lunes, 30 de abril de 2012

The Cry of Jazz

"The Cry of Jazz" filmado en Chicago finalizando los años 50, es un personal ensayo del director y compositor Edward O. Bland's sobre las relaciones entre política, música y racismo, lo que el denominó "la muerte del jazz". Asimismo este documental recoge en un glorioso blanco y negro recuerdos de Chicago por parte del visionario pianista Sun Ra y del saxofonista tenor John Gilmore, asi como  del resto de la Arkestra de Ra en Clubs nocturnos de Chicago . El documental apenas fue expuesto en los cines comerciales.

Por cierto, según la UNESCO, hoy es el Día Internacional del Jazz. En Madrid algunos músicos de Jazz lo han celebrado así.


domingo, 29 de abril de 2012

Anthony Perkins

Anthony Perkins, inolvidable protagonista de la película Psicosis de Alfred Hitchcock, fue cantante de jazz antes que actor. llegó a grabar algunos discos y su carrera musical parecía ir bastante bien hasta que fue nominado al Óscar por La gran prueba, de William Wayler, hecho que le llevó a abandonar su dedicación al jazz.



Cómo aportación a la calidad musical os dejo ésto perteneciente a la película de Dennis Hopper "THE HOT SPOT", interpretado por John Lee Hooker, Miles Davis, Taj Mahal, Roy Rogers y el percusionista Earl Palmer, nada más y nada menos. 

sábado, 28 de abril de 2012

A Whiter Shade of Pale

Hoy os dejo tres versiones no demasiado conocidas del clásico de Procol Harum "A Whiter Shade of Pale", sin duda una de las canciones más hermosas y de mayor éxito de los años 60.

viernes, 27 de abril de 2012

Art Farmer

Nacido en Iowa, pero crecido en Phoenix (Arizona) una ciudad de rica tradición jazzistica, Art Farmer, junto a su hermano gemelo el contrabajista, Edison Farmer, pertenecían a una familia exquisitamente musical. De joven estudió el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales y trasladarse con dieciocho años en 1945 a Los Ángeles. En aquella época ya se había decantado por la trompeta y tocó con la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York. En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como la de Benny Carter, Wardell Gray o la del vibrafonista, Lionel Hampton. En 1953 cruzó el charco por primera vez con destino a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. Aquel mismo año regresó a New York donde estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles. Se integró en 1956 en el grupo del pianista, Horace Silver, y para entonces su estilo estaba ya suficiente pulido y maduro y su sonido era una marca inconfundible en la escena jazzistica de New York. En aquella época Farmer, alternó la trompeta con el Flugelhorn, tocando ambos instrumentos con el grupo de Gerry Mulligan, en 1958. En aquél año participó en el Festival de jazz de Newport, grabó su único disco con Mulligan, el espléndido álbum titulado "What Is There To Say" para Columbia en 1958 y dos bandas sonoras para las películas "I Want to Live" y "The Subterraneas". Aquel año grabó para Blue Note uno de sus discos emblemáticos de su discografía titulado "Modern Art". Sin duda alguna a Art Farmer se le reconoce credibilidad en el jazz por haber creado junto a Benny Golson, en 1960 el grupo "The Jazztet". Allí en su seno combinó muy acertadamente su talento para la dirección y la improvisación con las dotes de Golson para la composición y los arreglos. "The Jazztet", disfrutó mientras duró (1960-1962) un efímero éxito bordeando musicalmente las claves del soul-jazz que antes habían popularizado, Horace Silver o Cannonball Adderley entre otros. En 1960 grabó lo que es considerado el disco fundacional del grupo, titulado "Meet The Jazztet" un autentico manifiesto de intenciones que obtuvo un éxito enorme. Cuando en 1962 el grupo se disolvió, Art Farmer, formó un cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, que duró hasta 1964. Con la irresistible ascensión del rock en los Estados Unidos, Farmer se marchó a Europa donde alterno la dirección de sus propios grupos con su presencia como artista invitado de varias big bands, entre ellas la famosa Clarke-Boland Big Band. En los ultimo años de su vida alternó el fliscornio con la trompeta, retornó a los Estados Unidos donde intentó reconstruir "The Jazztet" y la muerte le sorprendió en 1999.

jueves, 26 de abril de 2012

China Moses



Nobleza obliga. A estas alturas no es secreto para nadie que China Moses es hija de una de las grandes de la historia del jazz, Dee Dee Bridgewater. Lo que tampoco debería ser un secreto –al menos para el que haya escuchado a Moses cantar– es que China tiene una fuerte personalidad. Su rango estilístico es amplísimo –ha colaborado con artistas de la talla de Me’shell Ndegeocello, Guru o Camille –, su extensa carrera discográfica (ha editado ya cinco discos pese a su juventud) y su voz, interpretación y capacidad de comunicación con el público la han situado ya en la lista de favoritas de muchos aficionados al jazz cantado.

miércoles, 25 de abril de 2012

Seven Steps To Heaven

La situación de la terraza ofrecía una vista del noreste que se extendía por la Universal City, Burbank y hasta las montañas de San Gabriel. Harry se comió sus dos hamburguesas, que sostuvo por encima de la bolsa abierta para que no gotearan en el suelo, y observó el agonizante sol que cambiaba el color de las laderas de las montañas. Escuchó "Seven Steps to Heaven" del álbum Dear Miles de Ron Carter, uno de los bajistas más importantes de las últimas cinco décadas. Había tocado con todo el mundo y, en ocasiones, Bosch se preguntaba por las historias que podría contar, por las sesiones en las que había participado y por los músicos a los que conocía. Tanto en sus propas grabaciones como en las de los demás, el trabajo de Carter siempre destacaba,  y en opinión de Harry eso era porque como bajista nunca podía ser un sideman, si no que siempre era el sostén, el que llevaba el ritmo, aunque fuera detrás de la trompeta de Miles Davis.
Michael Connelly - Nueve Dragones


martes, 24 de abril de 2012

Raul de Souza

Raul de Souza ( 23 de Agosto, 1934,  Rio de Janeiro, Brasil) es un conocido trombonista que ha colaborado con Sergio Mendes, Flora Purim, Airto Moreira, Milton Nascimento, Sonny Rollins, Cal Tjader y el grupo de jazz/fusión Caldera. A lo largo de su carrera ha actuado en multitud de festivales internacionales de jazz. Después de vivir y trabajar en Estados Unidos ha vuelto a Brasil y continúa su trayectoria artística tocando y componiendo.
Os dejo un vídeo versionando el tema "Lament" del gran trombonista J. J. Jhonson.


lunes, 23 de abril de 2012

Duke Jordan

El pianista y compositor, Duke Jordan, formó parte en su juventud de la orquesta de la "Brooklyn Automotive Hight" hasta 1939 que obtuvo el titulo oficial de pianista. Tras varios escarceos con músicos de segunda fila, una noche que actuaba en el "Three Deuces" en el trío de Teddy Waters tuvo la suerte de ser escuchado por Charlie Parker, quien admirado por el estilo y la forma de tocar de Duke, lo llamó el 28 de Octubre de 1947 para grabar unas sesiones en la Dial Records. Duke Jordan pasó así a participar con pleno derecho en esa eclosión musical que supuso la génesis del bebop al lado de los creadores de ese nuevo sonido. Temas como "Bird of Paradise" o "Embraceable You" han sido posibles también por la participación de Duke Jordan al piano. La colaboración con Charlie Parker duró unos inolvidables tres años, y aunque de manera intermitente, la Dial Records y la Savoy fueron testigos de esa maravillosa música. Nuevamente Parker y Jordan se cruzaron en 1952 cuando el 20 de septiembre ambos tocaron juntos en en el "Birdland" junto al contrabajista, Charles Mingus y Phil Brown. Entre medio de esas dos ocasiones, Jordan fue invitado por el productor Norman Granz para sumarse a su "Jazz at the Philarmonic" un elenco de artistas en gira permanente por medio mundo enseñando el jazz que se hacía en la América de mediados del siglo XX. Las grabaciones con Charlie Parker supusieron tal éxito que los contratos y los requerimientos para grabar discos, actuar en clubes, organizar jam session, prácticamente le llovía. Grabó en todos los contextos y en todos los formatos posibles: en trío, cuarteto, quinteto e incluso en octeto. Como era lógico, viajó a Europa en tres ocasiones, en 1956, en 1959 y en 1962. Durante la gira de 1959 se quedó en Paris una temporada para grabar la banda sonora de la película "Les Liaisons Dangereuse" colaborando así con Jacques Marray. Entre 1962 y 1973 la carrera profesional de Duke Jordan se interrumpió probablemente por el declive del jazz entre los jóvenes americanos y su apego al pop o al Rock and Roll. Durante esos años tuvo que trabajar como taxista para sobrevivir. Una compañía danesa le ofreció en 1972 volver a tocar en una gira por Holanda, Suecia, Noruega y Dinamarca lo que le permitió recuperar la actividad, -afortunadamente sus cualidades estaban intactas- y tocar al al lado de Dexter Gordon, Johnny Griffin o Barney Kessell. Muestra de ese arte fue la posibilidad que le ofreció la compañía "Steeple Chase" de grabar sus discos mediante una serie de de giras por toda Europa. Recuperado para el jazz, volvió a New York donde trabajó en la orquesta del trompetista, Clark Terry donde además tuvo la oportunidad de crear y tocar varias composiciones propias destacando por su calidad: "Jordu". Su discografía como líder es extensísima y también son innumerables los músicos que han compartido escenario o grabación con Duke Jordan. Entre los álbumes de culto de Jordan, están: "Flight to Jordan" en 1960 para la Blue Note; "Flight to Japan" en 1976 para "Steeple Chase" y el grabado en directo desde el Tivoli en Copenhague en 1978 "Tivoli One" Steeple Chase. Duke Jordan tuvo el mérito enorme de buscar, y encontrar, un lenguaje propio al piano en una época en que todos los pianista querían imitar a Bud Powell. Músico original, creativo, siempre dándole la importancia precisa a la melodía y tratando en cada solo de ser distinto e inventar una historia distinta.

domingo, 22 de abril de 2012

Andreas Prittwitz

Hijo de un agregado cultural, la infancia de Andreas fue un incesante ir y venir entre países: “No tenía amigos ni apenas contacto con el exterior, lo único que hacía era tocar música. Tocaba y estudiaba sin parar”. En 1978, su padre fue destinado al Instituto Goethe en Madrid. “Me encontré un país diferente en el que nadie hablaba inglés”. Para entonces, Andreas contaba ya con un importante bagaje musical como concertista clásico: “Estuve un par de años tocando por los bares de Madrid cuando conocí a la gente de Suburbano; y resultó que Suburbano acompañaban a Aute, y un día vino Miguel Ríos a vernos y me fui con él, y ya todo vino rodado. Madrid era estupendo, me relacionaba con todo el mundo, estaba tocando con la gente que partía el bacalao… ¿para qué iba a irme?”. 
Miguel Ríos, Sabina, Víctor Manuel y Ana Belén… la carrera de Andreas acompañando a las estrellas era un continuo crescendo. Hasta que un día dijo basta: “Después de veintitantos años tocando para otros y un divorcio, sentí la necesidad de empezar una nueva vida más mía. Así nació el proyecto Looking back, con el que uno mis dos pasiones, la música antigua y el jazz. Javier Krahe es el único cantautor con el que sigo tocando. Lo nuestro fue un amor a primera vista”.
Padre de dos madrileños de 16 y 18 años, Andreas compagina su carrera musical con la de actor, en series como Tiempo entre costuras: “Siempre me llaman para hacer de turista o de nazi”.

Chema García Martínez 
EL PAÏS

sábado, 21 de abril de 2012

Beegie Adair

Beegie Adair (Barren County, Kentucky  1937) es una pianista de jazz en toda la extensión de la palabra. Estudió piano en la Western Kentucky University después de haber comenzado a tocar a los cinco años. Se trasladó a , Tennessee al graduar se en el  Peabody College . Más tarde formó el Beegie Adair Trio.


viernes, 20 de abril de 2012

Blue Note Plays Beatles


He aqui una versión de Lee Morgan del archiconocido "Yesterday" y otra de Stanley Turrentine del no menos conocido "Can't Buy My Love" ambas compuestas por  Lennon/McCartney.



jueves, 19 de abril de 2012

Enrico Pieranunzi

Nacido en Roma en 1949, Enrico Pieranunzi ha sido durante mucho tiempo uno de los más conocidos y apreciados personajes en la escena del jazz europeo. Pianista, compositor, y arreglista, ha grabado más de sesenta CDs bajo su propio nombre, que van desde el piano solo a trío, dúo y a quinteto. Ha tocado en concierto y en el estudio con Chet Baker, Lee Konitz, Marc Johnson, Joey Baron, Paul Motian, y Charlie Haden, actuando en los más importantes festivales internacionales, desde Montreal a Copenhague, desde Berlín a Madrid. En 2004 realiza una gira por Japón con  su trío americano, entre ellos el bajista Marc Johnson y el baterista Joey Baron. En 2006 realiza en una gira por USA, actuaciones  en el  "Birdland", de Nueva York, con Marc Johnson y Paul Motian, y un recital en el San Francisco Jazz Festival. La formación de Pieranunzi abarca tanto la música clásica como el  jazz, siendo evidente la influencia de Debussy  por el exuberante romanticismo de su música. Emergido en los primeros años 70, el enfoque lírico de Pieranunzi  le llevó rápidamente a la vanguardia de la escena europea, y en 1984 formó un trío con Marc Johnson y Joey Baron, el primero de varios grupos outstandig con músicos de América. En 1989 y 2003 fue votado Músico del Año por la crítica del Jazz  y en 1997, recibió el Django d'Or (Premio Europeo al mejor músico de jazz).  Además de grabar muchos discos, ha escrito más de 200 composiciones entre ellas "Night Bird", grabado en varias ocasiones por Chet Baker e interpretado por muchos otros. Muchas de sus composiciones se han convertido en verdaderaos standards internacionales, tres de los cuales - dos en 1991 y uno en 2001 - se han incluido en el prestigioso "New Real Books", publicado en los Estados Unidos de "Sher Music". El famoso escritor / crítico Nat Hentoff escribió: "(Pieranunzi) es un pianista de lírica luminosa, con un flujo constante de ideas. Él se basa en modelos que tienen una poderosa lógica interna. (...) Pieranunzi puede tocar con swing pero es fiel a su lírica libre. Su música canta. "Ray Spencer de" Jazz Journal "ha escrito que" Enrico Pieranunzi aporta nueva vida al jazz contemporáneo ". 


miércoles, 18 de abril de 2012

Charles Mingus, el hombre que no se consideraba lo suficientemente blanco, ni lo suficientemente negro

Resulta materialmente imposible encajar la figura de Charles Mingus en escuela o corriente estilística alguna. Su propia autobiografía comenzaba con una lapidaria frase: "... yo soy tres". Charles Mingus, nació el 22 de abril de 1922 en Nogales, Arizona, muy cerca de la frontera con México. Sus abuelos maternos poseían nacionalidades chinas y británicas mientras que los paternos eran de origen sueco y afroamericano respectivamente. Criado en un entorno familiar muy severo y racista, sus primeros contactos con la música se produjeron en la Iglesia de Holiness Church, un suburbio negro de Los Ángeles adonde su familia se había trasladado. Con un magnifico oído, escogió el trombón como primer instrumento en su carrera, pero la afortunada -para el jazz- incompetencia de su profesor, hizo que desviara la atención hacia el chelo. Un amigo suyo, conocedor de las ideas antirracistas de Mingus, le advirtió que estaba ensayando con un instrumento mas propio de blancos que de negros. Mingus se entregó a partir de ahí al estudio del contrabajo. Escuchando a Duke Ellington, descubrió que había otra música mas allá de los muros de la iglesia y tomó lecciones de Red Callender, un magnifico contrabajista de la era del swing. En 1940, obtuvo su primer trabajo serio con el batería de jazz, Lee Young, hermano de Lester y consiguió algunas actuaciones con Barney Bigard y Louis Armstrong en 1942. Conoció al vibrafonista, Red Norvo y ello le dio alas para dirigirse a New York, en una época en que la Gran Manzana era un hervidero musical de nuevas ideas. Allí conoció los círculos musicales del bebop y Charlie Parker, cuando lo escuchó por primera vez, lo animó a perseverar en su música. En 1952, fundo su propio sello discográfico "Debut", y su primera grabación fue el excepcional concierto de 1953 en Toronto en el Massey Hall, considerado como el canto del cisne del bebop. A partir de ahí, comenzó su periplo musical como líder y grabó en 1956 para el sello Atlantic, su primera obra maestra: "Pithecanthropus Erectus" dando comienzo a una carrera musical impresionante jalonada con discos, grabaciones en directo y conciertos absolutamente magistrales. Entre finales de los cincuenta y principios de los sesenta, Mingus grabó el cuerpo de su obra discográfica mas importante y entre ellas hay sin duda, varias obras maestras repartidas entre distintas casas discográficas: "The Clown" (Atlantic, 1957); "New Tijuana Moods" (RCA, 1957); "Mingus Ah Um" (Columbia, 1959); "Blues & Roots" (Rhino, 1959); "Mingus at Antibes" (Atlantic, 1960); "Charles Mingus Present Charlie Mingus" (Candid, 1960) o el considerado por muchos críticos, su obra maestra absoluta "The Black Saint and the Sinner Lady" (Impulse, 1963) y entre esos discos, pequeñas joyas que se han convertido con el transcurrir del tiempo en grandes estándares del jazz como "Goodbye Pork Pie Hat" un hermosísimo homenaje a Lester Young, o "Better Git It In Your Soul". Charles Mingus, fue sin duda, un genio de la música y del jazz moderno. Su aportación al desarrollo del jazz fue extraordinaria y es considerado uno de los grandes compositores del siglo XX.

Os dejo el tema "Goodbye Pork Pie Hat" compuesto homenajeando a Lester Young y un magnífico documental de 1968 dirigido por Thomas Reichman.


martes, 17 de abril de 2012

Giovanni Mirabassi

Giovanni Mirabassi es un pianista de jazz nacido en Perugia Italia, y afincado en París. Autodidacta, aprendió a tocar el piano escuchando a Bud Powell, Art Tatum y Oscar Peterson. Está notablemente influenciado por el pianista italiano Enrico Pierannunzi. En el año 1992 a los 17 años de edad, después de haber tocado con Chet Baker (1986)  y Steve Grossman (1987), se trasladó definitivamente a París.
Escuchemos éstas versiones del "Pueblo unido jamás será vencido" de Sergio Ortega y del popular "Paso del Ebro".


lunes, 16 de abril de 2012

Paris y el Jazz

Desde principios del siglo XX, París ha sido una verdadera tierra de acogida para aquéllos músicos de jazz huidos de las desigualdades racistas imperantes en Estado Unidos en distintas épocas, jazzmen como Sidney Bechet, Miles Davis, Charlie Parker y tantos otros, que durante su estancia dejaron una semilla que hace de Paris la capital internacional del jazz.
Como homenaje este vídeo de Richard Galliano y el Wynton Marsalis Quintet del clásico "La Vie en Rose".


domingo, 15 de abril de 2012

Bobo Stenson

Bo Gustav Stenson (más conocido como Bobo Stenson, nacido en 1944) es un pianista de jazz sueco. Stenson se dió a conocer en 1963 cuando abandonó Västeras y comenzó a tocar con frecuencia en Estocolmo acompañando a músicos americanos de gira tales como Sonny Rollins, Stan Getz y Gary Burton. 
Asmismo trabajó intensamente con el trompetista al principio de su residencia en Escandinavia. 
Los años 70 fueron un periodo intensivo para Bobo Stenson, tocando en multitud de grupos y actuando de contínuo en la banda Rama Rama con Palle Danielsson, además de un trio muy popular formado por él mismo, Arild Andersen y Jon Cristensen, además de sus tabajos posteriores con Jan Garbarek. En 1988 se unió al Charles Lloyd Quartet y desde 1996 aparece en los festivales de jazz son el sexteto/septeto de Tomasz Stanko. 
Os dejo este vídeo con una magnífica versión del tema "Óleo de una mujer con sombrero" compuesto por Silvio Rodríguez. 

sábado, 14 de abril de 2012

Charles Lloyd

Nacido en Memphis en 1938, Charles Lloyd descubrió el saxofón a una edad temprana. Pronto se convirtió en una figura de la joven escena de clubes de la West Coast y tocó junto a sus colegas Ornette Coleman, Eric Dolphy, Scott LaFaro, y Charlie Haden. En 1966, formó el Charles Lloyd Quartet original que sirvió de presentación de talentos como el pianista Keith Jarrett y el batería Jack DeJohnette. Ha actuado en todos los festivales de jazz del mundo como: Montreux, North Sea, Montreal, Toronto, Paris, Viena, Londres, San Sebastián, etc. Saxofonista, flautista y compositor, Charles Lloyd alcanzó la cumbre en los años sesenta, rompiendo con su cuarteto las barreras entre los seguidores del jazz moderno y el floreciente rock hippy. Sus 40 años de carrera y una discografía que incluye 35 álbumes bajo su autoría y otras tantas colaboraciones (Chico Hamilton o The Beach Boys incluidos) le han permitido adquirir un prestigio enorme y ser una de las referencias imprescindibles cuando se habla del jazz moderno. Charles Lloyd fue el primer músico de jazz que hizo una gira por la Unión Soviética y el primero también en vender un millón de copias del género con Florest Flower, grabado en directo durante el Festival de Monterrey de 1966, con un joven Keith Jarrett al piano. Después llegó una retirada parcial y no regresó a los escenarios hasta finales de los 80. Su firma con el sello ECM amplía desde entonces su obra, con trabajos calificados de exquisita espiritualidad, delicadeza y un sonido, lo menos, inimitable. En 2002 grabó dos discos enormes: "Which Way Is East" y antes "Lift Every Voice". Reverenciado por igual por músicos de tan distinta filiación como Keith Jarrett, Joe Lovano y David S. Ware, Charles Lloyd posee un sonido reconocible a la primera escucha: quebradizo y encantatorio, delgado y flotante como una brisa. 

El día 12 de Abril, Marian nos dejó en una gran entrada de su magnífico blog, un vídeo de ésta extraordinaria versión del mítico tema "Rabo de Nube" de Silvio Rodríguez, que no tengo remordimiento alguno en copiar descaradamente y con total impunidad, espero.



viernes, 13 de abril de 2012

Come Sunday una obra de arte

Porque lo que es hermoso de por sí para qué tocarlo, Charlie Haden (contrabajo) y Hank Jones (piano) se dan el gusto de interpretar los viejos himnos espirituales –Down by the riverside, Going home- y los que no lo son, pero se le parecen -Come Sunday, de Duke Ellington- tal cual fueron concebidos, sin añadirles apenas nada que no venga contenido en el original. Un toque aquí, un solo allá. Les basta y les sobra con ser quienes son: dos de los mejores y más particulares instrumentistas que ha producido el jazz en su historia, más allá de la diferencia de edad entre ambos. 
Que si no hay nadie que toque el bajo con la facundia y el gusto exquisito de Charlie Haden, tampoco existe pianista que pueda aproximarse, ni de lejos, a Hank Jones, maestro intemporal del instrumento que, aquí, ofrece la que, quizá, sea su última intervención en disco (falleció apenas 3 meses después de la grabación). La grandeza de ésta música reside, precisamente, en su aparente sencillez. Una belleza. 
  
10 ABR 2012 - 12:02 CET EL PAÏS

¿Quién soy yo para no estar de acuerdo?


jueves, 12 de abril de 2012

Lee Wiley

La cantante blanca, Lee Wiley, saltó a la fama cuando en 1931, cantó en New York, en el "Central Park Casino", con la orquesta de Leo Reisman, con la que además grabó sus primeros discos para el sello Víctor. Después trabajó con el tambien líder de bigband, Paul Whiteman, con Williard Robinson y en el seno de la "Casa Loma Young", de Víctor Young. Fue precisamente la colaboración con este último músico, lo que revalorizó su cotización como cantante de voz suave, aterciopelada y tambien como compositora. Entre sus canciones mas destacadas, están: "Got in the South in my Soul", "Anytime, Anyday, Anywhere" y "Eerie Moan". En 1933 empezó a grabar a su propio nombre apoyándose primero en la "Dorsey Brothers Orchestra" y de solistas como, Bunny Berigan, Glen Miller, los hermanos Dorsey, Joe Venuti y finalmente de la formación que le dio la fama, la orquesta de Víctor Young. En 1939, tocó y grabó algunos discos con la orquestas de Max Kaminsky y Joe Bushkin, y al año siguiente con un trío formado por Muggsy Spanier y Jess Stacy, con quien contraería matrimonio en 1943. A finales de los años cuarenta, y principios de los cincuenta, trabajó con varias orquestas dirigidas por el guitarrista, Eddie Condon, con la bigband de Stacy, y tambien la de Billy Butterfield entre otros. Lee Wiley, fue la primera vocalista que grabó las composiciones de los músicos de la era dorada de Broadway, poco permisivos a las versiones jazzisticas de sus obras, ante el temor de que un exceso interpretativo diera al traste con algunos aspectos del texto o de la música. Admirada al mismo tiempo en los círculos del jazz blanco, y en los cabarets y cenáculos de la alta sociedad neoyorquina; favorita de los hermanos Gershwin, y piropeada por el mismísimo Cole Porter por el disco que le dedicó a su música, el disco mas famoso de la carrera de Lee Wiley, lleva el apropiado titulo de "Night in Manhattan", y data de 1950. Fue su primer trabajo para un sello importante como Columbia.

miércoles, 11 de abril de 2012

O Amor En Paz

Cuando Shirley Horn canta, es capaz de cambiar nuestra manera de escuchar una canción. Es una de las últimas grandes damas del jazz vocal de siempre, el imperecedero, que sabe crear de una forma magistral y sutil una sensación de intimidad con el público. Ha sido reconocida en muchos ámbitos como la mejor cantante-pianista desde Nat King Cole, demostrando en todo momento una gran capacidad para combinar melodías y letras y para sacar todo el jugo a los standards inmortales. Os dejo esta relajada versión del clásico de Carlos Antonio Jobim "O Amor En Paz/Once I Loved" acompañada, entre otros, de Ron Carter y Herbie Hancock. 


martes, 10 de abril de 2012

Eldar Djangirov

Eldar Djangirov nace en Kirguizistán en 1987.
De familia apasionada por la música, comienza a formarse en su país para, con apenas 14 años, trasladarse a los Estados Unidos y allí comenzar su aprendizaje y pulir su técnica pianística. Ganará varios premios en USA lo que le supone llamar la atención de la modesta productora D&D, con quien realizará dos álbumes: Eldar de 2002 y Handprints en 2003. Los directivos de Sonny andaban a la caza del joven Eldar, hecho que se rubricará en 2004 firmando un contrato para la multinacional japonesa. Fruto de esta relación contractual se reeditará Eldar en 2005, un concierto de Djangirov en el Blue Note en 2006.
Os dejo una versión del clásico "Bésame mucho".


lunes, 9 de abril de 2012

Roxanne


"Roxanne", es una canción del grupo de rock británico The Police, lanzado como sencillo primeramente en 1978, relanzado al año siguiente aprovechando la creciente fama de la banda. Fue el segundo sencillo oficial de la banda, y posiblemente uno de los más conocidos y exitosos. Además forma parte del primer disco de la madre banda, Outlandos d'Amour, así como del disco en vivo Live.

 La letra

La canción, escrita por Sting, está dirigida a una prostituta, llamada Roxanne en referencia a un personaje de la obra Cyrano de Bergerac. Sting se dirige a ella declarándole su amor y pidiéndole que "no se ponga sobre la luz roja".
 
La música

Musicalmente la canción es una fiel representación de lo que el grupo entiende como "reggae de blancos", a menudo definido como el estilo de la banda. En unas declaraciones hechas por el mismo Sting, para él esta canción es una representación de Tango.
 
Circunstancias relacionadas

Debido al tema tratado la canción no consiguió ingresar a los charts británicos en su primer lanzamiento, sino que debió esperar al año siguiente, cuando gracias a la fama del grupo alcanzó el puesto 13, para luego convertirse en una de las canciones más representativas de la banda. La revista Rolling Stone la ubicó en el puesto 388 en el ranking "Mejores 500 canciones de todo los tiempos". Arctic Monkeys hace alusión a Roxanne en la canción When the Sun Goes Down"And he told Roxanne to put on her red light".

Os dejo esta versión minimalista, y como no podía ser de otra manera, con arreglos jazzísticos.


sábado, 7 de abril de 2012

The Bad Plus

The Bad Plus es un un trío musical de jazz contemporáneo formado por el pianista Ethan Iverson, el bajista Reid Anderson y el baterista David King.
Anderson y King son originarios de Minnesota, e Iverson es de Wisconsin. El grupo actuaba desde 1989, pero hasta el año 2000 no fundaron The Bad Plus.
Su música combina elementos tanto de jazz tradicional como de free jazz, mezclados con influencias de música Rock y Pop. Han grabado versiones de canciones de Nirvana, Aphex Twin, Blondie, Ornette Coleman, Pixies, Rush, Tears for Fears, David Bowie, Black Sabbath y Radiohead. 

viernes, 6 de abril de 2012

Bernardo Sassetti

Bernardo Sassetti (Lisboa 24 Junio 1970) es un compositor y pianista de jazz portugués.
Comenzó tocando guitarra e inicio los estudios de piano a partir de los nueve años, aficionándose al jazz tras escuchar a Bill Evans. En los 90 residió durante unos años en Londres.
Sassetti ha compuesto numerosas bandas sonoras, e incluso ha llegado a actuar en alguna película, cómo por ejemplo  El talento de Mr. Ripley en el papel de miembro del Napoli Jazz Sextet.


jueves, 5 de abril de 2012

Joe Henderson

Joe Henderson (1937-2001) quizás sea el saxofonista tenor mas importante del jazz surgido tras la estela de John Coltrane y Sonny Rollins. Durante su juventud, el saxofonista mantuvo una actividad constante y de resultados brillantes en formaciones y grupos muy sólidos y diversos como cuando estuvo con el pianista, Herbie Hancock, o Donald Byrd. Su estilo, elegante y discreto y sus estudios en el "Kentucky State College" y en la "Wayne State University", sirvieron para modelar a un músico que estaría destinado a ser alguien importante en la escena del jazz. Pocos músicos de jazz podrán esgrimir una carta de presentación tan rotunda y de tanta calidad como cuando Joe Henderson se metió en los estudios de grabación para grabar en el sello Blue Note una obra maestra de jazz imperecedera como fue el titulo de su primer álbum titulado significativamente "Page One". Apenas dos meses antes de esa histórica grabación, Joe Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al gran trompetista, Kenny Dorham -que posteriormente lo incorporaría a su grupo durante dos años, 1962 y 1963- en su álbum titulado "One More Time". Poco después también grabó con el guitarrista, Grant Green una sesión que dio como resultado el disco "Am i Blue". La participación de Henderson no pasó inadvertida para los directores musicales de Blue Note y rápidamente paso a engrosar la nomina de artistas del exquisito sello azul. En Blue Note grabó junto a Lee Morgan, Horace Silver (estuvo dos años en su grupo entre 1964 y 1966), Freddie Hubbard o McCoy Tyner, infinidad de excelentes discos y eso le abrió las puertas para lo que vendría después. En 1967, dejó la Blue Note y ficho por el sello "Milestone" donde debutó con un disco excelente titulado "The Kicker". Su carrera es imparable y se convierte en uno de los pocos instrumentistas del jazz que pudo escoger su propio destino y grabaría decenas de buenos discos con varios sellos discográficos. En 1985, vuelve nuevamente a grabar para la Blue Note para editar un gran álbum doble grabado en directo en el Village Vanguard de New York titulado: "The State of the Tenor" . En 1991 es con el sello Verve donde graba un disco enorme dedicado a la música de Billy Strayhorn titulado "Lush Life" y con el que ganó por primera vez un premio Grammy. Al año siguiente vuelve a grabar otra obra maestra dedicada en esta ocasión a la música de Miles Davis, titulado: "So Near, So Far" con el que consigue dos premios Grammy mas. Casi al final de su carrera y coincidiendo con la muerte del gran guitarrista y compositor, Antonio Carlos Jobim, sacó al mercado para el sello Verve, el álbum titulado "Double Rainbow" un monumento a la fusión entre el jazz y la música brasileña. Joe Henderson, murió el 30 de junio de 2001 con su ultimo álbum todavía caliente en la calle y que se tituló: "Porgy and Bess". Cuando murió era el saxofonista de jazz vivo más importante junto al gran Sonny Rollins. Fue un músico sincero, honrado y dotado de una maestría indiscutible. 

miércoles, 4 de abril de 2012

Joe Lovano

El saxofonista, Joe Lovano (Cleveland, 1952), es uno de los saxofonistas tenores mas importantes que hay hoy en activo. Innovador, espontáneo y gran improvisador, Lovano fue introducido en el mundo del jazz por su padre, el también saxofonista, Tony "Big T" Lovano. A mediados de los años setenta, comenzó a actuar y grabar con músicos como el guitarrista, George Benson, o a participar en las orquestas de Woody Herman o de Mel Lewis, y ya a principios de los años ochenta, despuntó como uno de los saxofonistas contemporáneos mas importantes en sus apariciones con Paul Motian o Carla Bley. En 1985 firma por el sello "Soulnote" y graba el primer disco a su nombre titulado: "Tones, Schapes and Colors" en cuarteto con el pianista, Ken Werner, el bajista, Dennis Irwin y el baterista, Mel Lewis. El álbum recibe el reconocimiento de la critica especializada, y desde entonces, al frente de formaciones diversas, como con el trío junto a Paul Motian y Bill Frisell, o el quinteto que colidera en la actualidad con John Scofield, su fama no ha dejado de crecer. Dotado de una técnica impecable y de una fértil imaginación musical, Joe Lovano es en nuestros días, uno de los saxofonistas tenores mas apreciados. En 1990 deja "Soulnote" y firma un contrato con el legendario sello "Blue Note". Allí graba en 1991, uno de los grandes discos de la década, referencia absoluta en cualquier catalogo de jazz contemporáneo y valorado unánimemente por toda la critica especializada como uno de los grandes discos de jazz del último cuarto del siglo XX. "From the Soul" lo situó en la cima de los instrumentistas de jazz y a partir de ahí, practicamente no ha tenido competencia. Joe Lovano, ha comenzado el Siglo XXI, casi como terminó el anterior. En el año 2002, grabó un disco formidable dedicado a las composiciones del cantante tenor de ópera italiano, Enrico Caruso. Con "Viva Caruso", Lovano aporta una nueva visión de la música de jazz, adaptando a la música improvisada, el encanto de las composiciones de la música clásica. Joe Lovano, tiene por delante un futuro extraordinario para satisfacción de todos los que amamos el jazz. 


martes, 3 de abril de 2012

Francesco Cafiso

Francesco Cafiso (Vittoria, Sicilia 24 de Mayo de1989) es un saxofonista alto italiano. Comenzó a tocar a los 9 y premiado a los 12. En el año 2003 estuvo de gira por Europa con Wynton Marsalis. En el 2005, a la edad de 16 años ganó un importante premio en Italia.
En la actualidad está considerado como una de las esperanzas del jazz europeo.


lunes, 2 de abril de 2012

Dave Liebman

Saxofonista tenor, soprano, flautista clarinetista y compositor, Dave Liebman (New York, 1946) empezó a estudiar música por su cuenta con Joe Allard entre 1962 y 1966 y una vez hecha la base, perfeccionó lengüetas con Charles Lloyd entre 1966 y 1968, al tiempo que cursaba estudios de historia. En 1970, fue miembro del grupo "Ten Wheel Drive" luego tocó con el baterista, Pete La Rocca y de 1970 a 1973 con el grupo de Elvin Jones. En 1972 colaboró en el disco "On the Corner" con Miles Davis, quedándose con el trompetista entre 1973 y 1974, grabando varios discos y participando en varios festivales. Al año siguiente tocó y grabó en Japón con la cantante, Abbey Lincoln y en 1974, fundó junto a otros músicos la "Free Life Communication" y finalmente consolidó su carrera cuando dirigió entre 1973 y 1976 el combo "Lookout Farm" con Richard Beirach, al piano, John Abercrombie, a la guitarra, Frank Tusa o Gene Perla al bajo, Jeff Williams, a la batería y Badal Roy, a la percusión. Ya en la década de los ochenta grabó con el fenomenal contrabajista danés, Niels Henning-Orsted Pedersen y sus discos para varios sellos discográficos empezaron a proliferar. Discípulo indisimulado del genial John Coltrane, su pulidísima dicción y su gran coherencia en los solos, le ha valido para ser hoy uno de los grandes instrumentistas del jazz moderno. 


domingo, 1 de abril de 2012

Scott Hamilton

Scott Hamilton, es uno de los primeros saxofonistas de jazz contemporáneos que demostró en plena década de los setenta que había algo mas en la música que el pop y el rock and roll. La vida de este conocido compositor está ligada desde muy joven al mundo de la música. Así, en su localidad natal, Providence, de Rhode Island (USA) acostumbra a tocar desde muy joven clarinete y piano, antes de formar parte en una formación de rock, donde interpreta blues. Comenzó a tomar lecciones de saxo a finales de los años sesenta y a tocar esporádicamente como aficionado en los clubes de Nueva Inglaterra mientras adquiría la confianza y la madurez necesaria para dar el salto a New York, la capital del jazz en el ultimo cuarto del siglo XX. Fue en 1976 cuando dió el salto a la ciudad de los rascacielos y allí acompañó a las viejas glorias de la época del swing como Tiny Grimes, Benny Goodman o Roy Eldridge. Inmediatamente levantó una inusitada expectación por su estilo vigoroso, un tono exuberante y un gusto musical exquisito. Aquel mismo año trabajó junto al trompetista, Warren Vaché y al año siguiente debutó en los estudios de grabación para el sello "Concord Jazz" la casa discográfica con la que todavía tiene contrato. Scott Hamilton, tenia la virtud de sonar como los saxofonistas clásicos del jazz lo que le valió el reconocimiento de la critica y del publico. Durante los años ochenta, Hamilton fue un invitado permanente de la Newport Festival All Star, la banda por excelencia del festival americano y hoy es un interprete maduro y seguro que combina calidad y swing de manera impecable. Ya en los años ochenta, tras un período de inactividad debido a problemas personales, su nombre se hace un hueco entre los mejores jazzistas contemporáneos, con discos muy elogiados como el "Groovin High Live alt E.J.s" o "Plays Ballads", entre otros. En los últimos años su actividad musical ha sido imparable, impartiendo conciertos a lo largo de todo el mundo y publicando discos de tan interesantes como "East of the Sun", "Live at Brecon Festival" o "Organic Duke". Y en 1991, graba su obra maestra, el disco titulado: "Race Point" una grabación merecedora de estar entre los mejores discos de jazz de la década.