miércoles, 31 de octubre de 2012

Big Joe Turner

Joseph Vernon Turner Jr, conocido como Big Joe Turner (Kansas City,18 de mayo de 1911 - Inglewood, 24 de noviembre de 1985) fue un cantante de blues y pionero del rock and roll estadounidense.
Su carrera comienza a principios de los años 1930 dentro de la influencia del jazz de Kansas para evolucionar al boogie-woogie al final de esa década en Nueva York. En los años 50 alcanzaría su mayor fama con las primeras grabaciones de rock and roll, destacando su tema "Shake, Rattle and Roll".

Durante las décadas de los 60 y los 70 aparece en muchos festivales, realizando grabaciones en la Pablo Records. También trabajó con el pianista alemán Axel Zwingenberger.

En 1983, sólo dos años antes de su muerte, Turner fue investido en el Blues Hall of Fame.

martes, 30 de octubre de 2012

Louis Jordan



Louis Jordan (Brinkley, 8 de julio de 1908 - 4 de febrero de 1975) fue un saxofonista y cantante estadounidense de blues, uno de los pioneros del jazz y del rhythm and blues.
Biografía

Su padre, líder de la orquesta Rabbit Foot Minstrels, le enseñó a tocar el saxo y, siendo adolescente, permitió que se uniese a la misma durante los veranos. Más tarde, tocaría también con otras orquestas como las de Ma Rainey y Kaiser Marshall.

En 1932 se instala en Filadelfia y se une a la orquesta de Charlie Gaines. Tres años después se traslada a Nueva York y allí, en 1936, se incorpora a la Savoy Ballroom Orchestra de Chick Webb, actuando como saxofonista y cantante, en este caso entrando en competencia con Ella Fitzgerald.

Desde 1938 tocó habitualmente en el local Elk's Rendezvous de Harlem y formó un grupo que grabó para Decca primero bajo el nombre Elks Rendezvous Band y en 1939 como Tympany Five.

En 1941 graba I'm Gonna Move To The Outskirts of Town y vende un millón de copias. Durante la década actúa en varias películas y graba más discos.

Aunque en adelante su popularidad disminuyó, Jordan no dejó de tocar, tanto formando una big band propia como cambiando sucesivamente de discográfica (Aladdín, Mercury, RCA) en un intento de recuperar su sitio en el mundo de la música.

Murió de un infarto.

Estaba loco por él. Louis Jordan era una de mis referencias como saxofonista. Él, y Coleman Hawkins,, y Don Byas, Charlie Parker.......todos esos grandes de nuestra música. Sin embargo no muchos de se acuerdan hoy de Louis Jordan, y no entiendo por qué. Jordan era un ídolo para todos nosotros y, como saxofonista, era grande. Tenía esa fuerza que siempre he tratado de reproducir en mi música. Era un grande de verdad.
Sonny Rollins

lunes, 29 de octubre de 2012

Sonny Terry & Brownie McGhee



Brownie McGhee, cuyo nombre de nacimiento era Walter McGhee, fue un guitarrista y cantante de blues, nacido en Knoxville, Tennessee, el 30 de noviembre de 1915, y fallecido en Oakland, California, el 16 de febrero de 1996.

McGhee, paralítico de la pierna derecha, aprendió a tocar la guitarra de su padre, quien le enseñó el típico estilo fingerpicking propio de los Apalaches. Abandonó su casa con sólo diez años y se dedicó a tocar en espectáculos de minstrel y medecine shows. Durante los años 1930, McGhee formó una banda propia, con dos guitarras, armónica y washboard. En una de sus actuaciones, Bull City Red les presentó a Blind Boy Fuller y a Sonny Terry. McGhee siempre mostró una especial admiración por Fuller, hasta el punto de que, tras la muerte de éste, realizó algunas grabaciones bajo el nombre de Blind Boy Fuller II, en un claro estilo Piedmont.

Al fallecer Fuller en 1940, McGhee se fue a Nueva York, con Sonny Terry. A partir de este momento, las carreras musicales de Terry y McGhee están unidas, en el dúo "Sonny & Brownie", una de las formaciones más estables y exitosas de la historia del blues, realizando un gran número de grabaciones. Cuando, en los años 1960, su blues rural comenzó a perder el favor del público negro, Sonny & Brownie fueron acogidos por el público folk y por el público europeo.

A comienzos de los años 1980, Terry y McGhee se separaron, después de un período de creciente desafección. McGhee se instaló en Los Ángeles, donde siguió tocando de forma esporádica, hasta su fallecimiento.

domingo, 28 de octubre de 2012

Jimmy Rushing

Perteneciente a una familia de músicos - su padre era trompetista, y su madre y su hermano cantantes- Jimmy Rushing (1903-1972) aprendió a tocar el violín y el piano y estudio música en una escuela de su ciudad natal. Debutó profesionalmente en 1923 como cantante en California, acompañándose el mismo al piano, aunque ocasionalmente su pianista fue el mismísimo, Jelly Roll Morton.

En 1925, conoció a Walter Page y realizó una gira con la compañía de la Belly King Revue. En 1927 entró en los "Blue Devils" de Walter Page, con el que permaneció dos años, para después pasar al lado de Bennie Moten, con el que estuvo como cantante de su bigband desde 1929 hasta 1935. A la muerte de Moten, el pianista, Count Basie, se hizo cargo prácticamente de los músicos y formó una de las mejores bigband de toda la historia del jazz, la "Count Basie Orchestra", modelo imitado hasta la saciedad por infinidad de músicos que vieron en esa bigband, el modelo por antonomasia de la orquesta de swing. Con la orquesta de Count Basie, Jimmy Rushing estuvo hasta 1950, siendo, junto con Joe Turner, el mejor vocalista que pasó por la bigband de Basie.

Jimmy Rushing, formó su propio grupo y con él se presentó en los mas famosos clubes de New York y en las mejores salas de bailes, entre ellas la "Savoy Ballroom". La popularidad adquirida como cantante de blues en la banda de Basie, le permitió ser contratado para cantar en festivales de jazz como el de Newport y Monterrey en los Estados Unidos, y realizar sus primeras giras por Europa donde llegó por primera vez en 1957 con el grupo ingles de Humphrey Littelton, en 1958 con la orquesta de Benny Goodman y al año siguiente con el trompetista Buck Clayton y sus "All Stars". Los años sesenta comenzaron para él, en una gira por Australia y Japón y de vuelta a América, consiguió un contrato estable para cantar en el Half Note acompañando a los saxofonistas, Zoot Sims y Al Cohn.

Apodado por sus compañeros como "Mister Five by Five" - cinco de alto por cinco de ancho, en razón de su corpulencia -, con fama de tacaño y comilón, este orondo cantante tenía un sentido natural para cantar el blues y junto a Joe Turner o Jimmy Witherspoon, fue el cantante de blues mas importante de la historia. De su importante discografía para los sellos "Vanguard" y "Columbia", fundamentalmente, destaca su álbum titulado "The You and Me that Used to be", (Bluebird-RCA, 1971) declarado mejor disco del año por la prestigiosa revista especializada Down Beat. También es muy destacable su participación en dos importantes programas televisivos dedicados al jazz. "The Sound of Jazz" dirigido por Jack Smight en 1957 para la serie dedicada a las Artes y en la que también participaron entre otros, Lester Young, Billie Holiday, Count Basie y Coleman Hawkins, y el producido por el critico, Leonard Feather en 1967 denominado, "Feather on Jazz"

Jimmy Rushing, murió de leucemia en 1972 y su estilo, inconfundible desde la primera nota audible, fue extraordinario.


sábado, 27 de octubre de 2012

Roosevelt Sykes



Roosevelt Sykes apodado como Honeydripper fue uno de los pianistas más influyentes del Boogie-woogie. 
Siempre será recordado por sus letras de doble sentido, dentro de un lenguaje muy subido de tono, con un fuerte golpeo de teclas al piano que lo hacían muy dinámico, o por su gran adición al tabaco de mascar. 
Nacido en Elmar, Arkansas un 31 de enero de 1906, a la edad de 15 años decide abandonar el hogar para recorrer los caminos en busca de la fama dentro del mundo del Blues. 
Su técnica a la hora de tocar el piano fue comparada con la de Barrelhouse, aderezándola con las letras cargadas de sexo explicito. 
Roosevelt Sykes fallece en New Orleans un 17 de julio de 1983, debido a un ataque de corazón.
 

viernes, 26 de octubre de 2012

Lonnie Johnson

Alfonzo "Lonnie" Johnson (8 de febrero de 189416 de junio de 1970) fue un cantante y guitarrista de blues y jazz estadounidense nacido en Nueva Orleans, Luisiana. Fue un pionero en la utilización de la 'jazz guitar' y en los solos de guitarra de una sola cuerda.
Perteneciente a una familia de músicos, Johnson estudió violín y guitarra en su infancia, concentrándose en su carrera musical años más tarde. Una gira musical por Inglaterra, en 1917, puede que le salvara la vida ya que a su regreso a Nueva Orleans, en 1919, la mayor parte de su familia había fallecido debido a la Gripe española de 1918.

En los primeros años de la década de 1920, Johnson trabajó con las orquestas de Charlie Creath y Fate Marable, trasladando su residencia en 1925 a San Luis (Missouri). En este periodo ganó un concurso de blues organizado por la compañía discográfica Okeh Records, fruto del cual realizó una serie de exitosas grabaciones entre 1925 y 1932, incluyendo duetos de guitarra con Eddie Lang y duetos vocales con Victoria Spivey. En la década de 1920, Johnson trabajó esporádicamente en grabaciones de Louis Armstrong and his Hot Five, la orquesta de Duke Ellington, y 'The Chocolate Dandies', intepretando solos en guitarras de doce cuerdas de una forma innovadora; la forma de tocar de Lonnie influenciaría a futuros guitarristas de jazz como Charlie Christian y Django Reinhardt.

La carrera musical de Lonnie Johnson estuvo llena de altibajos, los cuales solían apartarle de la música: llegó a trabajar en fundiciones de acero y limpiando suelos. En 1959, trabajaba en el Hotel Benjamin Franklin, en Filadelfia, cuando conoció al Disc jockey Chris Albertson; Albertson organizó un espectáculo para Lonnie en el Playboy Club de Chicago, espectáculo que marcaría el regreso de Lonnie a la música. Posteriormente, realizó interpretaciones con la orquesta de Duke Ellington y con estrellas de música folk en el Town Hall de la ciudad de Nueva York. Lonnie Johnson realizó giras musicales por Europa, además de grabar para el prestigioso sello discográfico Bluesville Records con Elmer Snowden y con su compañera vocal Victoria Spivey.

Lonnie Johnson falleció en Ontario, Canadá, debido a una serie de complicaciones por un accidente de tráfico ocurrido en 1969. En 1997 fue elegido para el 'Louisiana Blues Hall of Fame' a título póstumo.

Una de las primeras grabaciones de Elvis Presley corresponde a una balada blues de Lonnie Johnson, "Tomorrow Night", la cual fue grabada también por LaVern Baker.

Bob Dylan escribió acerca del método de interpretación de Lonnie Johnson en el primer volumen de sus memorias, "Chronicles".


jueves, 25 de octubre de 2012

Texas Alexander

Alger "Texas" Alexander (12 de septiembre de 1900 - 16 de abril de 1954) fue un cantante de blues estadounidense nacido en Jewett, Texas.

Fue un hombre de baja estatura con una gran y profunda voz, iniciando su carrera musical en las calles, fiestas locales y picnics de las zonas bajas de Brazos River, donde trabajó con Blind Lemon Jefferson. En 1927 realizó sus primeras grabaciones, las cuales continuaron en la década de 1930; en este periodo realizó grabaciones para las discográficas Okeh Records y Vocalion Records en las ciudades de Nueva York, San Antonio y Fort Worth.

Alexander no tocaba ningún instrumento musical pero trabajó a lo largo de los años con músicos como King Oliver, Eddie Lang, Lonnie Johnson, Mississippi Sheiks y su primo Lightnin' Hopkins; así mismo, solía cantar en los ritmos libres de las canciones de trabajo.

En 1939, Alexander asesinó a su mujer, siendo condenado a cinco años de prisión en la penitenciaria de Paris, Texas, desde 1940 hasta 1945. Tras cumplir su condena, volvió a las interpretaciones y grabaciones hasta su fallecimiento por sífilis en 1954.

miércoles, 24 de octubre de 2012

El suicidio más largo del mundo


Quienes conocieron bien a Bill Evans aseguran que durante sus últimas semanas de vida se alimentaba prácticamente de caramelos. Había decidido, tras una sucesión de hechos desgraciados de los que pensó que nunca se recuperaría, renunciar a la vida. Tenía 50 años, y optó por abandonarse definitivamente en brazos de la heroína, la cocaína y el alcohol (con los que había mantenido una larga relación de encuentros y desencuentros) y comenzó entonces lo que algunos han descrito como “el suicidio más largo del mundo”.

martes, 23 de octubre de 2012

Bill Evans Trio at Shelly's Manne Hole




A Bill Evans se le define en Vida y música... como un ser obsesivo, fóbico, retraído, arisco, introvertido, huraño, inseguro y autodestructivo. En su carrera, pasó de ser un músico clásico que interpretaba jazz -era un experto intérprete de Liszt, Chopin, Milhaud, Rachmaninov, Robert Schumann, Debussy, Ravel...- a estar considerado como un insustancial "pianista de salón" -acusación que se mantuvo constante hasta bien entrados los años sesenta- y como uno de los dos pianistas más influyentes del jazz contemporáneo, junto a Thelonious Monk, a partir de su descubrimiento por las nuevas generaciones de aficionados. El último romántico del jazz luchó a brazo partido por mantener sus señas de identidad: esa "pasión fría" que partía de un sonido y un tiempo únicos e intransferibles: "Me saca de quicio que la gente quiera analizar el jazz como si fuera un teorema intelectual. No lo es. Es sentimiento".

lunes, 22 de octubre de 2012

Danny Boy


"Danny Boy" es el título de la canción más representativa de la cultura irlandesa. Aunque el origen de la música es incierto y se atribuye a diferentes autores irlandeses, corresponde a una antigua tonada conocida como el 'Aire de Londonderry' o el 'Aire del Condado de Derry', en referencia a la ciudad en el norte de Irlanda. El registro más antiguo de dicha tonada se remonta a 1855.

En 1910 el abogado, músico y escritor inglés Frederic Edward Weatherley (1848-1929) de Somerset compuso la canción Danny Boy asociada a otra música diferente. Dos años después su cuñada Margaret, que había emigrado a Colorado, Estados Unidos, con su marido le remitió la música del 'Aire de Londonderry' que había escuchado a unos buscadores de oro. Weatherley adaptó inmediatamente su canción a la nueva música y la publicó en 1913, convirtiéndola en un gran éxito. Aunque la melodía había sido grabada con anterioridad, la primera grabación de la canción tal y como se conoce hoy en día se debe a la cantante de ópera Ernestine Schumann-Heink en 1915.

La canción es considerada casi un himno irlandés, especialmente para los irlandeses norteamericanos, en cuyos funerales no suele faltar.
La mejor versión que conozco, es ésta interpretada por el maestro Bill Evans, aunque la de Eva Cassidy, más de acuerdo a lo esperado por el Sinn Fein, tampoco está nada mal.


domingo, 21 de octubre de 2012

Jeremy Steig

Proveniente de una familia de artistas, el padre un famoso caricaturista y su madre jefa del departamento de arte del Lesley College, las posibilidades de que el joven Jeremy siguiera el camino del arte eran muy altas.  El origen de su inclinacion por la musica lo desconozco, el de su otra pasion, la pintura y el dibujo si provienen de la influencia de su padre. Jeremy Steig es hoy tan respetado como musico, tanto como artista plastico, aunque logicamente sus aportes mayores estan dentro del ambiente musical.
Su primer registro como lider,  Flute Fever (Columbia Records 1963), marco la pauta de la flauta como instrumento dentro de la musica improvisada, pasando a ocupar, tanto él como su instrumento, un lugar de privilegio en la consideracion de colegas, publico y criticos.
Y en lo que respecta su papel como artista plastico su exposicion en la muestra de arte en Yokohama, en 2004, momento en el que tambien se llevaba a cabo el Yokohama Jazz Promenade, marco el inicio de una serie de muestras por principales galerias de EEUU y Japon.
El joven Jeremy se inicio con Paige Brook de la Filarmonica de New York a los once años, mas tarde se inscribe en la Escuela Superior de Música y Arte de New York y siempre por influencias y recomendaciones de su primer maestro se acerca al jazz y la musica clasica, mientras que tambien hace de las suyas con “Jeremy and the Satyrs” una banda de jazz-rock que lidera por aquellos primeros años, como tambien la participacion en  What’s New (Verve 1969) junto al genial Bill Evans con quien compartio una temporada, tocando ademas en el  Bleeker Street Club con Paul Bley y Gary Peacock.
A los 19 años sufre un accidente de moto en Bermudas que le paraliza la mitad de su rostro, luego de seis meses y varias cirujias milagrosamente comienza a tocar de nuevo. Lo hace aun con dificultades pero ayudado con una boquilla especial de su propia invencion con la que grabo dos discos, el hoy disponible Flute Fever y Jeremy & The Satyrs (Reprise, 1968), luego su total recuperacion obligaria a dejar la boquilla adaptada.
A lo largo de su carrera a tocado con Jimi Hendrix, Tim Hardin, Jim Hall, Big Joe Williams, Junior Wells, Eddie Gomez, David Amram, Art Blakey, Paul Bley, Joe Chambers, Jan Hammer, Johnny Winter y Tommy Bolin, entre tantos otros destacados…


sábado, 20 de octubre de 2012

William Claxton / The Prisoner (una foto y una tragedia)


Autor : William Claxton
“La foto es famosa y la historia de cómo se hizo también lo es. En pocas palabras: me llamaron de la discográfica para que fuera a su casa en Los Ángeles a hacerle unas fotos. Era una casa parecida a las que se ven en la foto, estaba situada en lo alto de una colina con una subida muy pronunciada. Cuando llegué a su casa, estaba esperándome, perfectamente vestido y afeitado. Esa misma mañana acaba de salir de la cárcel. Me ofreció una coca cola pero casi no podía abrirla y se cortó la mano (por eso esconde la mano en la foto). Se disculpó: ‘estoy muy nervioso, espero a mi contacto’. Es lo primero que hizo tan pronto como estuvo en libertad, llamar a su camello para asegurarse su dosis. Había seguido consumiendo mientras estuvo dentro. En la cárcel estaba considerado como una celebridad y obtenía toda la droga que quería. Al final, el contacto llegó y ya pudimos hacer el resto de las fotografías. Art era un hombre muy dulce. Le pregunté por su vida en prisión y me contestó: ‘No está tan mal; la verdad es que me cuidaron bastante bien. No me importaría volver’. Yo no daba crédito a lo que oía: ‘es que allí me conocen y hasta los guardianes tienen mis discos’. La parte triste de la historia empezó cuando le volvieron a trincar después de seis años. En esa ocasión estuvo preso dos años. Cuando salió, fui a verle para hacerle unas cuantas fotos para un nuevo disco y esta vez tenía un aspecto terrorífico. Le pregunté cómo le había ido y me dijo: ‘ha sido lo peor del mundo’. Me contó que, entre la anterior detención y esta, habían cambiado al personal y entre los nuevos nadie le conocía y, desde luego, nadie tenía sus discos, ‘he sido tratado como un preso más’. Y lo peor: había comprendido que su momento había pasado. Era un músico al que muy pocos conocían. Lo que siguió fue una vida terrible”. 
William Claxton
Fuente

viernes, 19 de octubre de 2012

Gigi Gryce

Gigi Gryce, nacido George Grice en Pensacola en 1925 (y no en 1927, como figura en muchas enciclopedias), ingresa en 1951 en el Conservatorio de Boston (donde ha estudiado teoría y composición con Alan Hovhaness y Daniel Pinkhalm y ha tomado lecciones con Margaret Chaloff, madre de Serge) y ese mismo año es convocado por Stan Getz como arreglista de su cuarteto, al que aporta temas como “Mosquito Knees”, “Wild Wood” e “Yvette”. Entretanto, compone tres sinfonías, un ballet (The Dance of the Green Witches), un poema sinfónico (Gashiya-The Overwhelming Event), además de varios cuartetos para cuerdas, sonatas y música de cámara. En 1952 obtiene una beca Fulbright y marcha a París, donde estudia con Arthur Honnegger y Nadia Boulanger. Debe abandonar los estudios debido a una enfermedad y, en 1953, se instala en Nueva York. Comienza a colaborar como arreglista con Howard McGee (Shabozz), Max Roach (Glow Worm) y Art Blakey (Blakey) y se une a la orquesta de Tadd Dameron a tiempo para participar en A Study in Dameronia. Meses después es contratado por Lionel Hampton, que está a punto de emprender su legendaria gira por Europa. En la orquesta se encuentra con varios colegas que en adelante marcarían su vida musical, en especial Benny Golson, el citado Art Farmer y Clifford Brown. Justamente éste, con quien ya había coincidido en la orquesta de Dameron, lo convoca antes de la gira para grabar Memorial Album, al que aporta “Hymn of the Orient”, que quedará excluido de la configuración final a pesar de ser uno de los grandes temas de Gryce y contener una de las mejores intervenciones de Brownie en todo el álbum.

Ya en París, y contraviniendo las órdenes de Hampton, que conduce a sus músicos con mano de hierro y no quiere distracciones, Brown y Gryce deciden dar rienda suelta a su individualismo aceptando la invitación del pianista Henri Renaud para grabar (el 29 de septiembre y el 8 de octubre de 1953) en el sello Vogue con su trío, del que forma parte el exiliado guitarrista Jimmy Gourley y al que se suma el contrabajista Pierre Michelot. Gryce aporta cuatro composiciones, “Salute to the Bandbox”, “Strictly Romantic”, una preciosa balada donde demuestra su extraordinario instinto para la melodía, y dos de sus temas mayores, “Blue Concept” y, sobre todo, “Minority”, donde nos ofrece el que quizá sea el primer gran solo de su carrera, vívido y con inusual mordiente.

De regreso en Manhattan, y tras contraer matrimonio con Eleanor Sears, se instala cerca de donde vive Art Farmer, con quien inicia una productiva y a veces tormentosa relación. Gryce ya se ha hecho un nombre como uno de los más importantes arreglistas y compositores de su tiempo, al menos en en el área de Nueva York (que casi nunca abandonaría dada su fobia a viajar, especialmente tras la muerte de Brown, uno de sus mejores amigos). Sin renunciar del todo a la herencia del bebop, pretende dotar al hard bop de orquestaciones imaginativas en las que ritmo y melodía estén íntimamente relacionadas, dotar de "sustancia", en sus propias palabras, el lenguaje musical, expandirlo sin perder de vista al oyente. Entre mayo de 1954 y octubre de 1955 entra con Farmer en los estudios de Van Gelder para grabar lo que serían When Farmer Met Gryce y The Art Farmer Quintet Featuring Gigi Gryce, ambos para Presige. Las ocho composiciones del primero pertenecen a Gryce, y entre ellas destacan una dinámica versión de “Blue Concept”, así como “Stupendous-Lee”, la distendida “Social Call”, la elaboradísima “Capri” y “The Infant's Song”, una balada en la que el alto de Gigi suena particularmente cool y meditativo. El segundo de los discos mencionados presenta cinco composiciones de Gryce, incluida la paradigmática “Nica's Tempo”, y el resultado general es puro hard bop.

Ese mismo año, y tras intervenir como arreglista en Afro Cuban, de Kenny Dorham, graba para Savoy su primer disco como líder absoluto y titulado, justamente, Nica's Tempo. Lo acompañan, entre otros, Farmer, Thelonious Monk, Horace Silver, Oscar Pettiford, Art Blakey y una orquesta en la que cabe señalar la tuba de Bill Barber y las trompas de Gunther Schuller y Julius Watkins, lo que da una idea de las inquietudes orquestales de Gryce y el impacto que produjeron en él los conceptos estéticos impulsados, seis años antes, por Miles Davis. Asimismo, pone de manifiesto su admiración hacia Monk, a quien acompaña en “Shuffle Boil”, “Brakes Sake” y “Gallop's Gallop” y cuyo espíritu captura con una naturalidad asombrosa en unos solos nerviosos, casi impacientes, en los que destaca su característico vibrato. No será la única vez que Gryce colabore con Monk. En 1957 lo hará en Thelonious Monk with John Coltrane, así como en Monk's Music, con una intervención destacable en “Epistrophy”, donde demuestra que, sin ser un saxofonista excepcional, ha sabido asimilar la impronta de Parker y gestar un sonido amplio que produce en quien lo oye una inquietante expectación. Es el comienzo de un brevísimo y milagroso período para Gryce: colabora con Benny Golson en uno de los mejores discos de éste, New York Scene, que incluye sendas versiones de” B.G.'S Holiday” y “Capri” (un año más tarde se encargaría de los arreglos de Golson and the Philadelphians); interviene en el excepcional Lee Morgan Vol. 3, donde nos obsequia con un incisivo solo en “Hasaan's Dream”; se encarga de los arreglos de Jazz Contrasts, de Kenny Dorham, y participa en The Greatest Trumpet of Them All, de Gillespie, al que aporta cuatro temas y unos arreglos exquisitos, en especial en una inolvidable versión de “Sea Breeze”; integra el decteto de Teddy Charles, uno de los más experimentales de su tiempo; participa como arreglista en Modern Art, de Art Farmer, y como integrante de la orquesta de Oscar Pettiford, con notables  arreglos en “Two French Fries”, “Smoke Signal” y la enésima versión de “Nica's Tempo”, convertido ya en un standard en toda regla; graba para MGM un nuevo disco como líder (recientemente reeditado por Fresh Sound) en el que se atreve con el barítono, el tenor, el clarinete y la flauta y está acompañado por Hank Jones, Milt Hinton y Osie Johnson, etc.

No obstante lo anterior, el mayor logro de Gryce en este período seguramente es la creación, con un jovencísimo Donald Byrd, del Jazz Lab, por el que pasarán, entre otros, Hank Jones, Wendell Marshall, Art Taylor y Paul Chambers. Con él Gryce aspira a llevar a la práctica una poética basada en el rigor y la honestidad, a transmutar la experiencia musical, y todo lo que en ella hay de búsqueda, en puro sentimiento jazzístico. En convertir la modernidad en una nueva espiritualidad que, siguiendo el ejemplo de Parker, deberá gestarse y desarrollarse dentro mismo de los músicos. A semejante credo no debió de ser ajena la evolución ética de Gryce. Perfeccionista, sobrio hasta la austeridad (jamás bebió, fumó o tomó drogas), enemigo acérrimo de la autopromoción y cualquier forma de comercialización del arte, implacable con quienes ignoran la tradición, hacia mediados de los cincuenta se convierte al Islam, cambia su nombre legal por el de Basheer Qusim y crea, en sociedad con Benny Golson, su propia editorial musical, Melotone, mediante la que aspira a defender los derechos de autor de los músicos negros. En este punto, su vida entra en un cono de sombra. Hay quien habla de presiones psicológicas debidas a las coerciones a que lo someten las grandes compañías discográficas, que se niegan a perder el mínimo control sobre sus artistas. Hay quien habla de conductas paranoides, de negarse a atender el teléfono, de negar toda información sobre la marcha de la editorial a su propio socio, Golson. Paradójicamente, hacia el final ya de su carrera, inseguro e inestable como se sentía, todavía nos legaría cuatro discos a su nombre, tres para Prestige con su quinteto, The Rat Race Blues, Sayin' Something y Hapnin's (que a la postre sería el último), y Reminiscin', para Mercury, con su "orch-tette". En los cuatro participa el algo árido Richard Williams y se trata, en todos los casos, de discos excelentes. Puestos a elegir, no obstante, nos quedamos con el primero y el último, en un caso porque Gryce pone de manifiesto (como ya hiciera en el segundo de los discos citados) su profunda admiración hacia el blues como fuente inagotable de experiencia y experimentación, pero sobre todo porque se trata de una obra que gana en profundidad con cada escucha y contiene inmortales versiones de “Strange Feelin'” y “Blues in Bloom”. En el segundo caso, porque, por un lado, es un ejemplo de preocupación de Gryce por actualizar el lenguaje jazzístico y sus elementos constitutivos, en particular el swing, y, por otro, porque contiene momentos paradigmáticamente bellos, como una versión de “Dear Beloved” en la que nuestro hombre se muestra dinámico y hasta alegre como pocas veces, quizá porque se trata de su única colaboración con uno de sus grandes amigos, Eddie Costa, que moriría un año más tarde.

Sin embargo, la frescura que Gryce muestra en Reminiscin' tiene poco que ver con su vida personal. Decidido a luchar por sacar adelante Melotone, concentra todas sus fuerzas en ésta y se retira de la escena musical. No aguantará mucho. Su matrimonio va de mal en peor, la lucha contra las majors se revela demasiado titánica para quien cuenta con la única arma de sus convicciones y es demasiado susceptible para hacer transacciones con la realidad. Mientras Quincy Jones empieza a ganar dinero a espuertas con Ray Charles y la bossa nova, Gryce liquida los derechos de autor a sus compositores, visita Africa, se divorcia, vuelve a casarse y se consagra a la enseñanza en escuelas de Long Island y New York. Dedicará a ello los últimos veinte años de su vida, hasta que en marzo de 1983 el corazón le juegue una mala pasada definitiva en su Pensacola natal. Las enciclopedias hablan de "desaparición", pero el que una escuela del Bronx lleve por nombre Basheer Qusim School debe entenderse como el triunfo de alguien que pretendía hacer de la música una experiencia capaz de convertirnos en seres mejores, de llevar el jazz "al corazón de todos". "No quiero ser un mero destello en la superficie del lenguaje, sino parte de éste" declaró en una ocasión. Gigi Gryce no era un retórico, creía profundamente en lo que decía, en el poder de su arte y sus convicciones. La suya era una batalla perdida de antemano, pero valió la pena librarla.


jueves, 18 de octubre de 2012

ESTO ES JAZZ (Y lo demás es cuento)

¡Un libro en éstos tiempos, y además sobre jazz! ¡Estos romanos están locos!

Para todos aquéllos, que como el que suscribe, el jazz siginifique algo más que una simple música confusa y disonante tocada por negros en garitos y burdeles, y que un acorde del piano de cristal de Evans les acelere el pulso, un lamento de Billie les altere la rugosidad cutánea, un alarido de Coltrane les recorra la médula, un soplo de Miles les arañe el alma, o que el swing de Art les adelante el Parkinson, que del jazz, les interesen hasta los cotilleos anecdóticos, que sientan como propio el lado "jazz" de la vida, sus trágicas historias, su bohemia, su libertad creativa, y en muchos casos su anárquica y romántica forma de sobrevivir, a todos los que en definitiva, iniciados o duchos en el tema, deseen simple información o confrontar sus gustos musicales con los del crítico de jazz del diario EL PAÍS, que se olviden de la prensa cotidiana y lean "Esto es Jazz" los 101 + 101 mejores discos de la historia, ejemplar de obligada lectura y reciente publicación en Alianza Editorial, y cuyo autor es el crítico Chema García Martínez.

Analiza una cuidada selección de 202 discos de jazz, desde el mítico Jelly "Roll" Morton, al vanguardista y actual Joachim Kühn, por cierto autor del impagable prólogo de la obra, en un recorrido docto y apasionado a través de todos los estilos y épocas, poco apto para ortodoxos y fundamentalistas, o quizá imprescindible, debido a  la visión multiangular que el autor nos ofrece.

Encontraréis pistas para enriquecer vuestra colección de jazz, o simplemente completar conocimientos musicales, salpicadas de historias, anécdotas y situaciones, narradas por cronistas alllegados al suceso de una manera u otra, o bien por expertos analistas y críticos musicales.

En fin, una didáctica obra escrita por alguien que no pretende hablar ex-cátedra, pero cuya opinión merece la pena ser escuchada.

Nota : Ni el pedestre diseño de la portada, ni tampoco ésta crítica, rinden justicia al contenido del libro.

P.D. : Si he tenido el atrevimiento de ejercer de crítico literario, creedme que ha sido por hacer llegar a los visitantes de este blog, el mensaje de la publicación de una obra fundamental en la biblioteca de cualquier aficionado al jazz.

Os dejo un pequeño pasaje en uno de los discos seleccionados :  
Cierta noche, un  cliente habitual del Gallery, llegó con un montón de partituras y se las enseñó a John (Coltrane). Se refirió en especial a "My favorite things", diciéndole : "Me parece que esta canción te va a gustar".
Ninguno advirtió que aquella canción inauguraría una nueva área de exploración. John sólo le hizo a la canción unas pocas modificaciones pero, aunque escasas, fueron éstas de capital importancia. La concesión de tanto tiempo a un solo acorde se asemejaba a la música india, en la cual se da forma a múltiples improvisaciones sobre la base de un único acorde.Tras el paso dado con "My favorite things", llegaron otras composiciones con cada vez menos acordes. Contrastaban éstas con las estructuras llenas de acordes de piezas como "Countdown" o "Giant Steps". Acudió al Gallery el intérprete indio de sitar Ravi Shankar. John, McCoy (Tyner) y él hablaron de hacer un elepé juntos. Pero aquel disco no se llegó a grabar.

C.O. Simpkins

miércoles, 17 de octubre de 2012

Chu Berry



Leon "Chu" Berry, fue uno de los primeros y mas grandes saxofonistas tenores nacidos al calor de la influencia del gran maestro, Coleman Hawkins. Supo no obstante crear su propia personalidad y su legado también ejerció una notable influencia sobre generaciones posteriores. Poseedor de un poderosísimo sonido, aprendió a tocar el saxo en el instituto, y en 1929, con 19 años, ya estaba en Chicago formando parte de la banda de Sammy Stewart.

Como muchos otros músicos de provincia, no tardó mucho tiempo en llegar a New York donde Benny Carter le ofreció trabajo. En 1933, se unió a la orquesta de Teddy Hill y en apenas dos años, ya tocaba con las grandas orquestas del jazz negro, incluyendo las dos grandes de la época, la de Duke Ellington y la de Cab Calloway. Conoció al trompetista, Roy Eldridge y ambos se enrolaron en la orquesta de Fletcher Henderson de donde aprendieron a dominar como nadie la sección de vientos. Eldridge se separó de Henderson yéndose a la banda de Benny Goodman y Chu Berry hizo lo propio, incorporándose a la de Cab Calloway.

Allí permaneció hasta su muerte participando en numerosas "jam sessions" con Teddy Wilson o Billie Holiday. Un fatal accidente de tráfico a la salida de una actuación nocturna fue la causa de su muerte. Tenores con Gene Ammons, Dexter Gordon o Ike Quebec, se declararon alumnos de este gran músico.      


martes, 16 de octubre de 2012

Adrián Iaies

Pianista, compositor y arreglador, Adrián Iaies, ha estudiado con algunos de los más importantes músicos de la Argentina, entre los cuales merece destacarse su estrecha relación con Manolo Juárez, su maestro de composición y orquestación durante varios años. Desde el 85' se dedica a la enseñanza de música, tanto en forma particular como dirigiendo talleres de perfeccionamiento docente o dando clínicas y workshops. La combinación de una prolífica tarea y su particular acercamiento al tango y a otras formas de la música popular argentina desde una estética claramente jazzística le ha valido numerosos halagos, dentro y fuera de la Argentina.

     Nominado tres veces a los premios Grammy latinos por sus discos "Las Tardecitas de Minton´s" (2000), "Tango reflections" (2002) y "Las cosas tienen movimiento" (2003), acreedor al Premio Clarín al mejor músico de jazz del 2002, los críticos de la revista española Cuadernos de Jazz votaron a "Las tardecitas de Minton´s" y "Tango reflections" entre los discos del año. El primero de los nombrados representó, además, un suceso en ventas para un disco de jazz en La Argentina. Recientemente recibió el Premio Konex de platino por su tarea artística en la década comprendida entre 1995 y el 2005.

     En octubre de 2000 su trío se presentó en el Festival Internacional de "Los 7 Lagos" de Bariloche , junto a artistas de la talla de Michael Brecker, Dave Holland, Nicholas Payton, John Patitucci, Chucho Valdés, Dino Saluzzi, etc. También en octubre de 2000 participó del "Tercer Festival Argentino-Brasileño de Jazz de New York". Durante febrero del 2001, el trío se presentó en Aspen, Colorado y, luego, en el Miami Film Festival, compartiendo cartel con Bebo Valdes, Cachao, Jane Bunnett, Freddie Cole, entre otros. La revista Down Beat le dedicó una página completa, algo que solo había sucedido antes con Astor Piazzolla o el Gato Barbieri, entre los músicos argentinos.

     En noviembre del 2001 se presentó en "La Semana de Jazz Latino de Madrid" junto a Bebo Valdés, durante la gira de presentación del disco "Tango Reflections" editado por Ensayo, RBA Música, el primero de una serie de tres discos grabados en Barcelona junto a Horacio Fumero, Pablo Mainetti y David Xirgu. También las revistas francesas Jazzman y Jazz Magazine han sido unánimemente elogiosas con su trabajo. En abril del 2002, Adrián Iaies ofreció tres conciertos de piano en el prestigioso Lincoln Center de Nueva York en un espectáculo titulado "Nights of Blues, Habaneras and Tangos", compartiendo cartel con Paquito Echevarria y Arturo O'Farrill, y en julio de ese mismo año presentó su disco "Round Midnight & otros tangos" en el prestigioso Auditorio Kursal, durante el Festival de Jazz de San Sebastián.

     A principio del 2002, en ocasión del Festival de Jazz Internacional de Punta del Este compartió la noche con Toots Thielemans y Kenny Werner. Compartió escenario con: Ron Carter, Stanley Jordan, Yellowjackets, Lee Konitz, Richard Bona y Pedro Aznar, entre otros.  Los críticos de esta misma revista lo han votado en la categoría "Rising Stars" en la encuesta del 2003.    

     Adrián Iaies ha incursionado en el cine, otra de sus pasiones. Compuso la música de "Regresados” y "Tres de corazones”, ambos filmes pendientes de estreno. Y también tiene una participación en "Lifting de corazón” de Eliseo Subiela, y "Tango, un giro extraño” de Mercedes Guevara, ambas ya exhibidas. Por otro lado, y sumado a sus múltiples actividades, Iaies  es el creador y director artístico de SJAZZ, un sello discográfico originalmente desarrollado dentro de EMI ODEÓN pero actualmente independiente que se ha dedicado a la edición de discos de músicos de jazz argentinos.


lunes, 15 de octubre de 2012

Helen Humes

La cantante de blues, Helen Humes (1913-1981), sabía demás tocar el piano y el órgano y participó en la primera grabación de un disco de blues en 1927 con sólo 14 años. En los años treinta trabajó con las orquestas de Stuff Smith y de Al Sear y tuvo la suerte de grabar con la orquesta de jazz del trompetista Harry James durante 1937 y 1938.

Fue en 1938 cuando sustituyó en la orquesta de Count Basie a la inigualable, Billie Holiday, que la había abandonado pocos días antes. Se quedó con Basie hasta 1942 participando como es lógico en infinidad de actuaciones y grabaciones con la misma, junto al gordo cantante, Jimmy Rushing. Inició mas tarde una exitosa carrera californiana como cantante de rhythm and blues. En 1943 vuelve a New York para trabajar con Clarence Love.

En los años cincuenta, el productor Norman Granz la recupera para el jazz y el blues cuando la contrata para la organización "Jazz at the Philarmonic" con quien realizaría además de numerosa giras, un buen numero de grabaciones destacando entre ellas, el disco grabado para el sello Contemporary titulado "Tain't Nobody's Biz-Ness if i do" en 1959. La década de los sesenta empieza muy bien dado que para el mismos ello graba en 1960 el álbum: "Songs i Like To Sings" con arreglos de Marty Paich y solistas de la talla de Ben Webster. Al año siguiente repite éxito y disco con el magnifico "Swingin' with Humes".

Helen Humes, siguió activa hasta el final de la década de los setenta, falleciendo en 1981.
 


domingo, 14 de octubre de 2012

Dick Hyman

Dick Hyman, nació en Nueva York, el 8 de marzo de 1927. Compositor y músico polifacético, virtuoso del piano, y capacitado para tocar todos los estilos del jazz, desde el ragtime, hasta el bebop y de interpretar la música de Scott Joplin o la de Cecil Taylor. Estudió en la Universidad de Columbia y tocó con figuras del jazz de renombre, como Teddy Wilson, Red Norvo (1949) o Benny Goodman (1950).

En los años cincuenta, empezó a trabajar en radio y televisión, donde adquirió más prestigio. En 1976, formó el grupo: "Perfect Jazz Repertory Quintet" y junto a Leonard Feather, colaboró para conferenciar sobre la historia del jazz a la que el le ponía música al piano. Su capacidad creativa y su forma de generar swing, le valió para colaborar en el cine y de forma habitual en las películas del genial director norteamericano, Woody Allen.

Dick Hyman, tiene grabados cerca de una treintena de disco donde repasa hábilmente las distintas etapas del piano en jazz. Sus últimos trabajos fueron junto al trompetista, Ruby Braff en dúo.


sábado, 13 de octubre de 2012

Jessica Williams

Jessica Jennifer Williams (Baltimore, Maryland, 17 de marzo de 1948) es una compositora y pianista estadounidense de jazz, considerada una de las principales pianistas de la escena actual."
Comenzó a recibir clases de piano con cuatro años, y con siete estudió piano clásico en el Peabody Conservatory of Music. Se trasladó a Filadelfia (Pennsylvania) siendo adolescente, y pronto comenzó a tocar en el quinteto de Philly Joe Jones, que había sido baterista de Miles Davis.

En 1977, se trasladó a San Francisco, California, donde tocó en diversas bandas, entre ellas las de Eddie Harris, Dexter Gordon, Tony Williams, y Stan Getz. También fue pianista habitual en Keystone Korner. realizó grabaciones para los sellos Candid, Fantasy, Timeless, Concord, Jazz Focus, Hep, y MaxJazz. Creó su propio sello en 1997, con el nombre de Red and Blue Recordings, donde publicó desde entonces su material.

Ha recibido tres nominaciones a los Grammy, por los discos Nothin' But the Truth (1986) y Live At Yoshi's, Vol. 1 (2004). Su álbum This Side Up (2002) alcanzó el puesto #24 en el Top Jazz Albums de Billboard. En los años 2004 y 2006, ha sido artista invitada en los "Mary Lou Williams Women in Jazz Festivals", que se celebran en el John F. Kennedy Center for the Performing Arts, en Washington, D.C., donde reside actualmente.

viernes, 12 de octubre de 2012

Daniel Humair

Daniel Humair (Ginebra-Suiza 1938) es uno de los músicos europeos mas famosos del jazz y en la batería es una verdadera figura. De claras influencias norteamericanas y concretamente del tipo de jazz que se hacia en los años cincuenta en la Costa Oeste y cuyo máximo representante en la batería fue Shelly Manne.

En 1958 ya participó con mucho éxito en el Festival de jazz de Zurich y eso le permitió ese mismo año grabar con músicos de talla como Don Byas, Guy Lafitte, o Jacques Pelzer. En el invierno de 1958, se desplazó desde Bélgica a Paris, invitado por el saxofonista, Barney Wilen y trabajó con Lucky Thompson, Oscar Pettiford y Bud Powell. En 1960 grabó para el sello "Vogue" el primer disco a su nombre titulado "Hum!!" en formato de trío junto al contrabajista francés Pierre Michelot y el pianista René Urtreger y en 1968, se unió al saxofonista Phil Woods y su grupo: "Phil Woods & His European Rhythm Machine" donde llegó a grabar un disco en 1970 en directo desde el Festival de jazz de Frankfurt.

Su carrera musical ha continuado en esa línea de trabajar con músicos europeos como Martial Sola, Michel Portal, Franco Ambrosetti o Enrico Rava.


jueves, 11 de octubre de 2012

Barney Wilen


De padres y tíos americanos, uno de ellos le regaló un saxo contralto empezando así su afición por la músicas. Vivió con sus padres en América entre 1940 y 1946 y allí empezó a escuchar discos de jazz y a las orquestas que actuaban en la radio. En 1946 decide conocer su país de origen y cruza el charco en dirección a Francia donde no tardó en conocer a los músicos americanos instalados en la capital francesa; así conoció a Sidney Bechet, Ben Webster, Dexter Gordon o Don Byas. Su aparición en el Festival de jazz de Niza, su ciudad natal, fue para él un verdadero éxito y alternó el tocar en los clubes parisinos con la intervención como acompañante de algún músico americano.

Tras una breve estancia en Niza, donde abrió junto con Sacha Distel, Pierre Franzino y Paul Rovere, un club de jazz que tardó poco en cerrar dada la escasa audiencia que tenía, se marchó nuevamente a Paris donde encontró trabajo en las funciones matinales del Club St Germain en compañía de René Urtreger y Sacha Distel. Por aquella época, en 1957, estaba en Paris, Miles Davis grabando por encargo de Louis Malle la banda sonora de la película "Ascenseur pour lÉchafaud". Necesitaban un saxofonista tenor y echaron mano de Barney, quien consiguió ajustarse perfectamente al guión de la grabación. Con posterioridad a la grabación, la compañía realizo una gira por toda Europa que duro hasta 1958. 

Para conocer de cerca la música de Coltrane y Sonny Rollins, Barney Wilen marchó a los Estados Unidos donde en compañía del grupo liderado por Art Blakey, "The Jazz Messengers" grabó la banda sonora del film de Roger Vadim: "Les Liaison Dangereuses" en 1959. También intervino en una grabaciones jamás publicadas deThelonious Monk para la Blue Note. Los siguientes cinco años, Barney Wilen alternó sus trabajos en Paris y New York. En 1969 viajó a África para rodar una película permaneciendo seis años apartado de los estudios de grabación y dedicó los últimos años de su carrera artística a difundir el jazz en todas sus formas.

Escuchad este vídeo acompañado al piano por Mal Waldron en el tema "Ascensor al cadalso".


miércoles, 10 de octubre de 2012

Lena Horne

La bellísima, Lena Horne (New York 1917), no tuvo demasiadas oportunidades para demostrar sus habilidades para cantar. Era negra bajo su piel clara, y el racismo junto a la caza de brujas defendida por el senador McCarthy, se coaligaron para impedir que accediera plenamente al status de estrella del cine.

Sus inicios artísticos comenzaron formando parte del coro de bailarinas del Cotton Club en 1933 y en uno de los shows de la gran Adelaide Hall, se estrenó como cantante con el tema "As Long As i Live", de los compositores, Harold Arlen y Ted Koechler. Ellos mismos suministraban canciones para la gran Ethel Waters y demás cantantes negras. Sin ir mas lejos, "Stormy Weather", de tanta significación en la carrera de Lena Horne, fue uno de ellos. Mayor importancia tuvo su trabajo como vocalista con la orquesta del cantante y líder, Noble Sissle entre 1935 y 1936. Grabaron discos, fueron de giras y el renombre que adquirió le abrió las puertas al mundo negro del espectáculo. La película "The Duke is Tops" y el musical "Blackbirds of 1939" fueron producto de esa fama.

Contratada como cantante por la bigband de Charlie Barnet (1940-1941), sufrió muy pronto la dolorosa experiencia de ser la única mujer negra que viajaba en el mismo autobús de una orquesta blanca. Su primer gran éxito con Charlie Barnet, fue el tema "Good-For Nothin' Joe" grabado para Bluebird en 1941. En el verano de ese mismo año, Lena Horne, es acompañada por una excelente formación de estudio dirigida por el clarinetista y líder de orquesta, Artie Shaw que incluía al trompetista, Henry "Red" Allen, y al saxofonista Benny Carter, como mejores solistas. Al mismo tiempo, su estancia en el Café Society - el mismo club donde se dio a conocer, Billie Holiday- le da la oportunidad de conocer a una audiencia mixta e intelectual, grabando con el pianista, Teddy Wilson, entre otros.

El año 1941, se cierra con su interpretación de "Stormy Weather", una versión menos dramática que todas sus antecesoras pero igualmente efectiva y expresiva. Participó en dos películas dirigidas exclusivamente al emergente público negro y que contaba con actores exclusivamente de color. Fueron: "Cabin In the Sky" de Vicente Minnelli (1942) y "Stormy Weather" de Andrew Stone (1943). Entre sus grabaciones destaca un recopilatorio de un material muy representativo entre 1941 y 1958 para Bluebird-RCA titulado "Stormy Weather" y un disco arreglado por Marty Paich en 1962 para RCA titulado: "Lovely and Alive".

El sistema americano no la dejó ser una gran estrella del cine por el color de su piel, y eso le permitió dedicar todas sus energías en el arte del jazz vocal, algo que sus aficionados siempre se lo agradecerán.


martes, 9 de octubre de 2012

Richard Groove Holmes

Richard "Groove" Holmes (1931-1991) empezó su carrera profesional como pianista, pero tras escuchar tocar al gran organista, Jimmy Smith, adoptó el órgano Hammond como su instrumento. Fue descubierto para el jazz por el pianista de Soul, Les McCann.

En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster.

En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.