la realización, ya que diferentes planos del plató/estudio nos permiten disfrutar no sólo de la música y los músicos, sino también de los músicos disfrutando de la música.

El segundo de los dvd's se abre como un cofre del tesoro en lo musical con la edición completa de The Sound Of Jazz. La nómina de músicos que desfilan por la pantalla es sencillamente memorable en su contenido y variedad: Thelonious Monk, Billie Holiday, Count Basie, Coleman Hawkins, Gerry Mulligan, Mal waldron, Ben Webster, Pee Wee Russell o Jim Hall son algunos de ellos. En distintas formaciones y combinaciones (Monk en trio, Jimmy Giuffre a trio o cuarteto, el All stars de Mal Waldron acompañando a Billie Holiday, Jimmy Rushing acompañado por los Count Basie All Stars...). El resultado es un encuentro musical impensable hoy en día (¿cómo reunir tal cantidad de estrellas con tal variedad estilística?), en el que hay nuevamente un especial cuidado con la realización (Jack Smight vuelve a ser el hombre al mando del programa, tal y como sucedía en The Sound Of Miles Davis) y en dónde el rostro de Billie Holiday es capaz de atraer toda la atención, no sólo con los planos para su memorable interpretación en Fine And Mellow (¡qué belleza la música con el blanco sobre el negro!), sino también en su papel como emocionada oyente.

Completan el contenido una participación del Ahmad Jamal Trio y del Ben Webster Sextet en Jazz From Studio 61. Si en The Sound Of Miles Davis teníamos la oportunidad de escuchar una composición del pianista, en esta ocasión podemos verlo en acción.

Con una calidad visual y sonora más que suficiente teniendo en cuenta las fechas en las que se recogieron estas imágenes, este doble dvd es un regalo para los oídos y para la vista. Sólos se puede objetar que el resultado final hubiese alcanzado unas cotas mayores de excelencia si cabe, si para las piezas más largas (The Sound Of Jazz y The Sound Of Miles Davis especialmente) se hubiese procedido a indexar su contenido a partir de los distintos temas para una navegación más cómoda por su contenido. De cualquier modo, unos documentos de visión casi obligada.

jueves, 4 de abril de 2013

Viktor Lazlo



Viktor Lazlo es el nombre artístico de Sonia Dronier (nacida el 7 de octubre de 1960 enLorient, Francia), una cantante franco-belga de ascendecia granadina y martiniqueña. Estudió en Bélgica, donde es más conocida. Su principal éxito fue la canción "Breathless" en 1987. Ese mismo año presentó el Festival de la Canción de Eurovisión 1987 celebrado en Bruselas.
Dronier tomó su nombre artístico del personaje del actor Paul Henreid, Victor Laszlo, en la película de 1942 Casablanca.
Os dejo una versión del "You've Changed" de Billie Holiday, extraído de un disco grabado con algunos de los temas más conocidos de Lady Day.

miércoles, 3 de abril de 2013

Lynne Arriale


Lynne Arriale (29 de Mayo 1957) es una pianista de jazz norteamericana. Nacida en Milwaukee (Wisconsin), se graduó en música clásica en el Conservatorio de Wisconsin. Su interés por Keith Jarrett y Herbie Hancock la condujo al jazz. Se dio a conocer en los 90 junto a su colaborador, el percusionista Steve Davis. Arriale alcanzó la fama al resultar ganadora del  International Great American Jazz Piano Competition and performed at the Jacksonville Jazz Festival de 1993. Lynne actualmente es perofesora de piano de jazz en la Universidad de North Florida en Jacksonville, Florida.
Os dejo un vídeo junto a su trío en una versión del ya clásico del jazz "Blackbird" de Lennlon/McCartney.

martes, 2 de abril de 2013

John Taylor


John Taylor nació en Manchester (25 de septiembre de 1942) y llamó la atención de la audiencia de jazz en 1969 cuando se asoció con  los saxofonistas Alan Skidmore y John Surman. Se unió más tarde con Surman en el grupo Morning Glory y en la década de los 80 al cuarteto de Miroslav Vitous.

A principios de 1970 fue acompañante de la cantante Cleo Laine y empezó a componer para su propio sexteto. John también ha trabajado con muchos artistas invitados en el club Ronnie Scott y más tarde se convirtió en miembro del quinteto de Ronnie.

En 1977 John formó el trío Azimuth, con Norma Winstone y Kenny Wheeler. El grupo fue descrito por Richard Williams como "... uno de los más grupos de cámara más equlibrados e imaginativamente concebidos del jazz contemporáneo". El trío realizó varias grabaciones para el sello ECM actuando en Europa, los EE.UU y Canadá.

Durante los 80 Taylor colaboró con grupos liderados por Jan Garbarek, Enrico Rava, Gil Evans, Lee Konitz y Charlie Mariano, así como dúos con Tony Coe y Steve Argüelles. Sus proyectos incluyen colaboraciones con el coro inglés Cantamus junto a  Lee Konitz y Steve Arguelles y piezas para la Orquesta de Radio de Hannover con Stan Sulzmann.

John es actualmente miembro del cuarteto de Kenny Wheeler, y realiza arreglos para dúo y cuarteto con John Surman - su grabación ‘Ambleside Days’ ha merecido los elogios de la crítica. 
Durante la década de los 90 también hizo varias grabaciones para ECM con el trío de Peter Erskine y Palle Danielsson al contrabajo.

En 2000 John realizó una nueva colaboración con Azimuth y el Cuarteto de Smith para el Festival de Weimer. También en ese año grabó "Verso" con Maria Pia De Vito y Ralph Towner.

John celebró su 60 cumpleaños años en 2002 con una gira musical Red Contemporánea en la que presentó su nuevo trío con el baterista Joey Baron y Marc Johnson al contrabajo. La gira también incluyó la Orquesta de Jazz Creative interpretando su obra 'The Green Man Suite'. En julio de 2002 recibió el Premio de Jazz de la BBC en la categoría "Mejor Obra Nueva" por esta suite.

Su grabación en formato de trío junto a Marc Johnson y Joey Baron fue lanzada a principios del 2003 y en septiembre del mismo año se produjo el lanzamiento de su CD en solitario en Sketch 'Insight' . En 2004 John grabó "¿A dónde vamos desde aquí? ' en dúo con Kenny Wheeler y 'Nightfall' con el bajista Charlie Haden. Posteriormente, actuó en el Festival de Jazz de Montreal. Ese mismo año John formó un nuevo trío con Palle Danielsson y Francia Martin. Actuaron en el Festival de Vancouver y 'Angel de la Presencia' grabado para Jazz CAM. Esta grabación fue lanzada en enero de 2006, coincidiendo con su gira por Reino Unido y ha recibido elogios de la crítica.

John ha ejercido de profesor de piano de jazz en la Escuela de Música de Colonia desde 1993 y se convirtió en profesor de jazz de la Universidad de York en 2005.