martes, 31 de enero de 2012

Daniel Barenboim

Daniel Barenboim (Buenos Aires, 1942) no es economista «ni entiendo de economía», vaya esa confesión por delante. 
Quizá por eso no comprende «cómo se ha llegado a la situación actual, que no es un problema local sino algo global que afecta a todos. Me lo han tratado de explicar varias personas —reconoce— pero no lo llego a entender». 
Tampoco comprende, «ni quiero hacerlo», los recortes que está sufriendo la cultura, la primera víctima a la que se apunta por considerarla prescindible. "Miren, hago lo que puedo para volver a convertir la música en imprescindible", defendió ya solo ante los periodistas y molesto por lo que considera una "falta de sinceridad y honestidad” de los políticos. 
“La música no forma parte de la educación normal”, ha argumentado, “ellos dicen que la música y la cultura cuesta demasiado porque no hay suficiente gente interesada, pero son los políticos los que la convierten en elitista”. 
"Si hubiera educación musical, no haría falta tanta subvención" "Si este Gobierno no considera el conflicto árabe-israelí de su interés, ya se verá", afirma el director de orquesta y pianista 

lunes, 30 de enero de 2012

La increíble historia de Billy Tipton

La muerte de un discreto pianista de jazz llamado Billy Tipton, ocurrida a la edad de 74 en la pequeña ciudad norteamericana de Spokane, Washington, fue una de las noticias más espectaculares del año 1989, no porque Tipton fuese un músico de renombre sino porque, una vez hallado su cadáver por los médicos, se descubrió que en verdad era una mujer que había vivido haciéndose pasar por hombre desde los diecinueve años de edad.

Dorothy

Dorothy Lucille Tipton nació en la ciudad de Oklahoma, el 29 de diciembre de 1914, y volvió a nacer como Billy Lee Tipton durante el verano de 1933. Curiosamente, a la hora de elegir un nombre de varón, escogió el mismo de su hermano menor, William, nacido en 1924. En 1928 sus padres se divorciaron y los hermanitos Tipton fueron enviados a Kansas City, donde fueron criados por la tía Bess, hermana de su madre. A partir de sus catorce años, Dorothy empezó a tomar clases de música (saxo alto y piano) y a interesarse por el jazz. De Kansas City habían surgido algunas mujeres pianistas famosas como Mary Lou Williams o Julia Lee, ambas negras. Dorothy terminó de estudiar en una escuela de Muskogee y en otra de Warner (dos pueblos de Oklahoma, casi en la frontera con Kansas) y, a fines de 1932, volvió al lado de su madre, decidida a dedicarse profesionalmente a la música. No le resultó nada fácil. Corría la "era de la Depresión" y las bandas de jazz sólo aceptaban músicos varones. Dorothy decidió jugar el juego y hacerse pasar por hombre. "La expresión de masculinidad empezó con la ropa", escribió Diane Middlebrook en Suits Me, biografía de Billy Tipton. Como primera medida, Billy pensó que usando trajes masculinos volvería invisible su feminidad. "Con los años Billy fue perfeccionando un estilo de presentación en público que muy pocos cuestionaron. Usando un saco, una corbata y un pantalón bien apretado, adoptando una postura notablemente erecta, Billy daba la impresión de ser un hombre, a pesar de su baja estatura". Después llegó a ponerse zapatos con suelas gruesas para fortalecer aún más la ilusión. Tipton también rellenaba sus pantalones con un bulto, medio cargado hacia la izquierda. Al principio le bastaba con una especie de algodón pero más tarde, cuando empezó a salir con mujeres, "aparantemente adoptó un equipo más complicado", según afirma Middlebrook. Las mujeres que pensaban que Billy tenía pene siempre mencionaron la existencia, entre sus ropas, de una especie de suspensor especial. La personificación fue depurada, año tras año. La forma de caminar, los gestos, la voz, todo fue masculinizándose. Si había una pelea, Billy se quedaba al margen porque era el pianista y, claro, tenía que "cuidar las manos", pero enseguida se ocupaba de hacer algún comentario sobre lo ocurrido, comentario que solía contener cierta pizca de ironía o hasta alguna broma homofóbica, si hacía falta.

La música

Billy Tipton no dejó muchos discos grabados, apenas un demo de los años cuarenta y algún elepé de los cincuenta. Era, en definitiva, un artista especializado en el acto vivo, cuyo estilo musical se parecía --incluso demasiado-- al del pianista Teddy Wilson, miembro de la prestigiosa orquesta de Benny Goodman. Su primer trabajo de importancia lo obtuvo no como pianista, sino como saxofonista, en un conjunto llamado The Banner Cavaliers que solía presentarse en las radios. Los músicos se vestían de manera uniforme; y una vez, en medio de un verano caluroso, el manager D.L. Hickman les dijo que se pusieran una remera blanca. Como Tipton no quiso obedecer, Hickman le contó a los otros integrantes que el saxofonista era en verdad una mujer. No todos se asombraron. Por entonces, en Oklahoma City, mucha gente tenía claro que Billy y Dorothy eran una misma persona. Alrededor de 1938, Billy Tipton ingresó ya como pianista a los Western Swingbillies. "Su aprendizaje, durante aquellos años, fue doble: como músico y como varón", afirma Middlebrook. La Depresión estaba llegando a su fin y, dentro del orden musical, comenzaba el esplendor del swing. Billy desechó los dos destinos esperables de Dorothy (ser una profesora de piano, formar una orquesta de señoritas) y resolvió marcharse a probar suerte en Joplin, Missouri, una ciudad cuyos pobladores desconocían su pasado. Fue entonces cuando empezó a ser un hombre de tiempo completo, al decir de Middlebrook. Mientras tanto, su madre --al tanto de la situación-- recibió de su hijo/a la instrucción de escribir cartas "neutras", por lo que sustituyó el encabezado "dear daughter" (querida hija) por el de "dear darling", siempre con una "d" que hacía velada referencia al nombre originario. En Joplin, Tipton se unió como cantante y pianista a la pequeña orquesta de George Mayer. Una de sus especialidades consistía en interpretar un éxito de Lionel Hampton, "Exactly Like You". Llegó a usar un fugaz y delgado bigote, hecho con lápiz y pelos postizos. Una foto de abril de 1954 lo muestra, muy sonriente, en compañía de Duke Ellington (que cumplía años), Dick O'Neil y Ron Kilde, estos dos últimos sus compañeros de ruta durante los años cincuenta, cuando llegó a liderar el Billy Tipton Trio. El trío siguió adelante, pese a algunos cambios de alineación, hasta entrados los setenta, cuandoTipton empezó a trabajar en la agencia de espectáculos de Dave Sobol, al tiempo que se alejaba de la música.

Sexo

Hasta donde se sabe, Billy Tipton tuvo en su vida cinco mujeres: Non Earl (a quien conoció en 1934), June (1943), Betty (1946), Maryann (1954) y Stella Marie "Kitty" Flaherty (1962). Con tres de ellas llevó vida de casado. Y aunque la última de todas, Kitty, afirmó que entre ella y Billy no había sexo, esto no significa que con las anteriores ocurriera lo mismo. Por lo menos una de todas sus parejas supo que Tipton era una mujer. Por lo menos dos hicieron el amor con él sin sospechar --por increíble que parezca-- que Billy no era un hombre. No fue Billy sino Dorothy quien conoció a Non Earl, allá por 1933. Non Earl tenía un Ford-T, era propietaria de un restaurante y usaba pantalones desde 1932, algo inadmisible y casi escandaloso, si se piensa que por aquel mismo año Marlene Dietrich o Greta Garbo eran acusadas de vestir como hombres cada vez que se ponían uno. Catorce años mayor que Tipton, Non Earl fue testigo de la metamorfosis. Según el testimonio del hermano de Dorothy, Bill, "Non Earl fue su primera chica". Al año de conocerse, es decir, en 1934, Billy y Non Earl ya se presentaban a menudo en público como marido y mujer. Hacia 1942, Non Earl tenía 42 años de edad y Billy 27. Los músicos que se iban sumando al grupo en el que por entonces tocaba Tipton creían, al verlos, que Non Earl era la madre del pianista. Entre ellos la baterista Roberta Ellis, quien llegó incluso a contar que, cuandlo Non Earl regresaba a su casa antes que Billy, él se quedaban coqueteando con su hermana Doris, de 18 años. "Billy era un hombre muy guapo. A veces comentábamos que tenía un culo demasiado grande. Así y todo, nunca, nunca sospechamos que él fuese ella", dijo la baterista. La relación con Non Earl terminó meses antes de que, en 1943, Billy se enamorara de su segunda mujer, June, una cantante diez años menor que él. El vínculo duró alrededor de tres años. Después de la ruptura, algunos músicos oyeron a June hablar mal de Billy en términos sexuales. "Llegó a afirmar que Billy era hermafrodita", le contó un músico a Middlebrook, aun cuando la autopsia indicó que el cuerpo de Tipton era "de genitalidad femenina normal". La tercera señora Tipton, Betty Cox, tenía 18 años y trabajaba como mesera y bailarina, cuando conoció a Billy. Corría 1946 y Tipton aún estaba en pareja con June. Pero un día June desapareció literalmente, entonces Billy empezó a invitar a Betty a su casa. Terminaron viviendo en pareja y a la familia de Betty le contaron que se habían casado. En cierto sentido, Betty fue su primera esposa estable. Tenían relaciones sexuales y aunque ella no era virgen, su experiencia en la materia era tan escasa que nunca sospechó nada. Por su parte, Billy apagaba la luz, se dejaba puesta bastante ropa, impedía que ella lo tocase y se ponía --según parece-- una especie de prótesis que Betty nunca alcanzó a ver. Tipton pasó siete años con Betty. Ella lo dejó y, meses después, él conoció a una tal Maryann que tenía por entonces 34 años y que había antes trabajado como call-girl. A pesar de su experiencia, tampoco Maryann advirtió nada raro, al menos en un principio. " La primera noche juntos, bailamos y yo sentí que él tenía algo así como una erección permanente. Qué suerte, me dije". Siete años después, antes de su ruptura definitiva, Maryann alcanzó a sospechar algo. Pero Billy ya había empezado, por aquel tiempo, 1961, a seducir a una bailarina de strip-tease apodada "la Venus irlandesa". Era Kitty, la que sería su última mujer.



domingo, 29 de enero de 2012

Willie 'The Lion' Smith

Willie 'The Lion' Smith fue un excelente pianista y otros intérpretes, algunos tan destacados e influyentes como Duke Ellington, reconocieron su talenteo. El León despertaba admiración como músico aunque a él le costaba manifestar admiración e incluso sem mostraba cruel para con quiene consideraba inferiores. Duke Ellington escribió acerca de él en estos términos en el transcurso de una sesión en que 'examinaba' el arte de otro pianista: "Antes de que hubiese terminado demasiadas frases, El león ya estaba de pie tras él haciendo cdentellear su habano. Si el tipo era débil con la mano izquierda le decía: "¡Qué te pasa ¿Estás lisiado?", o bien "¿Cuándo te rompiste el brazo izquierdo?", o: "Anda levántate, te enseñaré somo se supone que va"." Le gustaba lucirse, pavonearse incluso, como un majestuoso león. El compositor, y también excelente pianista, James P. Johnson, decía: "Cuando Willie Smith caminaba hacia algún sitio, cada uno de sus movimientos era un espectáculo (...), tan estudiado, ensayado y desarrollado como si fuera una difícil pieza pianística".

sábado, 28 de enero de 2012

Gino Paoli

Pasión por el jazz 
  La pasión del músico italiano por el jazz viene de antiguo: “Descubrí el jazz al término de la Segunda Guerra Mundial, con los americanos. Para mí el jazz es la libertad, lo llevo en el corazón”. Hablando de jazz, Paoli es un hombre de gustos amplios y diversos: “No hay un jazz mejor o peor, solo hay un jazz bueno y uno malo. Me gustan Lester Young y Louis Armstrong. Entre los cantantes, Nat King Cole y Tony Bennett, Billie Holiday, Elis Regina, Barbra Streissand…”. Pero una cosa son los gustos y otra cosa es hacer de ello profesión: “Al principio yo me dedicaba a mis cosas, hasta que un músico de jazz muy importante de mi país, Enrico Rava, me llamó: ‘Estoy pensando en organizar un concierto con un cantante y resulta que tú eres ese cantante’. Pues vale. Dimos el concierto a ver qué salía y tuvo un éxito tal que todo el mundo estuvo tratando de convencernos para que repitiéramos. Tanto insistieron que, al final, cedimos. No sé cuántos conciertos hicimos, muchísimos”. Por más que no sea un especialista en el tema, Paoli confiesa sentirse “perfectamente a gusto” compartiendo escenario con un conjunto de músicos de jazz: “Eso es así porque, para mí, cantar es un toma y daca continuo entre yo mismo y los que están a mi alrededor, al final todos nos enriquecemos con las aportaciones del otro. Pero yo sé que esto no es para todo el mundo. La mayoría de los cantantes llegan al estudio, o al escenario, le echan un vistazo al arreglo, lo cantan y buenas noches. Yo nunca hago playback, soy famoso por eso. Creo que soy el único cantante en mi país que jamás ha hecho playback. Los demás cantan siempre igual, yo no. Es como si vas a una recepción de la reina Isabel o a un festival del Partido Comunista: te comportas de distinta manera. Pues cuando cantas es lo mismo”. Paoli sabe de lo que habla: aunque retirado de la política desde 1992, fue elegido diputado del Parlamento italiano por el Partido Comunista en 1987: “Mi actividad política tiene que ver con la necesidad que tenemos todos de enfadarnos ante hechos como la corrupción. Un hombre se muere cuando pierde la capacidad de enfadarse, y ahora hay muchos motivos para enfadarse. Hay un barco en el que estamos todos que se está hundiendo, y ahí estás tú con tu pequeña parcela tratando de salvarte por ti mismo. Eso no sirve para nada porque si el barco se hunde, tú y tu parcelita se van a hundir también. Sin embargo, no parece que haya nadie que lo comprenda. Aunque creo que Monti ha reaccionado y está trabajando en esa dirección”. 

Chema García Marínez EL PAÍS

viernes, 27 de enero de 2012

Amiri Baraka - Obama poem

Amiri Baraka cuyo verdadero nombre era Everett LeRoi Jones (Newark, 7 de octubre de 1934) es un poeta, escritor, y crítico musical estadunidense.
Si Elvis era el rey, ¿quién es James Brown? ¿Dios? 
Amiri Baraka 
Se licencia en inglés en la Universidad de Howard y ha sido profesor en las de Yale, Columbia y Nueva York. Escritor, poeta, ensayista, dramaturgo y músico, ha publicado numerosos libros de poesía, ensayos, relatos y discos. Fundó en 1964, la Black Arts Repertory Theatre/School (BART/S). A la muerte de Malcolm X, acaecida en 1965, se convirtió al Islam, se cambió el nombre, se separó de su primera esposa y se trasladó a Harlem. En 1967 se casa con la poetisa afroamericana Sylvia Robinson (Amina Baraka), con la que ha tenido cinco hijos. Fue líder de la organización musulmana Kawaida hasta que ésta pasó a ser marxista, en los años 1960. 
Su primer libro de poesía, "Preface to a Twenty-Volume Suicide Note" (Prefacio a una nota de suicidio en veinte volúmenes), se publicó en 1961. Es autor de numerosos ensayos de crítica musical, como "Blues People". Junto a su esposa Amina Baraka publica en 2003, "The Essence of Reparations", una antología de ensayos sobre temas como el colonialismo, la opresión nacional y el racismo.

jueves, 26 de enero de 2012

Harry Connick Jr

Harry Connick Jr. (New Orleáns 1967) ya fue con veinte años un precoz profesional del piano y del cante curtido en los barrios de su ciudad natal o de New York. 
El sello Columbia que lo descubrió creyó ver en él al soñado y añorado sucesor de Frank Sinatra. Connick es cierto que se acercaba al jazz con interés pero sus primeros trabajos discográficos fueron hechos a piano solo en 1985 y aparecía tocando, mitad el estilo stride, mitad a lo Thelonious Monk. Su segundo trabajo titulado genéricamente "20", incluía ya algunas piezas vocales, pero la consagración definitiva le vino del cine cuando hizo la banda sonora original de la película: "Cuando Harry encontró a Sally" dirigida por Rob Reiner, en 1989. A partir de ahí grabó discos con frecuencia, realizó varias giras internacionales y se convirtió en un símbolo sexual para el publico juvenil, como ya lo fuera en su día, Frank Sinatra o Dick Haymes. Connick es un barítono de caudal limitado y timbre velado en la línea de Bennett o Mél Tormé a quienes ocasionalmente recuerda. En 1991, grabó un buen disco titulado: "Blue Light, Red Light" de estilo romántico que tuvo un notable éxito, pero su consagración discográfica vino con el álbum "25" grabado en 1992 para Columbia y en el que incluía varios temas de Johnny Mercer. En él su voz se escucha asentada y mejor colocada y su interpretación es mas rica y cálida que nunca. Harry Connick, continua en la actualidad grabando para Columbia y sacando al mercado un disco año tras año y aunque la calidad es pareja y generalmente buena, falta en su canto la capacidad de embriagar que tenía el citado "25". 

miércoles, 25 de enero de 2012

Esbjörn Svensson Trio

Esbjörn Svensson Trio (también conocido como E.S.T.) fue un grupo musical sueco cuyo estilo principal era el jazz. 
Se fundó en 1990. y estuvo formado por el líder y pianista Esbjörn Svensson (piano), Dan Berglund (bajo) y Magnus Öström (batería). E.S.T. eran conocidos por su innovador estilo y han tenido un gran reconocimiento mundial, tanto entre la crítica y expertos como de ventas. 
A pesar de que su nombre se refiere al nombre del pianista y fundador, el grupo se definió a sí mismo como "una banda de pop que toca jazz". Además, rompió con la tradición de tener un líder de la banda a favor de la igualdad entre sus miembros. Actuaban en locales de jazz y además en escenarios típicos de las bandas de rock, usaban efectos con humo e iluminación. Su música se puede encontrar en las listas de éxitos del pop y sus videos se ven en la MTV de Escandinavia. Con su particular sonido, que combina jazz el funk, y rock & roll así como música clásica. E.S.T tiene todo tipo de público, desde amantes del jazz clásico hasta los más jóvenes fans del Hip Hop. Crítica y público definieron a E.S.T., como una de las más innovadoras bandas de jazz actuales. 
El 15 de junio de 2008 fallece, a los 44 años, el pianista Esbjörn Svensson, que dió nombre al grupo, debido a un accidente mientras practicaba buceo en un lago de Ingarö, a las afueras de Estocolmo.
Os dejo un par de vídeos de distinto tipo, el primero en una etérea versión del clásico de Monk "Raund Midnight" y el segundo haciéndo una versión del tema "Fragile" acompañado por Pat Metheny y Michael Brecker con un final de una intensidad casi insoportable por parte del saxo de Brecker.


martes, 24 de enero de 2012

Scott Tixier

Scott Tixier (n. 26 de febrero de 1986, Montreuil) es un violinista de jazz francés. 
Nació en Montreuil y estudió violín clásico en el Conservatorio de París, luego, él aprende Jazz con Florin Niculescu.
En 2007, gana el primer premio del "Trophées du Sunside", el más importante premio para un joven músico de jazz en Francia. Algunos meses más tarde, se muda a  Nueva York, y se convierte en una referencia del violín en el mundo del jazz. Durante los últimos 5 años Scott fue invitado a varias clases magistrales con los mejores músicos de jazz como: Elvin Jones, McCoy Tyner, Steve Coleman ...

Lo que dicen de él
 "Scott Tixier es un excelente músico joven que en un periodo corto de tiempo increíble ha encontrado un lugar para sí mismo dentro de la comunidad de élite de los músicos de jazz de Nueva York, no es poca cosa." Pat Metheny 
"Scott Tixier es un joven violinista de jazz emocionante que está haciendo un nombre internacional por sí mismo. Lo oí en Francia y quedé inmediatamente impresionado por su individualidad y su sonido. " Marcus Miller 
"Escuché por primera vez Scott Tixier y me sedujo inmediatamente por su swing implacable y su interminable flujo de ideas. Más tarde me reuní con él en París durante una gira. Estaba actuando en el Sunside con su banda, y yo quedé aún más impresionado, era capaz de sentir la increíble cantidad de energía generada por su forma de tocar " Jacques Schwarz-Bart 
"Su estilo, el fraseo del bebop muy bueno, excelente presentación. " Jean-Luc Ponty 
"Scott es un gran músico de jazz jóvenes. Posee todos los atributos " David Binney 


lunes, 23 de enero de 2012

Paul Gonsalves

El saxofonista Paul Gonsalves era uno de los grandes músicos que formaban parte de la orquesta de Duke Ellington. Su talento era extraordinario pero a veces se veía mermado por su adicción a las drogras y el alcohol. Una vez, en el transcurso de una actuación de la legendaria big band, Gonsalves estaba completamente dormido cuando le tocaba ejecutar un solo. Le despertaron y se levantó. Todavía medio dormido marchó hacia delante y escuchó aplausos. Pensó que eran para él por haber interpretado su solo y se volvió a su lugar y se msentó. Gonsalves no habñia tocado una sola nota. Los aplausos eran para el violinista Rauy nance que, él sí, había terminado su solo. La orquesta continuó como si tal cosa y Gonsalves convencido de haber ejecutado el solo que le correspondía. 


domingo, 22 de enero de 2012

Art Tatum

El pianista, Art Tatum (1910-1956) nació en el seno de una familia de músicos aficionados. Aquejado de una ceguera casi total, ingresa con trece años en un Instituto de Columbus para estudiar violín y piano. Con dieciséis años empieza a tocar en clubes y dos años después, en 1928, y ya como profesional, es contratado por una emisora de radio local, la WSPD, en la que ocupa un programa diario de quine minutos que dado el éxito, pronto seria retransmitido a toda América por la NBC, hecho que además de publicidad, le daría una reputación extraordinaria como músico, aun sin salir de Ohio, su ciudad natal. 
En 1932 se trasladó a la ciudad de Nueva York para acompañar a Adelaide Hall, con la que hizo su primera grabación, y al año siguiente graba para el sello Brunswick, sus primeros éxitos a piano solo como "Tiger Rag" o "Tea for Two", que causaron autentica sensación. Tatum fue contratado en los siguientes cinco años en los mejores clubes del país, desde Cleveland a Chicago (en el famoso "Three Deuces", de ahí a Hollywood, donde dio el famoso concierto en el "Paramount Theatre" y finalmente New York, en el "Famous Door". Su fama como el mejor pianista de la historia del jazz, ya esta solidamente establecida entre los críticos, en el publico, y por supuesto entre sus colegas músicos que lo respetan y veneran de una forma extraordinaria. 
En 1938, viaja a Londres para tocar en el "Ciro's" y en el "Paradise Club". De vuelta a New York, y tras un breve paso por la Costa Oeste, Art Tatum, toca en diversos locales: "Onyx Club"; "Kelly's"; y el "Café Society Downton. En 1943, Tatum rompe con en el mundo de las actuaciones en solitario y forma un trío con el guitarrista, Tiny Grimes y el bajista Slam Stewart. El éxito del trío es instantáneo y los discos que firma para el sello MCA, son ejemplares y alcanza en aquella época su mayor cuota de popularidad. En 1944, Tatum es una de las figuras del jazz invitadas para el célebre concierto organizado por el Metropolitan Opera House de New York para la revista "Esquirre" junto a Louis Armstrong, Billie Holiday, y Coleman Hawkins, entre otros. En los años siguiente, y ya convertido en una figura mítica, toca en los clubes de la Calle 52 de New York, realiza cada año giras por todo el país, y ni siquiera el advenimiento del bebop, le resta un ápice de fama. En 1953, firma un contrato con Norman Granz, a la razón productor del sello "Pablo" (Nombre dado en honor del pintor español, Pablo Picasso, amigo suyo y quien en correspondencia, le dibujaría el anagrama del sello) y graba en menos de tres años, un numero impresionante de discos en solitario o rodeado de algunos de los mejores músicos del momento, como Benny Carter, Ben Webster, Roy Eldridge, Buddy Rich, Lionel Hampton o Buddy de Franco, entre otros. Son sus celebres series "The Tatum solo Masterpieces" (Pablo, 1953-1955) y su no menos extraordinaria colección titulada: "The Tatum Group Masteripieces" (Pablo, 1954-1956). 
Con su salud muy deteriorada y agravada por el ritmo de vida que había llevado en años anteriores, tocando noche tras noche enteras sin dormir, abusando del alcohol y rodeado de humo permanentemente, Art Tatum, empieza a mostrar signos evidentes de su enfermedad. No obstante, y sin querer abandonar la actividad musical, un soberbio concierto celebrado el 15 de agosto de 19546 en el "Hollywood Bowl" ante cerca de veinte mil personas, y la extraordinaria sesión de grabación realizada al mes siguiente, el 11 de septiembre, junto a Ben Webster, será su canto del cisne. 
El 4 de noviembre de 1956, lo ingresan en el "Queen Of Angels Hospital" donde fallecería una semana mas tarde, el 11 de ese mismo mes de una crisis de uremia los cuarenta y seis años de edad. Art Tatum, ha quedado para la historia del jazz, como el mas impresionante pianista de todos los tiempos, y se le considera la figura de mayor relevancia entre prácticamente todos sus sucesores. Cualquier especialista del piano que lo escuchase hoy por primera vez, experimentará sin duda el mismo impacto que los que lo hicieron en los años treinta, y su influencia, a pesar de ser un músico clásico y no revolucionario, es incontestable en todas las generaciones de pianistas posteriores. 

viernes, 20 de enero de 2012

Etta James RIP

Etta James falleció el viernes a los 73 años de edad, en un hospital de California, acompañada de su marido, Artis Mills, y sus hijos. En 2010 se le diagnosticó leucemia y sufría de demencia senil y hepatitis C. Iniciada en la música ya desde muy pequeña en el coro de la iglesia de su barrio, Etta James logró su primer gran éxito a los 17 años, cuando The Wallflower (Roll With Me, Henry) alcanzó el primer puesto de las listas de ventas de R&B en 1955. Tras su paso por Modern Records en la década de los 50, James firmó por Chess Records en la década de los 60, discográfica con la que logró una serie de éxitos, como All I Could Do Was Cry o Id Rather Go Blind. Fue también en este sello donde se aproximó al sonido rock. A lo largo de su vida, Etta James libró una dura batalla contra la obesidad y contra su adicción a la heroína, ganó seis premios Grammy, su nombre entró en el Rock and Roll Hall of Fame y publicó casi una veintena de discos de estudio, el último de ellos, The Dreamer en 2011. Referencia indiscutible de artistas actuales como Beyoncé o Adele, mito para los amantes del jazz, Etta James, que mezcló R&B con pop, soul, jazz o blues tardó décadas en ser reconocida por la industria como la voz que fue y como demuestran temas como At Last. 

John Coltrane (A Love Supreme) Tercera y última parte "Live at Jazz Casual"

Cerca de Los Ángeles, en un terreno de la Universal Studios colindante con unos platós al aire libre con una gran variedad de decorados de época, un pequeño almacén contiene la mayor parte del archivo musical de Verve, incluídos los registros de Impulse. Allí dentro en una ambiente oscuro y apropiadamente climatizado, se guarda la versión original de A Love Supreme, esperando ser retirada para el siguiente proyecto de reedición. "Ésta es la mejor fuente de la música, pero el objeto, para mí, no tiene ninguna fascinación", admite Ed Michel, actualmente jubilado. "Tiempo atrás renuncié a cualquier clase de misticismo que se le pudiera asociar. Tan sólo es una base de plástico con óxido metálico encima....Tan sólo es una bobina de cinta".
A Love Supreme y John Coltrane
La historia de un álbum emblemático
Ashley Kahn

jueves, 19 de enero de 2012

John Coltrane (A love Supreme) Segunda Parte



Alejándose un paso atrás del micro, Coltrane cierra la pieza con una figura alargada, revoloteante. El susurro de un platillo y un acorde de piano sostenido mantienen el embrujo de la melodía. Entonces el público prorrumpe en aplausos y vítores, a continuación una ronda de silbidos y abucheos entre los gritos de los que piden más música. Pero Coltrane ya ha hecho salir al grupo del escenario, cansados y rendidos. "Una tercera parte del público chillaba porque quería más", explica Delorme. "No tenían suficiente con cuarenta y ocho minutos. Otra tercera parte gritaba porque no les había gustado". La confusión de voces continúa hasta que Francis se apresura a llegar al micrófono. En los archivos del Instituto Audivisual Nacional, la agencia de la radio y la televisión frances, con sede en París, se guarda la pequeña bobina que contiene las palabras del maestro de ceremonias pidiendo la comprensión del público presente.

A Love Supreme y John Coltrane
La historia de un álbum emblemático
Ashley Kahn



miércoles, 18 de enero de 2012

John Coltrane (A Love Supreme) Primera Parte



Los tres próximos post irán dedicados a John Coltrane y su obra maestra titulada A Love Supreme


Con el Mediterráneo a sus espaldas un abarrotado público de fans del jazz y burgueses locales y las cámaras de televisión delante, el cuarteto vestido de esmoquin salió al escenario, listo para ofrecer la primera y única interpretación en vivo de la suite de Coltrane. Francis, en su lengua materna, presentó a los músicos uno por uno, y luego explicó: "John Coltrane interpretará un tema -más bien una composición dividida en diversos movimientos- que acaba de grabar en los Estados Unidos. Se llama A Love Supreme".

A Love Supreme y John Coltrane
La historia de un álbum emblemático
Ashley Kahn


martes, 17 de enero de 2012

Vagif & Aziza Mustafa Zadeh

Vagif Mustafazadeh (Marzo, 1940), también conocido como Vagif Mustafa Zadeh, fue un pianista de jazz y composiitor azerbayano, aclamado  por fusionar jazz con música mugham tradicional azerbayana. Fallecido a causa de un ataque al corazón tras un concierto a la edad de 37 años,tras un concierto, Mustafa Zadeh fue el pionero y arquitecto del jazz en Azerbayán. 
 
 
Aziza Mustafa Zadeh (en azerí Əzizə Mustafazadə), también conocida como La princesa del jazz o Jazziza, nació en Bakú (Azerbaiyán), el 19 de diciembre de 1969. Es una cantante, pianista y compositora de jazz y world music.

Aziza estudió música clásica y piano en el Conservatorio de Baku. Su pasión por el jazz y por el cante y los sonidos tradicionales de Azerbaiján crearían su original estilo de música, una fusión entre Oriente y Occidente.
 

lunes, 16 de enero de 2012

Regina Carter

Regina Carter (nacida el 6 de agosto de 1966 en Detroit, Míchigan) es una violinista de jazz estadounidense. A los cuatro años de edad inició sus estudios como violinista clásica mediante el método Suzuki hasta los nueve años. Es prima del famoso saxofonista James Carter. Asistió a la secundaria Technical High School junto a su amiga cercana la cantante de jazz Carla Cook y esta fue la responsable de introducirle en la música de Ella Fitzgerald. En la secundaria tocó en la Detroit Civic Orchestra, también fue miembro del grupo de pop-funk Brainstorm y estudió jazz con Marcus Belgrave. Recibió una licenciatura en música de la Universidad de Oakland en Rochester, Míchigan, y estudió en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston antes de culminar su carrera de jazz en 1987.
Os dejo un vídeo tocando con el trío del mítico contrabajista Ray Brown.


domingo, 15 de enero de 2012

Soft Machine

Soft Machine fue un grupo inglés de rock progresivo, rock psicodélico y jazz fusión formado en Canterbury en 1966. Su nombre proviene de la novela de William Burroughs The Soft Machine. Son una de las principales bandas de la Escena de Canterbury, la cual se caracterizaba por fusionar la psicodelia con el jazz y el rock progresivo. Soft Machine fue fundada en 1966 por el vocalista y batería Robert Wyatt, el guitarrista, bajista y vocalista Kevin Ayers, el guitarrista Daevid Allen y el teclista Mike Ratledge.
 

sábado, 14 de enero de 2012

Tchavolo Schmitt

De entre las muchas corrientes que siguen inyectando vida al Jazz, la música de los Gitanos Europeos es una de las más vigorosas. Escandinavia y los Paises Bajos tienen su propia cantera de intérpretes, pero quizás sea Francia el país que mayor número de propuestas ha facturado de entre cuantas gustan de mezclar el swing con estas esencias gitanas. Tchavolo Schmitt, músico adscrito a esta tendencia, está considerado como el más profundo y creativo de los guitarristas herederos de Django Reinhardt. Nacido en Paris en 1954, empezó, siendo todavía un niño, a tocar en los bares de la Porte de Montreuil junto a otros músicos de la comunidad Gitana, conocida en Francia como “Manouche”. Ya en esta época estaba fascinado por la música de Django Reinhardt, quien ha sido su ídolo hasta el presente. En 1965 se trasladó a Estrasburgo, donde realizó diversos trabajos, pero mantuvo siempre su conexión con la música. En 1974 se incorporó al Hot Club Da Sinti y se convirtió en músico profesional. Trabajó con su hermano Gogo Berbedes y sus primos Mandino Reinhardt, Sony Reinhardt, Hono Winterstein y Dorado Schmitt. 

viernes, 13 de enero de 2012

Stephy Haik




Os dejo esta versión en clave de jazz del clásico de Lou Reed 'Walk on the wild side', interpretado por la cantante francesa Stephy Haik acompañada del grupo del percusionista André Ceccarelli.


jueves, 12 de enero de 2012

George Gershwin

   George Gershwin, es si duda el compositor estadounidense más celebre y su música se ha interpretado en las mas diversas situaciones, versiones y escenarios posibles. Desde las salas de conciertos clásicos, hasta los clubes de jazz; desde los teatros de Broadway hasta el escenario hollywoodense. A principios de los años veinte, Paul Whiteman, un director de orquesta de la época del swing, popularizó su famosísima "Rhapsody in Blue", punto de partida de sus composiciones a las que seguirián en cascada otros éxitos como "An American in Paris", o la ópera "Porgy and Bess" versionada espectacularmente por la genial pareja de cantantes de jazz, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald. 
 George Gershwin, es conocido ampliamente por sus numerosísimas canciones y composiciones - con letra de su hermano Ira Gershwin, en su mayoría- que han pasado a formar parte del acervo cultural de la humanidad. Entre ellas hay que destacar forzosamente: "The Man i Love"; "Love Is Here to Say"; "Lady be Good"; "I Got Rhythm", y que junto a las composiciones de Cole Porter, Richard Rodgers, o Jerome Kern, han sido versionadas hasta la saciedad y con maestría por numerosa cantantes y músicos de jazz. En este sentido, es absolutamente destacable el homenaje extraordinario que la cantante de jazz, Ella Fitzgerald, hizo de su música en sus serie de "songbook" titulado: "Ella Sings Gershwin".

miércoles, 11 de enero de 2012

Cole Porter

Cole Porter fue el único hijo que sobrevivió de la pareja formada por Samuel Fenwick Porter, un droguero, y Kate Cole, de familia rica e influyente. 
A los seis años, el joven músico comenzó a tocar el piano y el violín, aunque acabaría decantándose por el primero por considerar demasiado estridente el instrumento de cuerda. Su madre le hacía practicar dos horas diarias de piano. 
En 1905 entró en la Academia Worchester de Massachusetts, donde profesores y alumnos apreciaron con rapidez su carácter alegre y festivo, que a aquellas alturas ya había aprendido de su profesor de música la gran cita de su vida: La letra y la música deben estar tan unidas que parezcan una sola. En Yale se hizo más popular aún que en la escuela. Sus canciones de ánimo para el equipo de fútbol se convertirán en clásicos. Sus primeras obras las compuso para la Asociación Teatral de Yale. 
 Porter se matriculó en Harvard, que pronto dejaría para ir a Broadway. Algunos amigos de Yale le ayudaron a producir su primer espectáculo, See América First, que tras 15 representaciones fue cancelado por un estrepitoso fracaso de crítica y taquilla. Los periódicos fueron implacables con el joven Porter, del que llegaron a decir que mejor haría en marcharse de la ciudad. Y así lo hizo; en 1917 se marchó a Paris donde estudió armonía, contrapunto y orquestación. 
En 1919 conoció a Linda Lee Thomas, con quien contrajo matrimonio. A principios de los años 20, la pareja se dedicó a viajar con una cohorte de mayordomos y una vajilla de plata a cuestas, recorriendo toda Europa y pasando largas temporadas en sus dos residencias fijas de París y Venecia. Conoció a Picasso, Rubinstein, Stravinsky, Hemingway, Scott Fitzgerald, Coco Chanel y Elsa Maxwell. 
 Por aquel tiempo, a Porter se le reprochaba aquella imagen de ocioso rico que de vez en cuando escribía alguna canción para alegrar a sus amigos, pero lo cierto es que se tomaba la música mucho más en serio de lo que parecía. 
De vuelta a Nueva York, en 1924, encontraría su primer éxito en Broadway con Greenwich Village Follies of 1924. Ese mismo año murió su abuelo y su madre le dio una herencia de dos millones de dólares que, sumados al millón que Linda obtuvo con su divorcio, lo convirtieron en extraordinariamente rico. 
En 1927 llegará Revue des ambassadeurs, protagonizada por Irving Aaronson, que haría una de las primeras grabaciones del famoso Let’s misbehave. Los años 30 fueron su década dorada. Obtuvo grandes aplausos con The newyorkers, Gay divorce, Anything goes o Red ot and blue, donde se incluye la canción que da título a la película biográfica del compositor, De Lovely, dirigida por Irving Winkler, . Pero aquellos maravillosos años se vieron truncados en 1937, cuando cayó de un caballo y quedó prácticamente paralítico. Los médicos decidieron que era más prudente amputarle las piernas, pero su madre y su esposa se negaron. Sabían que la amputación acabaría con él. Después de más de 30 operaciones, siguió con sus piernas, pero sufrió un continuo dolor que no desapareció hasta su muerte. 
En los años 40 verían la luz éxitos como Panamá hattie o Let’s face it. Vivía ya en Hollywood. Su mujer, a la que no le gustaba el cine, seguía en Nueva York. En 1946, Michael Curtiz decide hacer una película sobre su vida, obviando su homosexualidad. Gary Grant, a quien Porter consideraba uno de los hombres más atractivos del mundo, encarnó al músico en una cinta aburrida. Por entonces se pensaba que el dandi de Indiana estaba acabado, pero en 1948 apareció Kiss me Kate, espectáculo basado en La fierecilla domada de Shakespeare que llegó a representarse más de 1.000 veces. Poco tiempo después mueren su madre y su mujer, y Porter cae en una profunda depresión que es tratada con electroshocks. En 1956 recibe el Oscar a la mejor canción por True love, de Alta Sociedad, una película en la que colaboraron Louis Armstrong y Frank Sinatra, sus cantantes favoritos. Dos años después le sería amputada una de sus piernas. Hasta su muerte, en 1964, vivió recluido, alcoholizado y solo en su casa de Hollywood.

martes, 10 de enero de 2012

Harold López Nussa

El joven pianista cubano Harold López Nussa recibió el premio Talento de Jazz 2011 que cada año otorga ADAMI, la sociedad francesa encargada de administrar los derechos de los músicos. Harold mereció el galardón, pocas veces otorgado a artistas no europeos, debido a la calidad de sus interpretaciones y al trabajo que ha desarrollado en el trío que conforman su hermano Ray Adrián López Nussa, baterista del grupo, y el contrabajista Felipe Cabrera. El premio abrirá para el joven pianista las puertas de los más importantes eventos jazzísticos de Europa y ya se sabe que este verano su piano sonará en los Festivales de Viena (29 de junio), Juan les Pins (23 de julio), París (24 de julio) y Montreux (10 de agosto)


lunes, 9 de enero de 2012

Toots Thielemans & Erik Satie

Debo de confesar mi debilidad por las Gymnopedias de Erik Satie y más interpretadas de este modo por Toots Thielemans.


domingo, 8 de enero de 2012

Van & Chet

Cuándo se juntan dos tipos raros con tanto talento, hasta de una canción mediocre, y pese a la mala calidad de imagen y sonido, se pueden descubrir obras de arte cómo ésta: 


sábado, 7 de enero de 2012

Morten Gunnar Larsen

Os dejo esta versión del clásico de Franz LIszt en versión rag por parte del músico noruego Morten Gunnar Larsen, especializado en este tipo de música.


viernes, 6 de enero de 2012

Trombone Shorty

Troy ‘Trombone Shorty’ Andrews es un músico nada común. Es capaz de hacer compatible su respeto al jazz clásico con un aderezo de soul, funky y hip-hop. Su hermano mayor fue quien le puso el apodo, cuando a la edad de cuatro años ya desfilaba por las calles de Nueva Orleans tocando el trombón. Troy es el líder de la banda Orleans Avenue, artífice de un disco fantástico y sobresaliente, ideal para aquellos que gusten del vibrante sonido de los instrumentos de viento. Troy es uno de los graduados en el New Orleans Center for Creative Arts, escuela por la que pasaron Wynton y Branford Marsalis, Nicholas Payton y Harry Connick Jr. En definitiva, aroma de la gran música que se respira en la ciudad más musical del mundo y descarga total de ritmos que te acercan a la tradición, pero desde un punto de vista renovador y explosivo.

jueves, 5 de enero de 2012

Zimbo Trio

El Zimbo Trio es un grupo instrumental brasileño de bossa nova, creado en 1964 en São Paulo, y que originalmente incluía a Amilton Godoy (piano), Luis Chaves (contrabajo) y Rubinho Barsotti (batería). Fue uno de los más influyentes grupos brasileños de la segunda mitad del siglo XX.

Su presentación se produjo en el “Boate Oásis”, el 17 de marzo de 1964, con la participación de la cantante Norma Bengell. una de las canciones que tocaron, fue "Consolação", de Baden Powell y Vinicius de Moraes. En 1965, el Zimbo Trio se convirtió en la banda fija del programa “O Fino da Bossa” (TV Record), presentado por Elis Regina y Jair Rodrigues. En 1968, el Zimbo Trio ofreció un concierto antológico en el Teatro João Caetano.

En 2007 falleció el bajista Luiz Chaves, uno de los fundadores del Zimbo Trio. Itamar Collaço (bajo eléctrico) se hizo cargo de su puesto, aunque en 2010 fue reemplazado por Mario Andreotti.

Actualmente, el Zimbo Trio está integrado por Amilton Godoy (piano), Mario Andreotti (bajo) y Percio Sapia (batería), quien había sido alumno de Rubens Barsotti. El repertorio se compone de composiciones de Amilton.

A lo largo de sus 45 años de historia, han editado 51 álbumes.

Os dejo un  vídeo junto al saxofonista Lee Konitz viejlo conocido de este blog.


miércoles, 4 de enero de 2012

James Blood Ulmer


James Blood Ulmer nació en 1942 St. Matthews,  Carolina del Sur, ya desde pequeño participaba como guitarrista en el grupo de Gospel The Southern Sons. En 1959 sde mudóa a Pittsburg como músico profesional y militó en bandas orientadas al ógano. Entre 1967 y 1971 vivió en Detroit antes de mudarse definitivamente a Nueva York. dónde durante 9 meses actuó cada noche en el mítico Minton's Playhouse.. En  1973 tocó durante breves periodos sucesivos con Art Blakey, Paul Bley, Larry Young y Joe Henderson, tomó clases con Ornette Coleman y actuó finalmente con él en 1974 e el "Ann Arbor Jazz and Blues Festival". Grabó varios discos y realizó giras con Colemans Prime Time, que le dieron a conocer en tambien en Europa. A partir de 1980 formó su propio grupo, ya en su faceta de compositor basado en conceptos armónicos de Coleman y una especie de Jazz-funk abstracto. Durante los años 80 colaboró con George Adams y la Music Revelation Ensemble compuesta por entre otros Pharoah Sanders, David Murray y John Zorn.

Os dejo este vídeo junto a Pharoah Sanders.



martes, 3 de enero de 2012

Ilhan Ersahin

Ilhan Ersahin nació en Suecia, se creció en Turquía y ahora vive en Estados Unidos. Por obvias razones, su música tiene mucho de turco y eso se vio reflejado en sus tres primeros trabajos en solitario: Home (1997), Our Song (1998) y Virgo (2000). Justo en ese año fundó el grupo Wax Poetic en Nueva York, para interpretar una llamativa mezcla de funk-fusion, free-jazz y trip-hop en la funcionó muy bien la pianista Norah Jones, hija de Ravi Shankar. Los siguientes discos del noneto (Nublu Sessions, Copenhagen, Brasil e Istambul) le permitirían a Ersahin alcanzar la madurez musical y el estilo de jazz euroasíatico que había buscado desde su adolescencia. Pero no conforme con todo ello, trabajó en proyectos paralelos como el Love Trío, el conjunto Wonderland, el ensamble Nublu Orchestra y el grupo Our Theory, que organizó en 2006 con la ayuda de su amigo, el trompetista suizo, Erik Truffaz. Este nuevo disco, Ilhan Ersahin's Istambul Sessions, vuelve a tener a Truffaz entre sus invitados con el apoyo de Alp Ersonmez en el bajo, Izzet Kizil en la batería y Turgut Alp Bekoglu en la percusión. El resultado es como si un eco de Miles Davis y Cannonball Adderley cubriera un gran toque colectivo de djembe. Pero ahí no termina esta historia. Ersahin creó en 2002 Nublu, una firma con la que intenta agrupar a todos los interesados en este estilo de música. Primero fue el sello discográfico, luego la tienda de discos y merchandising, y finalmente el club, uno de los más reputados del East Village neoyorquino. Ilhan Ersahin's Istambul Sessions está incluido en la lista de los Future Beats de Gladys Palmera.

lunes, 2 de enero de 2012

Mezzoforte

Mezzoforte (del italiano mezzo, medio, y forte, fuerte) es un término utilizado en notación musical para indicar una determinada intensidad en el sonido, es decir, un determinado matiz. Mezzoforte es tambíen el nombre de esta banda islandesa dedicada al jazz-funk instrumental. 

domingo, 1 de enero de 2012

Django Reinhardt

Empezaremos el año con uno de los grandes y más influyentes guitarristas de la historia, Django Reinhardt. Este magnífico vídeo argentino nos descubre la vida del creador del jazz manouche.