viernes, 30 de noviembre de 2012

Billy Taylor



William Edward Taylor Jr. (Greenville, 24 de julio de 1921Nueva York, 28 de diciembre de 20101 ), conocido como Billy Taylor, fue un pianista y compositor estadounidense de jazz, popular también por su labor divulgadora de esta música a través de sus intervenciones en distintos medios de comunicación, entre ellos el programa televisivo Sunday Morning de la CBS, en el que participó habitualmente desde 1981. Como músico, se mantuvo en los límites estilísticos del swing y el bop.

Escribió más de 300 composiciones, de muy diferentes formas y estilos, entre ellas «I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free», una sencilla tonada gospel escrita en colaboración con Dick Dallas y que se convertiría en un himno no oficial del movimiento por los derechos civiles durante los años sesenta; más compleja es, por ejemplo, «Suite for Jazz Piano and Orchestra», de 1973.
Aunque nacido en Greenville, creció en Washington; su padre, William, era dentista y su madre, Antoinette, profesora de secundaria.

Se graduó en música en el Virginia State College en 1942 y al año siguiente se trasladó a Nueva York, donde tocó, entre otros, con músicos como Ben Webster (con quien trabajó en el club Three Deuces de la Calle 52), Eddie South, Stuff Smith y Slam Stewart.

En 1951, se convirtió en el pianista principal de Birdland y a continuación formó el primero de los varios tríos en los que trabajó; con ese grupo tocó en clubs como el Copacabana de Nueva York y el London House de Chicago.

En 1958 se convirtió en director musical del programa televisivo de la NBC The Subject Is Jazz. Un años después, trabajó como disc jockey en la emisora de radio de Harlem WLIB. En 1962 pasó a la WNEW, pero regresó a la WLIB en 1964 para ser también su director musical, trabajos en los que se mantuvo hasta 1969. Más tarde, sería co-fundador de la Inner City Broadcasting, que compraría la WLIB en 1971.

Colaboró en la fundación de Jazzmobile en 1965, una asociación que, entre otras actividades en beneficio de los más necesitados, organizaba conciertos gratuitos en la calle en los que participaban músicos conocidos. En 1968 fue nombrado miembro del Consejo Cultural de Nueva York, junto con Leonard Bernstein, Richard Rodgers y otras importantes figuras del mundo artístico; participó más tarde en similares organismos a nivel estatal y federal, y llegó a ser asesor del Kennedy Center for the Performing Arts en Washington. En 1969 se convirtió en el primer director de orquesta negro de un programa de televisión (The David Frost Show, 1969-1972).

En 1975, consiguió un doctorado en educación musical por la Universidad de Massachusetts Amherst.

A finales de los años setenta, empezó a trabajar en la National Public Radio, donde estuvo durante más de dos décadas, primero como presentador de Jazz Alive y después, entre 1994 y 2002, en Billy Taylor’s Jazz at the Kennedy Center, serie de programas donde se presentaban actuaciones en directo y entrevistas con los músicos.

En 1980 formó parte de una comisión del National Endowment for the Arts para reclamar mayor apoyo para el jazz. Muchas de sus propuesta fueron aceptadas y el propio Taylor fue galardonado en 1988 con el «Premio Jazz Masters», dotado con $20.000. En 1992 recibió también la «Medalla Nacional de las Artes».

Impartió cursos sobre jazz en la Universidad de Long Island, en la Manhattan School of Music y en otras instituciones. Escribió, también, artículos para DownBeat, Saturday Review y otras publicaciones. Realizó, además, una extensa serie de conferencias-concierto en el Museo Metropolitano de Arte.

Fundó y fue director del programa de radio Jazz Alive.



jueves, 29 de noviembre de 2012

Neneh Cherry & The Thing

En 1992, una cantante de origen sueco se adelantaba a todo (y a todos) contratando a Geoff Barrow -justo tras fundar Portishead, pero antes de dejar a todo el mundo con la boca abierta con ‘Dummy’- para escribir y producir ‘Somedays’, una de las canciones de ‘Homebrew’. Más tarde, en 1996 colaboraría también en uno de sus temas con Tricky, en el disco que ha conseguido mantener su fama hasta el día de hoy, ‘Man’. Gracias a él, muy probablemente, incluso tu madre se acuerde de uno de sus singles, ‘Woman’, que lanzó a la Cherry a la fama mundial de una vez por todas.
Pero no es ningún secreto que Neneh ha tenido una carrera arriesgada e incluso adelantada a sus tiempos. Su primer disco, ‘Raw Like Sushi’, fue considerado, en 1989, un precedente del sonido trip-hop (Robert Del Naja y Andrew Vowles estaban por allí). Por eso es probable que ‘The Cherry Thing’ no sea, ni de lejos, lo que cualquier fan lleva esperando desde 1996. Pero si lo analizamos fríamente, hay canciones en este nuevo álbum, como ‘Golden Heart’, que encajan perfectamente con los derroteros que han seguido los mismos Massive Attack, sobre todo en los momentos puntuales en los que se han enfocado en los sonidos orientales.
Además de la evolución artística, hay otra razón fundamental que puede ayudar a entender a la perfección el cómo y el porqué de este viraje aquí y ahora. El padre de Neneh Cherry no es otro que Don Cherry, un conocidísimo trompetista de jazz. Y The Thing, la banda que se sienta a su lado en este disco, tiene tal admiración por él que ha llegado a grabar un disco con algunas de sus composiciones. Así que, ¿cómo iba a negarse Neneh Cherry, cuya voz aterciopelada encaja perfectamente con el tono jazzy del disco, a colaborar en un trabajo en el que se abordan versiones de Ornette Coleman, The Stooges, Suicide o Madvillain? Obviamente no podía.
Y es una suerte que no lo haya hecho, porque es una grabación fácil de disfrutar incluso para los no aficionados al jazz. Es fácil perderse en la voz de Neneh Cherry, que prácticamente susurra algunas canciones sin más; en la instrumentación de The Thing, que se emplea a fondo para crear atmósferas perfectas de improvisación al final de la mayoría de los temas (el último minuto de ‘Cashback’ o el de ‘Dirt’ son como para poner los pelos de punta a cualquiera) o de esa especie de experimento que es ver algo parecido a un rap en mitad de una canción de jazz (‘Accordion’). Aunque solo sea como rareza, un disco que merece la pena escuchar.


miércoles, 28 de noviembre de 2012

Don Cherry


Don Cherry (Oklahoma, 18 de noviembre de 1936 - Málaga, 19 de octubre de 1995) fue un trompetista estadounidense de jazz, uno de los principales representante de la vanguardia jazzística.
Tocó de joven en grupos de blues y rhythm and blues en su ciudad natal y posteriormente se trasladó a Los Ángeles. A través de Billy Higgins, Cherry conoció a Ornette Coleman en 1957, y bajo las órdenes de Paul Bley formaron un quinteto junto con Charlie Haden. Tras la marcha de Bley, gracias al contrato de Coleman con Atlantic Records grabaron entre 1959 y 1961 varios discos como grupo independiente.  
Cherry fue muy criticado (por Miles Davis, entre otros) por sus improvisaciones fracturadas y puntillistas, sin embargo, terminaría por ejercer gran influencia entre los músicos jóvenes de los años sesenta.  
El grupo se disolvió en 1962 y Cherry se unió al Sonny Rollins Quartet, con el que estuvo dos años. En 1963, codirigió con Archie Shepp el New York Contemporary Five; después, en Europa, dirigió su propia banda, en la que trabajó Gato Barbieri, recién llegado de Argentina.  
En la década de los 1970, Cherry fue a México y tocó con la banda de jazz Detrás del Cosmos por alrededor de un año por toda la república.  
En sus últimos años, Cherry se inclinó al estudio de las llamadas músicas del mundo y la etnomusicología en general, uniéndose musicalmente a Collin Walcott y Naná Vasconcelos con quienes formó la agrupación Codona. Tiempo más tarde se juntaría con Milton Nascimento. También probó suerte en el rock y el funk, y formó parte del grupo New and Old Dreams, cuarteto compuesto con antiguos integrantes de la banda de Coleman, entre los que estaba el saxofón Dewey Redman.

martes, 27 de noviembre de 2012

Juan Carlos Calderón RIP


El compositor, productor, intérprete y arreglista Juan Carlos Calderón falleció este domingo por la noche en una clínica de Madrid, según informaron fuentes familiares de la agencia EFE. Calderón nación en Santander en 1938, ciudad en la que con 8 años comenzó a estudiar música y aprender composición en el Conservatorio.
Cinco años más tarde empezó a interesarse por el jazz, y en 1960 formó su primer cuarteto de jazz con músicos aficionados de Cantabria.
Uno tuvo la suerte, siendo un chaval, de escuchar por primera vez jazz en directo de su piano en los míticos"La Riviera" y "Drink Club" santanderinos.
Su trayectoria musical posterior, de todos es bien conocida.
Gracias Juan Carlos, descansa en paz.

lunes, 26 de noviembre de 2012

Clifford Jordan

Clifford Jordan estudió piano en su infancia y el saxo tenor, el instrumento con el que se dedicaría profesionalmente al jazz desde 1945 con Walter Dyett, siendo condiscípulo de Johnny Griffin y John Gilmore. En la década de los cuarenta trabajó esporádicamente con Max Roach, Sonny Sttit y algunos grupos de Rhythm & Blues, y en 1957 entró en el quinteto de Horace Silver. Tras 10 meses de permanencia con Horace Silver se trasladó a California, pero volvió a New York para quedarse definitivamente en 1959. En la Gran Manzana formó su propio grupo, un cuarteto con Andrew Hill al piano como figura mas destacada.

En 1960, Max Roach lo llamó para formar parte de su grupo durante una gira por Europa y en 1964 formó parte del clásico sexteto de Charles Mingus con el que también tuvo la oportunidad de desplazarse a Europa. Prácticamente su actividad en los ultimos años de la década de los sesenta estuvo fijada en el viejo continente, y salvo alguna incursión en África y en los países asiáticos no salió de Europa. En 1968 fundó su propio sello discográfico: "Frontier Records" primero y luego: "Strata East". Su actividad como jazzman se desarrolló a lo largo de varios grupos liderados por el y hizo alguna incursión en el cine, como el papel que interpretó en la película: "Lady Day: a Musical Tragedy" donde hizo el papel de Lester Young.

Su discografía y los músicos con los que tocó es muy extensa y grabó fundamentalmente para los sellos: "Blue Note"; "Strata East" y "Steeple Chase". Quizás su mejor registro fuese el primero, grabado en 1957 para la Blue Note y titulado: "Blowing in From Chicago"


domingo, 25 de noviembre de 2012

Scott Joplin

Scott Joplin (1868-1917) fue uno de las figuras pioneras de la música afroamericana. Su música ha interesado a infinidad de compositores de diversos estilos y en la fuente de los "rags" han bebido estilos musicales tan distintos como el "Boogie Woogie" o el "stride". El ragtime es la muisca que cronológicamente y genealógicamente precedió al jazz y de hecho es una de las fuentes -no la única, ni la mas importante- del jazz.

De Scott Joplin se conoce que sus primeros pasos musicalmente hablando, fueron en la ciudad de St. Louis cuando alternaba el piano en algunos clubes y tugurios de carretera entre 1885 y 1893. Se traslada a la ciudad de Sedalia en Missouri, una localidad donde la esclavitud de la raza negra fue mas dura y allí en los campos de algodón escribe su primera y exitosa composición titulada "Maple Leaf Rag". Años mas tarde, una versión de ese rag por el rockero, John Stark, vendió mas de setenta y cinco mil copias lo que constituyó un enorme éxito de ventas en el mercado afroamericano.

La mayoría de sus obras, escritas para pianolas, han desaparecido, entre ellas la famosa ópera: "A Guest of Honor", pero las que se conservan detallan con rigor la tradición musical afroamericana. Scott Joplin, ingresó en un hospital a consecuencia de la depresión que sufrió por el fracaso artístico y económico que representó su opera "Treemonisha". Allí contrajo la sífilis y murió en 1917. Nunca supo la influencia que ejerció sobre la música del siglo XX. Una de sus obras mas conocidas y populares lo constituyó el Rag titulado: "The Entertainer" utilizado varias veces en el cine y que fue la banda sonora de la película dirigida en 1974 por el cineasta, George Roy Hill y titulada "The Sting" (El Golpe).


sábado, 24 de noviembre de 2012

Anna Maria Jopek

Licenciada en Filosofía por la Universidad de Varsovia, la cantante y pianista polaca, Anna Maria Jopek, es considerada como una de las mejores cantantes de jazz polacas del momento y una de las voces europeas más influyentes en este género. Educada en la Academia Chopin de Música de Varsovia y luego en el departamento de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan, llega a la fama gracias a su participación en el Festival de Eurovisión de 1977.

En sus producciones discográficas, Jopek experimenta con estilos diferentes, pero el jazz con su particular interpretación, hace que se convierta en una de las grandes intérpretes del género en Europa Oriental. La carrera de Jopek a nivel internacional comenzó con la edición de su primer disco editado fuera de Polonia titulado Barefoot (2002), una reedición del álbum Bossa del año 2000. En 2002 sale a la venta Upojenie, un disco realizado en colaboración con el guitarrista estadounidense de renombre internacional Pat Metheny. Mas tarde, en 2005 vino Secret su primer trabajo discográfico plenamente en inglés. Este álbum de influencia jazz-bossa, incluye canciones de sus anteriores discos traducidas al inglés y contiene temas reconocidos a nivel internacional. Su primer single es Don't Speak una composición de la banda californiana No Doubt. Con este disco, menos experimental y más pop que los anteriores, Jopek intenta darse a conocer plenamente en el mercado occidental. Gracias a esta producción, Anna Maria Jopek ha recibido invitaciones a participar en diversos festivales, principalmente en España. En 2007 edita su disco Id, con el que vendió, solo en Polonia, cerca de 50.000 copias.
 

viernes, 23 de noviembre de 2012

Philly Joe Jones



El baterista Philly Joe Jones empezó desde muy niño a estudiar música aprovechando las enseñanzas de su madre, pianista. Pronto se decidió a tocar la batería, el instrumento que le daría fama y gloria en el mundo del jazz debutando profesionalmente con grupos locales de Philadelphia. En 1940 aprovechó una estancia de Dexter Gordon y Fats Navarro en su ciudad para tocar con ellos y ambos le animaron a que fuera a New York, cosa que hizo a finales de 1940 encontrando trabajo rápidamente en la formación del saxofonista, Ben Webster.

Tras la etapa inicial con Webster, firmó un contrato con Lee Konitz y Zoot Sims para tocar en varios clubes de la ciudad hasta 1952. Ése año fue crucial en su carrera porque conoce a Miles Davis dando comienzo así a una de las colaboraciones mas importantes del jazz en los años cincuenta. Con el quinteto de Miles Davis estuvo Jones hasta 1958 y en esos seis años, John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Miles Davis y él mismo hicieron historia grabando juntos decenas de obras maestras del jazz modal. En 1960 tocó en el Birdland con Art Blakey, Charlie Persip y Elvin Jones dando fruto al disco: "Drum Night at Birdland". Tras una breve vuelta con Miles, se fue a la Costa Oeste durante un par de años actuando de manera incesante allá donde se le contrataba.

En 1957 viajó a Europa para participar en varios festivales de jazz importantes, entre ellos el de Berlín junto a Sarah Vaughan y Erroll Garner. Decidió estar una temporada en Europa estableciéndose en Londres aunque en ése periodo tuvo que dedicarse a la enseñanza ya que tenía prohibido tocar por el sindicato ingles de músicos. Viajó poco después a Paris donde formó, con el también baterista Kenny Clarke, una escuela de música con la que estuvo trabajando varios años. De vuelta en 1972 a su ciudad natal reunió un nuevo quinteto que se dedico al jazz rock y al que llamó "Grand Prix". Su lista de grabaciones es enorme y también lo es, el numero de músicos con los que ha tocado. A su nombre tiene grabados unos pocos de discos, siendo uno de los mejores el grabado en 1958 para Riverside y titulado "Blues for Drácula" en un sexteto formado por el cornetista, Nat Adderley, el trombonista, Julián Priester, Jimmy Garrison al bajo, Johnny Griffin al saxo tenor y él en la batería.

Philly Joe Jones está considerado uno de los mayores bateristas que ha tenido el jazz moderno, destacando muy especialmente en el uso de las escobillas, y poseía una técnica refinadísima. Los discos y grabaciones realizadas en el quinteto de Miles Davis representaron algo nuevo en el jazz moderno, no solo por lo conjuntado del grupo, sino fundamentalmente por las nuevas concepciones rítmicas que Philly Joe Jones aportaba.


jueves, 22 de noviembre de 2012

¿Que es el jazz?

“Odio los clubes de jazz donde la gente va a exhibirse y tienes que tocar lo que ellos entienden que es jazz. Por eso me gusta el Café Central. Aquí puedo ser espontáneo, lo que es el verdadero espíritu del jazz. Porque el jazz no es algo que puedas definir. Es una forma de mirar, de relacionarse... Si Miles Davis compra una hamburguesa, esa hamburguesa se convierte en jazz. No hay que olvidar que, en origen, la palabra jazz no era un sustantivo sino un verbo que significaba follar. Así que no vengas preguntándome qué es el jazz; échale valor y averígualo por ti mismo”.

“Quienes afirman que el jazz es una música negra, están muy equivocados. Desde el principio, la cultura popular americana es negra y judía, las dos cosas. La música que tocaba Charlie Parker viene del cancionero americano, que fue una invención judía. Irving Berlin, Jerome Kern y George Gershwin inventaron el negocio de la música popular cuando comenzaron a escribir canciones sobre la gente real, y eran judíos, y eso va hasta Leiber y Stoller, Bob Dylan, los Beastie Boys o Lenny Kravitz, que, por cierto, también es judío”.


Ben Sidran

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Etta Jones



Etta Jones (1928-2001) cantante muy prolífica y activa, tuvo la virtud de matizar en su canto, el arte de Billie Holiday, la influencia blusera de Dinah Washington, y la voz de Thelma Carpenter, lo que confirió a su voz de registro pequeño y agradable, una suave aspereza.

A los dieciséis años empezó su carrera profesional con la orquesta de rhythm and blues de Buddy Johnson y el pianista, Leonard Feather. Este ultimo, crítico además de jazz, le llamó para que grabara una serie de blues para el sello "Black & White" con un grupo liderado por el clarinetista Barney Bigard. Al igual que le pasó a otras cantantes famosas (Nancy Wilson, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, etc) ganó el concurso de cantantes en el Teatro Apollo de Harlem en 1945. En los dos años siguientes estuvo trabajando en el club "Onyx" de la Calle 52 en New York, con excelentes formaciones dirigidas por el pianista, Luther Henderson.

Entre 1949 y 1952, cantó con el sexteto de del pianista, Earl Hines y en 1960, tras algunos años desaparecida de los estudios, graba con "Prestige", el magnifico álbum titulado: "Don't Go To Strangers" con un quinteto en el que sobresalen, Frank Wes o Roy Haynes. Con "Prestige" está hasta 1963 y su paso por este sello deja para la gloria, sus colaboraciones con Oliver Nelson. En 1965, firma contrato con el sello, "Roulette" y se estrena con un disco mediocre con el guitarrista, Kenny Burrell. Su etapa en este sello no deja grandes obras, y en 1976 se enrola en el sello "Muse" donde en todos sus discos el director musical es su amigo, el saxofonista, Houston Person. Es destacable, el homenaje a Billie Holiday en su disco de 1987 titulado: "Fine and Mellow", y el disco dedicado a las composiciones de Buddy Johnson en 1998 para el sello "Hignote" y titulado: "My Buddy: Songs of Buddy Jonson".

Etta Jones, falleció el 16 de octubre de 2001, con setenta y tres años, y dejó un hueco indeleble en el canto vocal afroamericano.   


martes, 20 de noviembre de 2012

Al Jolson

Al Jolson (1886-1950) será recordado siempre como el protagonista de la primera película de la historia del cine completamente sonora. Fue en 1927, y el titulo: "The Jazz Singer" . Nacido en Lituania, su familia emigró a los Estados Unidos en 1893. Sus comienzos musicales fueron en 1898 en New York y a continuación se pasó toda la década de 1910 actuando en teatros y espectáculos de vaudeville. Su debut teatral en Broadway fue en el musical: "La Belle Paree", en 1911 en el Winter Garden Theatre.

Con una gran experiencia como músico y actor, Al Jolson, en 1926 participó en el cortometraje titulado: "Al Jolson in a Plantation Act", un film experimental producido por Hollywood en las vísperas del cine sonoro que se produciría el año siguiente, el 26 de octubre de 1927 cuando se estrenó en el cine la primera película completamente sonora del historia del cine titulada: "The Jazz Singer". Ese protagonismo estelar, le permitió en los años siguientes interpretar nuevas películas y ser el actor mas admirado de la primera época del cinematográfico. La compañía Columbia produjo en 1946 una película biográfica suya titulada: The Jolson History. Tres años más tarde, en 1949 protagonizaría su segunda película: Jolson Sings Again

Su fama se asentaba sobre el don de un incomparable magnetismo escénico, que explotaba hábilmente en sus películas lacrimosas, con su voz quebrada y sus gestos enfáticos. Para dar mas realce a sus papeles, solía pintarse la cara de negro.


lunes, 19 de noviembre de 2012

Bunk Johnson


Autor:William Gottlieb

El trompetista Bunk Johnson, pertenece a esa clase de músicos legendarios de la primitiva época de la música afroamericana, cuando aun no se había inventado el gramófono y los músicos tocaban en los acontecimientos sociales de la ciudad, en los garitos y prostibulos del barrio prohibido de New Orleáns, "Storyville". Se cuenta además que Bunk Johnson, conoció y tocó el legendario cornetista Budy Bolden, de quien se decía, - no hay ninguna grabación que lo demuestre - que nunca hubo un cornetista como él.

Desde 1894, Bunk Johnson formó parte de la orquesta de Adam Oliver, con la que estuvo hasta 1914. Antes había marchado a New York, Dallas y San Francisco en 1903 y cuando regreso a New Orleáns ingresó en la "Superior Band" y mas tarde en la "Eagle Band". Tuvo que interrumpir su actividad cuando perdió su trompeta y también su dentadura en una pelea callejera, pero lo cierto es que desde detrás venían empujando con fuerza dos cornetistas, también de New Orleáns, que poco a poco lo irían arrinconando: Joe King Oliver y Louis Armstrong.

No obstante, Bunk Johnson debe su popularidad a una epoca posterior, cuando formó la "New Orleáns Renaissance", en la primera mitad de los años cuarenta con la intención de hacer un revival de la música criolla de la New Orleáns de finales del siglo XIX. Bunk Johnson, técnicamente hablando era inferior a los grandes cornetistas de New Orleáns. Era claramente aventajado por King Oliver, Freddie Keppard y por supuesto, por Louis Armstrong. De hecho él admitió sin recelo esa inferioridad musical cuando decidió restringir sus actuaciones musicales en los teatros o en los clubes de Boston, New York o San Francisco. La puntilla le vino cuando tuvo que enfrentarse a los medios técnicos modernos que existían en los estudios de grabación y que al desconocerlos, empobrecía su ya precario discurso musical.

En 1945 actuó en el "Stuqvesant Casino" de New York con varias formaciones pero su declive, físico y artístico, estaban ya acechando. Falleció cuatro años mas tarde viendo como el jazz tenía por delante un futuro enorme con el advenimiento, esplendor y brillo de un paisano suyo: Louis Armstrong.     
      

domingo, 18 de noviembre de 2012

Eddie Jefferson

Eddie Jefferson (1915-1979) un ex-bailarín de claqué y cantante, tuvo la idea un día de 1952, de poner letra a la bella y extraordinaria improvisación que el saxofonista, James Moody, había realizado a la balada "I'm in The Mood For Love" con músicos suecos en 1949. Después de él vinieron muchos otros, incluso con gran éxito como fue el caso del cantante, King Pleasure, pero, Jefferson fue el primero. Y con el nació el estilo vocal conocido como "vocalese".

Eddie Jefferson, cantaba la letra recogiendo todas y cada una de las inflexiones del sólo de saxo de Moody yendo mas allá del scat, - el canto improvisado sin palabras - y por tanto creando las bases para una nueva canción. Al principio de su carrera, Jefferson, había introducido esporádicamente en sus espectáculos de clubes, breves versiones vocales de solos de Chu Berry y Lester Young. Ya antes, en 1939, hizo algo parecido con el tema de Coleman Hawkins, "Body and Soul". Y fue cuando Jefferson estaba trabajando en el "Cotton Club" de Cincinnati en 1950, cuando King Pleasure se presentó en el Teatro Apollo de Harlem y ganó su concurso para aficionados con el tema de Jefferson.

En 1953, Eddie Jefferson se asoció con el saxofonista, James Moody y su grupo durante una década donde tuvo la oportunidad de grabar varios discos para los sellos: Argo, Prestige y Riverside. Durante los años setenta, formo pareja con el también saxofonista, Richie Cole, grabando con él varios discos para el sello "Muse" antes de morir trágicamente asesinado a las puertas de un club de Detroit en donde trabajaba.


sábado, 17 de noviembre de 2012

Ev'ry time we say goodbye




"Every Time We Say Goodbye" es el título de un inolvidable clásico del jazz compuesto por Cole Porter. Como sobre gustos, afortunadamente no hay nada escrito, os dejo algunas de mis versiones favoritas:

 Oh, Everytime we say goodbye I die a little
Everytime we say goodbye I wonder why a little
Why the gods above me who must be in the know
Think so little of me
They allow you to go

And when you're near
There's such an air of spring about it
I can hear a lark somewhere begin to sing about it
There's no love song finer
But how strange the change from major to minor
Everytime we say goodbye

Everytime we say goodbye I die a little
Everytime we say goodbye I wonder why a little
Why the gods above me who must be in the know
Think so little of me
They allow you to go

When you're near
There's such an air of spring about it
I can hear a lark somewhere begin to sing about it
There's no love song finer
But how strange the change from major to minor
Everytime we say goodbye

Everyime we say goodbye
___________ 

Nota : El último vídeo está cortado antes de su final, no obstante creo que merece la pena.

viernes, 16 de noviembre de 2012

Bobby Jaspar

El multiinstrumentista belga, Bobby Jaspar (sabia tocar el saxo tenor, clarinete, flauta, saxo barítono y clarinete bajo) fue educado por su tía cuando su padre, un pintor de Lieja muy conocido falleció repentinamente. A ella le debió su afición por la música y su afición desde pequeño al jazz. Con el clarinete solía tocar dixieland en un grupo de adolescentes del barrio hasta que se unió a los grupos de Raoul Faisant y Pierre Robert que veían en el incipiente bebop el futuro del jazz. Así nacieron los "Bop Shost" que alcanzaron fama internacional actuando en Francia y Alemania llegando a tocar incluso con Peanust Holland y Don Byas.

En 1948 y tras licenciarse en Químicas, decidió dedicarse profesionalmente al jazz marchando a Paris en 1950. En la capital francesa encontró rápidamente trabajo sustituyendo a Hubert Fol en el grupo de Django Reinhardt. En la primavera de 1952 fue invitado a un club de Tahití junto a otros musicos franceses como Maurice Vender, Berdnard Hullin y Alain Motnet aunque obtuvieron un rotundo fracaso. Enamorados del clima y de la forma de vida del trópico, Bobby Jaspar permanecio en la Isla del Pacifico varios años dedicado a la manufacturacion de aceite de bacalao pero atacado de un brote de nostalgia cuando escuchaba a Stan Getz en una emisora de radio de San Francisco decidió regresar a Europa.

De vuelta a Paris, Bobby Jaspar reanudó su actividad musical tocando con Bernard Peifer y André Hodeir antes de formar su propio quinteto con el guitarrista Sacha Distel como figura destacada. Ya por entonces se había casado con la cantante de jazz norteamericana, Blossom Dearie quien constantemente le animaba a que visitara los Estados Unidos. Fue en abril de 1956 cuando decidió cruzar el charco y aunque los primeros meses fueron muy duros para el, logró encontrar trabajo en el quinteto del trombonista, Jay Jay Johnson. En aquel grupo se hizo famoso y la revista "Down Beat" le proclamó mejor saxofonista tenor de 1956 lo que le valió viajar de gira a Europa con el grupo de Jay Jay Johnson. De vuelta a New York, Bobby Jaspar en 1957 sustituyó a Sonny Rollins en la formación de Miles Davis durante algunas semanas y después en 1958 firmo por el quinteto de Donald Byrd.

Entre 1959 y 1961 estuvo trabajando en diversos clubes de New York, hasta que vuelve a Europa aunque ya muy mermado físicamente por las secuelas de la droga. A pesar de todo forma un nuevo quinteto con René Thomas, Benoit Quersin, Daniel Humair y Amedeo Tommaso que actuó, entre otros lugares, en el Ronnie Scott de Londres. Regresa a New York en 1962 buscando la droga que le faltaba en Europa y rápidamente tuvo que ser ingresado en el Hospital Bellevue a causa de una endocarditis. Necesitó ser operado a corazón abierto y no soportó la intervención quirúrgica falleciendo el 4 de marzo de aquel año.

Su discografía es numerosísima, así como la larga lista de los músicos con los que tocó siendo uno de los grandes músicos de jazz europeos de la primera mitad del siglo XX.



jueves, 15 de noviembre de 2012

Harry James

Procedente de una familia dedicada a la farándula, - su padre dirigía la orquesta de un circo - el trompetista y director de orquesta, Harry James, tuvo su primer contacto profesional con la banda de Ben Pollack en 1935 con quien graba por primera vez un disco en 1936. Ese mismo año se enrola en la orquesta de swing mas popular de la época, la del clarinetista, Benny Goodman con quien estuvo hasta 1939. La popularidad que obtuvo de su permanecía en la orquesta de Goodman, le permitió formar su propio grupo en la que contó con la presencia del vocalista, Frank Sinatra y de algunos solistas de renombre como los bateristas, Buddy Rich o Louie Bellson.

El repertorio de su orquesta no se ciñó solo al jazz y ello le permitió abrir su música a la llamada del cine participando en Hollywood en mas de veinte comedias musicales - es famosa su doblaje de trompeta a Kirk Douglas en la película de Michael Curtiz, titulada: "Young Man With a Horn" y fue en su época una de las orquesta blancas de jazz mas famosas junto a la de los Hermanos Dorsey o la del propio Benny Goodman.

Durante los años cincuenta y sesenta grabó infinidad de discos con innumerable artistas y músicos y la versatilidad de su orquesta le servía para tocar swing o para participar en los salones de baile de la época. Con el tiempo redujo la banda a un octeto, ganando en consistencia en los arreglos y en 1960 volvió a reorganizar su orquesta. Tras un breve periodo de retiro de los escenarios, Harry James, siguió cultivando con éxito su particular visión de la música de la era del swing. Falleció en 1983 en Las Vegas mientras dirigía su orquesta.

miércoles, 14 de noviembre de 2012

Illinois Jacquet


Con unos comienzos algo oscuros, el saxofonista tenor, Illinois Jacquet (Illinois, 1922) irrumpió con enorme fuerza en el mundo del jazz cuando en 1942 tocó con la banda del vibrafonista, Lionel Hampton, el tema: "Flyng Home". El extraordinario sólo de saxofón que logró fue tan espectacular que fue la primera vez en jazz, que un sólo, pasaría con el tiempo a formar parte de una arreglo musical, tanto cuando estaba en la banda de Hampton, como cuando actuaba de sideman para otros músicos, especialmente durante su colaboración con el organista, Milt Buckner.

Aunque nacido en Louisiana, Illinois Jacquet, es un ejemplo del típico saxofonista tejano, de timbre rico y aire marcadamente blusero. Su presencia en el escenario siempre estaba marcada por su carácter extrovertido y su actitud era la de un verdadero showman. Después de su estancia con Lionel Hampton, estuvo con la orquesta de Cab Calloway (1943-1944) y posteriormente con la de Count Basie (1944-1945) y también participó en el famoso "Firts Concert de la Jazz at the Philarmonic" en 1944 junto a los grandes del jazz de aquella época (Nat King Cole entre otros).

En los años cincuenta sus constantes giras y conciertos en el seno de la organización de Norman Granz (JATP) le convierten en un músico solicitadísimo y eso le da la posibilidad de aparecer en la película de 1944 "Jammin' the Blues", un cortometraje del director Gjon Mili sobre la vida de Lester Young. Durante los años setenta y ochenta su actividad se apaga dado el ostracismo que otras músicas someten al jazz y principalmente a los músicos que provenían del jazz clásico. A pesar de todo graba en esos años cerca de una decena de discos con los sellos: Black Lion, Black & Blue y Atlantic. A finales del siglo XX, firma un contrato con el sello "Propper" que le posibilita volver a los estudios de grabación. Illinois Jacquet, vive actualmente retirado de los escenarios.


For Francesca Paolucci


martes, 13 de noviembre de 2012

Mahalia Jackson

Considerada adecuadamente como la mejor interprete de gospel o de "spirituals" de todos los tiempos, Mahalia Jackson contribuyó decisivamente a la difusión, divulgación y conocimiento de la música ritual afroamericana permaneciendo fiel siempre a si misma y a su forma de cantar. La voz de Mahalia Jackson con sus dolientes inflexiones y con esa absoluta sencillez para recorrer toda la gama tonal represento un punto de referencia para el americano negro.

Mahalia Jackson había nacido en uno de los barrios mas pobres de New Orleáns, el "Water Street" en una chabola a dos pasos del río Mississippi. En su infancia los padres le enseñaron el camino de la Fé religiosa, un hecho que en la comunidad negra tiene una extrema importancia. Su capacidad para cantar música sacra, es desde el principio muy relevante y a menudo venían familias enteras para escuchar a la joven Mahalia. La cantante siempre se negó a sacar su canto de la esfera religiosa y rechazó siempre las invitaciones del pianista Earl Hines para pasarse a la música "profana". Solo hizo una excepción en su vida, cuando accedió a grabar con Duke Ellington, un hombre también muy religioso el disco en forma de suite: "Black Brown and Beige".

Cuando su familia, por razones económicas, tuvo que emigrar al ghetto negro de Chicago, el South Side se produjo un hecho que cambiaría la forma de plantearse su canto. Allí se encontró con la gran cantante de blues Bessie Smith cuya voz, poderosa y solemne, sería a partir de entonces una referencia en su carrera profesional. En Chicago, Mahalia se unió a Robert Johnson formando el grupo: "Johnson Gospel Singers" con el que empezó a recorrer América de cabo a rabo. En esas giras por toda la América profunda, Mahalia se encontró con Thomas Dorsey, celebre autor de cantos sacros y junto a él abrió las puertas del Carnegie Hall neoyorquino donde grabó por primera vez el celebre: "In the Upper Room" que los responsables del teatro y dado el enorme éxito, decidieron interpretarlo de manera anual en una serie de inolvidables conciertos.

Mahalia viajó a Europa y en Roma fue recibida por el Papa quien le animó a seguir en su línea de trabajo. De vuelta a los Estado Unidos, Mahalia Jackson conoció a Martin Luther King cuando en América se estaba gestando la lucha por el fin de la esclavitud y la segregación racial. Se unió a su causa y participó en la celebre marcha sobre Washington y en el boicot de Alabama. Cuando asesinaron a Martin Luther King también acabaron con la actividad de Mahalia Jackson que se retiró a su hogar rodeada de cariño por sus familiares mas cercanos.
 

lunes, 12 de noviembre de 2012

Chubby Jackson

Autor:William Gottlieb
Nacido en Long Island (New York) en 1918, el bajista Chubby Jackson, tocó durante los años cuarenta con la banda de Charlie Barnet (1941-1943) y Woody Herman (1943-1946) y posteriormente con el septeto de Charlie Ventura (1947).

Chubby Jackson, tocaba con un bajo de cinco cuerdas diseñado por el mismo, y tuvo la visión como cazatalentos de algunas discográficas, el haber introducido en la escena jazzistica de New York al pianista, Lennie Tristano. Volvió de nuevo con Woody Herman en 1948 y con el combo de Bill Harris en 1951. En los años cincuenta desapareció de los grandes acontecimientos jazzisticos y se limita tocar en pequeños combos, grupos de clubes y en algún que otro programa televisivo.

Su rastro se pierde por la Costa Oeste americana donde se sabe que tocó en Los Ángeles, San Francisco y San Diego. A finales de los años setenta, el vibrafonista, Lionel Hampton, lo llama para su grupo (1978-1979) y termina su actividad como sideman de varios músicos.


domingo, 11 de noviembre de 2012

Larry Coryell

Larry Coryell es uno de los maestros de la guitarra jazzera más reconocidos y respetados del mundo. Ha grabado más de 70 discos en 40 años, en una trayectoria intachable, que lo encumbra como uno de los pioneros del jazz fusión más importantes de la historia.
Considerado por una legión de admiradores de los “dioses de la guitarra”, como un instrumentista que sobresale en todos los estilos, ha sido bautizado por el New York Times como “el verdadero fundador del jazz-rock” y según la influyente revista Down Beat, como “el padrino de la fusión”.
Coryell fue el responsable de introducir la guitarra eléctrica en el sonido jazzero en la década 60, combinando el jazz de raíz be-bop, con influencias de diversa índole como el rock, el blues, la improvisación, la música docta e incluso, el country.  Un verdadero maestro del eclecticismo musical, armado de una técnica brillante, que se siente cómodo en cualquier estilo, yendo del desenfreno de la guitarra eléctrica distorsionada al sonido delicado, calmo, pero al mismo tiempo complejo, de la guitarra acústica.
Nacido en 1943 en Galveston, Texas, Coryell comenzó su carrera a mediados de la década 60, trabajando con músicos del peso de Gary Burton, Jack Bruce, Jimmy Webb, The 5th Dimension, Charles Mingus, Billy Cobham, Chick Corea, Sonny Rollins, John Abercrombie y John McLaughlin, entre otros. En 1974 formó su banda The 11th House, una de las más populares y exitosas formaciones de esa década, donde participó, por ejemplo, con el trompetista Randy Brecker.
A mediados de los 80, se unió en un tour acústico con Paco De Lucía y John Mclaughlin, que quedó registrado en el increíble video/dvd, “Meeting of the Spirits”. Además, ha estado relacionado con la música clásica, transcribiendo piezas de Stravinsky y Rimsy-Korsakov.
Las grabaciones de Larry Coryell y conciertos en vivo van desde los grandes y pequeños clubes, hasta grandes salas de conciertos de las más prestigiosas capitales mundiales.  Regularmente al la cabeza de la cartelera del Blue Note e Iridium en la ciudad de Nueva York, en Los Angeles, Catalina, Blues Alley en Washington DC y el Ronnie Scott's en Londres para Porgie y Bess en Viena.  Festivales de música en Medio Oriente, Europa, Brasil, incluso  llenando en sus presentaciones en el teatro Barbican de Londres.

viernes, 9 de noviembre de 2012

Gary Burton


El vibrafonista, Gary Burton, nació en Anderson (Indiana) y llegó a la escena del jazz a los diecisiete años en medio de una gran campaña de publicidad promovida por las compañías discográficas. Vendido como el sucesor de Milt Jackson, tuvo que esperar unos años a que su música se consolidara para que la critica y el publico se convenciera de que no estábamos ante un montaje publicitario.

Estudió música en el famoso y privilegiado "Berklee College of Music" de Boston y nuestro vibrafonista evolucionó hacia el jazz de la mano del pianista y compositor, George Shearing y posteriormente entre 1964 y 1966 con el saxofonista, Stan Getz. Ya incluso, antes de lanzarse a su carrera en solitario, su estilo era poco dado a seguir líneas ya exploradas por otros músicos. Su abandono de la formación de Stan Getz, le permitió crear un cuarteto que constituyó un primer intento de fusionar el jazz y el rock. Para ello contó con la colaboración del guitarrista, Larry Coryell, el contrabajista, Steve Swallow, mas el compositor y amigo personal de Burton, Mike Gibbs.

En los setenta, la carrera de Gary Burton, se volvió mas pausada aunque tuvo un notable éxito con otro cuarteto en el que la figura estelar era, Mike Goodrick. Grabó un par de magníficos conciertos a dúo con Chick Corea y con el guitarrista, Ralph Towner y en aquellos años, concretamente en 1971, grabó un excepcional disco con el pianista, Keith Jarret para el sello Atlantic, que constituyó lo que hasta ahora es su obra cumbre.     


jueves, 8 de noviembre de 2012

Bob Mover


Mover, Bob (Robert) (22 de Marzo, 1952, Boston, Massachusetts) es un saxofonista y vocalista de jazz.
Hijo de músico, Bob Mover se inició musicalmente en New York a los  16 años junto a Ira Sullivan; Durante cinco meses en 1973 tocó con Charles Mingus en el 5 Spot Café, famoso club de Nueva York. Aunque hasta fines fines de los años 70 su estilo era semejante al de Lee Konitz, con quien grabó en 1977, eventualmente crea su estilo individual. 
Fue sideman de Chet Baker para dedicarse a partir de 1976 a su propio grupo. Obtuvo gran experiencia en actuaciones semanales en Sweet Basil in Greenwich Village donde trabajó como sideman junto estrellas como Tom Harrell, Jimmy Garrison, Kenny Barron y Ben Riley. 
Residió durante 10 años en Toronto desde 1987 donde se estableció como una importante fuerza en la escena del jazz local, al mismo tiempo que mantuvo su asociación con el pianista Walter Davis Jr.

Es sin duda uno de los saxofonistas más injustamente olvidadados de la historia del jazz

Opiniones acerca de Bob Mover:

Bob Mover es uno de los más grandes músicos injustamente  considerados en la historia del Jazz.
Hank Jones

Bob es uno de los verdaderos heavyweigts de todos los tiempos en la historia musical.
Lee Konitz

Bobby y yo nos conocemos mucho. Bob es un maravilloso músico, uno de los grandes intérpretes de saxo alto que en los últimos años también se ha convertido en un intéprete del saxo tenor. 
Michael Brecker

Tomando Charlie Parker, Lee Konitz, y Sonny Rollins como ejemplos desde el principio, Mover es la suma de sus partes con una mente y un corazón propio.
Leonard Feather e Ira Gitler la Enciclopedia Biográfica de Jazz

¡La gente siempre se sorprende cuando se enteran de que toque!
Chet Baker entrevista - The Wire

Un primera clase del saxo alto.
Phil Woods entrevista - Diario Saxofón

El día que murió Dexter Gordon, Bob Mover estaba haciendo una grabación de jazz en vivo, cuando se produjo un apagón. Bob tenía que terminar de tocar a las 7:30 pm, pero él continuó toda la noche dedicada a Dexter sin luces. Lleno de gente, sudando por el calor, pero nadie salió hasta las 1:00 am. La música era genial!
de un artículo escrito sobre el piloto - famoso club de jazz de Toronto.

Un artista muy sensible y un verdadero icono del jazz 
Bob Comden LA Jazz de Prensa
 

miércoles, 7 de noviembre de 2012

Frank Morgan



Michael Connelly, autor de interesantes novelas del género noir, es también el creador de un personaje literario ciertamente singular, el detective Harry Bosch. Bosh trabaja para el Departamento de Homicidios de la Policía de Los Ángeles y es un gran aficionado al jazz, y más concretamente a los saxofonistas. No es raro encontrar en las novelas de Connelly referencias a músicos como Charlie Parker, John Coltrane, Art Pepper, o Bill Evans. Músicos excelsos y excesivos, complejos, desbordantes, y que anduvieron por el filo de la navaja (recomiendo la autobiografía de Art Pepper, Una vida ejemplar) mientras el cuerpo les aguantó. Nada nuevo. La novela negra, quizás no toda, y cierto ambiente canalla del jazz, son como almas gemelas y en manos de un buen escritor como el norteamericano la música puede sonar bien.
Pero la afición por el jazz de Connelly parece que dará pronto un nuevo paso, esta vez no literario sino cinematográfico. En El vuelo del ángel nuestro escritor hacía referencia a un saxofonista hoy medio olvidado, que al igual que los anteriores, consideraba que la vida de un buen músico de jazz debía ser todo menos tranquila. Frank Morgan, cuyo ídolo fue Charlie Parker, murió en 2007 y se pasó media vida en el trullo. Literalmente. En más de una ocasión coincidieron en San Quintín él y Art Pepper, y se cuenta que montaron memorables y auténticas jam sessionscarcelarias. Aquí hay material para un musical. El caso es que, como decía, Connelly parece estar preparando un documental sobre la vida de Morgan que podía estar listo para el próximo año. El título provisional es Sound of Redemption: The Frank Morgan Project

Trailer de la película

martes, 6 de noviembre de 2012

Slim Gaillard

Músico y artista polifacético, protagonista de excéntricas demostraciones de sus habilidades - bailaba claqué al tiempo que podía tocar la guitarra, o tocar el piano con la palma de las manos hacía arriba- Slim Gaillard, sobre todo destacó como cantante y compositor de canciones de disparatados textos, letras paródicas, y con un lenguaje repleto de argot y palabras absurdas que incluso le provocaron mas de un disgusto con la censura americana. Cantante de estilo variopinto donde había una mezcla de Boogie Woogie y el vocabulario conocido como "jive".

Slim Gaillard, es uno de esos tantos y tantos músicos olvidados por la historia y perteneció a ese selecto grupo de profetas del rhythm and blues - como Bab Gonzáles o Louis Jordan- que anticiparon la aparición de músicos como Screamin' Jay Hawkins. Su época dorada fue protagonizada en los primeros años de la década de los treinta cuando formo dúo con su hermano el contrabajista, Slam Stewart, en una formación humorística-musical que incluso recordaba al grupo de los Hermanos Marx. Cuando termina el servicio militar firma un contrato con el club de Billy Berg's, el Hollywood Boulevard club y a partir de 1945 empieza grabar con frecuencia junto a destacados instrumentistas del jazz como el pianista, Dodo Marmarosa o el baterista, Zutty Zingletton. Es notorio incluso el encuentro esporádico y casual entre la pareja del bebop, Parker-Gillespie y nuestro protagonista en una grabación al año siguiente.

En los años cincuenta Slim Gaillard, formó parte del circuito organizado por el promotor Norman Granz, que bajo el nombre de "Jazz at the Philarmonic", se ocupaba de difundir el jazz americano por todo el mundo. Eso le dio la oportunidad de llegar a Europa, en concreto al Reino Unido donde llegó por primera vez en 1958. Volvió de nuevo a Londres, ya para establecerse definitivamente en 1983. El cine también se cruzó en su vida y rodó un film de culto en 1986 titulado "Absolute Beginners" para la BBC y un especial trabajo titulado: "The World of Slim Gaillard" en 1989. En 1991, un cáncer acabó con su vida en la capital londinense.

lunes, 5 de noviembre de 2012

Whistler's Jug Band


Una de las innumerables jug bands afroamericanas, (bandas compuestas con instrumentos caseros) que florecieron en  el área de Louisville entre los años 20 y 30, fue la Whistler's Jug Band liderada por el guitarrista Buford Threlkeld ("Whistler").  
Fue la primera banda de éste tipo en efectuar alguna grabación (año 1924), dejando testimonio histórico. Incluían un repertorio de ragtime y jazz predecesor de grupos posteriores como el Memphis Jug Band (ver foto).
La Whistler's Jug Band fue la auténtica banda pionera y preservó su música en el film de Mayo de 1930 ("Foldin' Bed") grabado para Fox-Movietone.
Se puede escuchar al banjo Willie Black, siendo desconocidos los demás componentes.


domingo, 4 de noviembre de 2012

Rock and Roll

Alas Freed
A principios de los años 50 un pinchadiscos norteamericano de nombre Alan Freed empezó a promocionar el rhythm & blues a través de sus programas de radio consiguiendo un excelente nivel de audiencia tanto en los Estados Unidos como en Europa.  El fue consciente de que una gran parte de sus oyentes eran blancos, así que quiso quitar al Rhythm & Blues el estigma de negritud que representaba pertenecer a la clasificación de Discos de Raza y presentarlo en sociedad. La mejor idea que se le ocurrió fue cambiarle el nombre y llamarle Rock & Roll. Las palabras  rock and roll (mover y revolcarse) -y siempre con un sentido sexista- habían aparecido en títulos y letras de canciones de blues mucho antes de que Alan Freed acuñara el término.

Y se hace música al andar con swing - Luis Escalante



Albert James "Alan" Freed (15 de diciembre de 1921 - 20 de enero de 1965), también conocido como Moondog (en litigio con el músico callejero Louis T. Hardin), fue un disc-jockey estadounidense que pasó a ser reconocido internacionalmente por promocionar música rhythm & blues afroamericana en radios de los Estados Unidos y de Europa bajo el nombre de rock and roll. Su carrera fue destruida por el escándalopayola, que hundió la industria radiofónica a principio de los 60. Su nombre figura como coautor de muchas de las canciones que radiaba en su programa, algunas de las cuales se convirtieron en clásicos del doo wop, y no precisamente debido a su talento musical, sino a la exigencia por difusión como pago ilegal formando parte del escándalo payola. En 1965 murió de cirrosis.



En parte de su vida como disc-jockey de rock and roll está basada la película American Hot Wax (La Gran Ola Americana, en España) de 1978, donde se resalta su labor como difusor y promotor del rock and roll, obviando el escándalo que acabó con su carrera.

sábado, 3 de noviembre de 2012

B.B. King

No quiero ir a pescar todos los días mientras pueda tocar blues”. (B.B. King)



Riley B. King mejor conocido como B. B. King (por su antiguo apodo «The Beale Street Blues Boy »), nacido el 16 de septiembre de 1925 en Itta Bena, Mississippi, es un famoso guitarrista de blues, jazz blues y compositor.



Según la revista Rolling Stone, King es el guitarrista más grande en vida, y ocupa el tercer puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de los ya fallecidos Jimi Hendrix y Duane Allman).

Es conocido por llamar a sus guitarras Lucille, una tradición que inició en los 1950s, e incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida.

viernes, 2 de noviembre de 2012

Sonny Boy Williamson II



Aleck Ford (más tarde, Rice Miller), conocido como Sonny Boy Williamson II (Glendora, Misisipi, 5 de diciembre de 1897 (?) - Helena, Arkansas, 25 de mayo de 1965) fue un poeta, músico, cantante y cantautor estadounidense, que ha sido considerado como la última leyenda del blues. 
No debe ser confundido con John Lee Williamson, conocido como Sonny Boy Williamson I.
Aleck Ford nació en la plantación de Sara Jones cerca de Glendora en Tallahatchie County, Misisipi. Parece ser que su fecha de nacimiento es dudosa, pues aunque él afirmó haber nacido el 5 de diciembre de 1899, un investigador, David Evans, afirma haber encontrado pruebas en el censo de registro de que nació alrededor de 1912. Sin embargo, en la lápida de Miller aparece como fecha de su nacimiento el 11 de marzo de 1908.


Vivió y trabajó con el aparcero Jim Miller, su padrastro, de quien adoptó su apellido, y con su madre, Millie Ford, hasta principios del decenio de 1930. A partir de la década de 1930, viajó alrededor de Misisipi y Arkansas, trabajando con grandes artistas como Big Joe Williams, Elmore James y Robert Lockwood, Jr.. Durante este período también se asoció con Robert Johnson. Miller desarrollaría su estilo y personalidad durante estos años.
En 1941 Miller fue contratado para actuar en el espectáculo King Biscuit Time , la publicidad de una marca de galletas en la estación de radio en KFFA en Helena con Lockwood. Fue en este momento que el productor del programa de radio , Max Moore, comenzó a denominar a Miller como Sonny Boy Williamson, al parecer en un intento de capitalizar la fama del conocido cantante e intérprete de armónica en Chicago, John Lee Williamson, con el mismo nombre artístico.

Trabajó al lado de artistas de la categoría de Muddy Waters, The Band, Willie Dixon, Jimmy Rogers y Otis Spann.

A comienzo de los años 1960 permaneció algún tiempo en Inglaterra, donde grabó con numerosos grupos y artistas, como The Animals y Jimmy Page.