sábado, 31 de diciembre de 2011

Count Basie & Oscar Peterson

Despidamos el año con dos de los grandes, Oscar Peterson y Count Basie. A la crisis que le vayan dando, y si no que la arregle Mariano. Por cierto, ¿quien canta en el segundo vídeo?

viernes, 30 de diciembre de 2011

Henri Texier

Termino el ciclo de músicos galos con el contrabajista Henri Texier que es uno de los grandes nombres del jazz francés y europeo. Le avalan más de 40 años de profesional que le han llevado a tocar con grandes clásicos del jazz como Bud Powel o Johnny Griffin o a acercarse al jazz de vanguardia de la mano de, por ejemplo, Don Cherry.


jueves, 29 de diciembre de 2011

Dee Dee Bridgewater

Dee Dee Bridgewater, es una de las realidades tangibles en el mundo del jazz vocal en la actualidad . 
Nacida como Denese Garrett, - adquirió su nombre artístico en 1970 tras su matrimonio con el trompetista Cecil Bridgewater- se incorporó en 1971 a la big band de Thad Jones y Mel Lewis, una brillantísima e innovadora orquesta con la que realizó numerosas actuaciones hasta bien entrado el año 1974. Allí adquirió la formación suficiente para dar un salto de calidad en su carrera y colaborar en los grupos de las figuras consagradas del jazz: Max Roach, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, o Dexter Gordon. 
Entre los años 1974-1976, trabajó en un musical de Broadway titulado: "The Witz" por el que conquistó un importante premio teatral. Esta faceta interpretativa continuó con su participación en la obra de Stephen Sthal, titulada: "Lady Day" interpretando a la mismísima, Billie Holiday, que se representó en Hamburgo, Londres y Paris y en la revista musical "Sophisticated Lady" sobre la música de Duke Ellington. 
Afincada en Paris desde mediados de los ochenta, ha grabado numerosos e importantes discos donde se observa la enorme influencia en su estilo de las cantantes, Nancy Wilson y la propia Sarah Vaughan. Desde el blues al scatt, pasando por los standars o los discos en directo, Dee Dee Bridgewater lleva camino de hacer historia en el mundo del jazz vocal y su último registro en directo en el club Yoshi's de Oakland (San Francisco) es todo un recital de saber cantar.



miércoles, 28 de diciembre de 2011

André Ceccarelli



Siguiendo la semana dedicada al jazz galo, os presento a Andre Ceccarelli (Niza 1955), un musico que ha colaborado con la elite del genero tanto dentro de europa como en america, asi como tambien con musicos de rock, funk y soul, tareas que emprende con total desparpajo y eficiencia ganandose el respeto y la simpatia de todos quienes lo llaman afectuosamente “Dede”.

martes, 27 de diciembre de 2011

Fiona Monbet



Fiona Monbet es una violinista franco-irlandesa afincada en Paris y nacida en 1989, que lleva actuando desde los 8 años.


lunes, 26 de diciembre de 2011

Michel Portal

Voy a dedicar esta semana a presentar a algunos de los músicos franceses actuales más interesantes.
Michel Portal es un clarinetista, saxofonista, bandoneonista y compositor francés, nacido en Bayona el 25 de noviembre de 1935. 
Su formación musical fue totalmente clásica, especializandose en el clarinete, con repertorio de Mozart y Alban Berg, entre otros. Sin embargo siempre había mantenido una clara relación con la música folclórica del País Vasco francés y el jazz. Convertido en uno de los solistas preferidos de los compositores contemporáneos (Pierre Boulez, Stockhausen, etc), a partir de 1971, forma un grupo experimental y abierto, el Michel Portal Unit, con el que se adentra definitivamente en el campo de la improvisación y el jazz. A lo largo de esa década, toca con Martial Solal, Daniel Humair, Jack DeJohnette o John Surman, sin dejar de mantener su propio Unit. En las décadas siguientes, y hasta hoy mismo, 
Portal actúa como free lance, organizando sus propias grabaciones y compartiendo escenario con músicos de todo tipo, siendo especialmente valorados sus trabajos con Richard Galliano y Albert Mangelsdorff. También ha compuesto música para un gran número de films. 
Portal ocupa un lugar especial y peculiar dentro del panorama del jazz europeo. Su reconocimiento sin tacha por el mundo de la música clásica y por el del cine (posee tres "Premios Cesar"), le han permitido adoptar una posición selectiva y sin presión del mercado. Por ello, su música se desarrolla desde un concepto de la improvisación inquieta, la invención y la fantasía, sin reglas preconcebidas. El jazz no es para él más que un estilo entre otros: su objetivo es reinventar la música.


sábado, 24 de diciembre de 2011

A child is born

He aquí la prueba fehaciente de que los villancicos no tienen por que ser necesariamente joviales,  ni a ritmo de panderetas y zambombas.


viernes, 23 de diciembre de 2011

Miroslav Vitouš

Miroslav Ladislav Vitouš , nacido el 6 de diciembre de 1947) en Praga (República Checa), es un afamado bajista de jazz. Vitouš comenzó a estudiar el violín a la edad de seis años y el piano a los diez. A partir de los catorce años comenzaría a tocar el bajo, instrumento que le daría reconocimiento mundial en el mundo de la música de jazz. El virtuosismo de Vitouš es equiparado por la crítica especializada con el de Scott LaFaro, Dave Holland, Niels-Henning Ørsted Pedersen o Christian McBride. Un representativo ejemplo de Vitouš tocando el contrabajo es Now He Sings, Now He Sobs (1968), con Chick Corea al piano y Roy Haynes en la percusión. Este álbum muestra su gran sentido del ritmo y su innovadora improvisación. Su primer álbum como líder, Infinite Search, posteriormente reeditado con pequeños cambios como Mountain In The Clouds, contó con varias figuras clave del movimiento de jazz fusión: John McLaughlin, Herbie Hancock, Jack DeJohnette y Joe Henderson. Fue miembro fundador del grupo Weather Report, y ha tocado junto a músicos como Jan Hammer, Freddie Hubbard, Miles Davis, Chick Corea, Wayne Shorter, Joe Zawinul o Jan Garbarek. Debido a diferencias personales, Vitouš abandonó Weather Report, siendo sustituido por el bajista Alphonso Johnson. En 1988 Vitouš volvió a Europa para centrase en la composición, aunque también continúa tocando su instrumento en festivales.

jueves, 22 de diciembre de 2011

Yaron Herman

Yaron Herman (12 Julio1981) es un pianista de jazzi sraelí afincado en Paris . Paris simepre fue un imán que atrajo músicos de jazz de todas las partes del mundo. Desde hace pocos años reside en la metropoli  gala Yaron Herman, donde ejerce en duo musical de músico junto al percusionista de Toulon Sylvain Ghio. Yatron empezó tarde (16) sus estudios de piano empleando un método basado en la filosofía, las matemáticas y la psicología. Con 19 años se mudó a Boston estudioando en el prestigioso  Berklee College of Music. Está influenciado por Keith Jarrett - con quién le comparan -,  Brad Mehldau, Paul Bley y Lennie Tristano.



miércoles, 21 de diciembre de 2011

Joâo Gilberto

JOÃO GILBERTO es un famoso músico brasileño reconocido como “el padre de la Bossa Nova”. João Gilberto Prado Pereira de Oliveira nació el 10 de junio de 1931 en Juazeiro, Bahía, Brasil. Desde temprana edad, Gilberto sintió el llamado de la música. Su abuelo le compró su primera guitarra cuando tenía 14 años, y al poco tiempo, durante la escuela secundaria, se unió a algunos de sus compañeros de clase para formar una pequeña banda. Gilberto fue influenciado por las canciones populares brasileñas, el jazz americano, e incluso por la ópera.
 En 1950, decidió viajar a la capital de Bahía, Salvador, para probar suerte como cantante de radio. Allí fue reclutado como cantante del quinteto vocal “Garotos da Lua”, y se trasladó a Río de Janeiro. Sin embargo su indisciplina le costó ser despedido del grupo un año y medio más tarde. En la década del cincuenta logró poner en el mercado un par de sencillos que no tuvieron demasiada relevancia, lo que hacía pensar que su carrera como músico estaba llegando a su final. Rara vez conseguía trabajo, y dependía de sus amigos para vivir, llegando a caer en una depresión crónica. Fue rescatado de este bache por Luiz Telles, líder del grupo “Quitandinha Serenaders”, quien lo llevó a Porto Alegre en el sur de Brasil. Allí, Gilberto recuperó el ánimo para reavivar su carrera musical. Pasó luego ocho meses con su hermana en Minas Gerais, en donde trabajó día y noche en un nuevo estilo personal que daría como resultado un sonido que revolucionó a la nación: la “Bossa Nova”. Allí, Gilberto creó una versión refinada de la “Samba”, haciendo énfasis ya no en la percusión, sino en el aspecto melódico y armónico, usando sólo la guitarra como acompañamiento rítmico y melódico, y la voz casi susurrada. En 1959 lanzó el sencillo “Chega de Saudade”, una canción de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, adaptada para su nuevo sonido. La canción se convirtió en un gran éxito que impulsó la carrera de Gilberto, y desató la locura de la “Bossa Nova”. Gilberto se convirtió en un referente de la música brasileña, al punto de ser influencia tanto dentro como fuera de su país. Su nuevo sonido llegó a oídos de gigantes del jazz como Herbie Mann, Charlie Byrd y Stan Getz, quien invitó a Gilberto y Jobim a colaborar en uno de los discos de jazz más vendido de la historia, “Getz / Gilberto” (1963). 
 Músicos de generaciones posteriores como Caetano Veloso y Gilberto Gil, fueron influenciados fuertemente por la música de João Gilberto en el nacimiento de la “Tropicália”, movimiento musical que continuó con la revolución de la “Bossa Nova”. Actualmente Gilberto vive en Río de Janeiro y continúa agotando las entradas en cualquier parte del mundo para sus escasas y esperadas presentaciones.

martes, 20 de diciembre de 2011

Buddy Rich

Hijo de una pareja famosa del vaudeville americano, el baterista, Buddy Rich (1917-1987), a los cuatro años ya participaba en una comedia musical de Broadway. En 1928 dirigió su primera orquesta y diez años mas tarde debutó como baterista en el grupo del saxofonista y clarinetista, Joe Marsala. Ese mismo año fue contratado por Bunny Berigan y en 1939 después de una breve colaboración con Artie Shaw, ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, en la que permaneció hasta 1942 cuando se cambio a la de Benny Carter. En 1944, una vez licenciado del Servicio Militar, Buddy Rich, se reincorporó a la orquesta de Tommy Dorsey, hasta que en 1946 formó su propia orquesta. En 1953, una vez que disolvió su grupo, fue contratado por la banda de Harry James. Al unísono, el productor Norman Granz, lo llamaba de vez en cuando para participar en su formación itinerante los Jazz at the Philharmonic. En el seno del JATP, tuvo ocasión de tocar al lado de casi todos los grandes del jazz en distintos y variados formatos. Acompañó a la batería a Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Art Tatum - con quien grabó un extraordinario disco a trío en su excepcional serie denominada "Art Tatum Group Masterpieces"- Roy Eldridge, y Ella Fitzgerald, entre otros grandes artistas. Una grave crisis cardiaca le obligó a estar retirado de la música durante aun amplio periodo de tiempo, aunque el gusanillo de los palillos, hizo que desobedeciendo los consejos de los médicos, volviera a la actividad formando, primero un pequeño combo y poco después un "All Stars" en una gira de conciertos por Extremo Oriente. En 1961, volvió a la orquesta de Harry James, con la que estuvo hasta 1966 cuando decidió reactivar su propia bigband. A pesar de que el rock y el pop dominaban la escena musical en el mundo, el no se amilanó y utilizó una formula ya empleada por Woody Herman, de crear una banda formada por músicos recién salidos del conservatorio para hacer él de alma mater de la misma, aportando su experiencia, su solidez y su creatividad en la batería. En sus filas se formaron músicos como Art Pepper, Steve Marcus, Mike Manieri, Danny Hayes y Pat La Barbera, entre otros. Buddy Rich, poseía una técnica perfecta, una inventiva inagotable y estaba dotado de recursos físicos que hacía extremadamente difícil superarle en la batería, a pesar de que se enfrentó musicalmente a baterías de la talla de Elvin Jones, Art Blakey, Gene Krupa o Max Roach. Buddy Rich, fue sin duda uno de los escasos baterías blancos de jazz, que tenían la virtud de poseer el "sonido y el toque negro"

lunes, 19 de diciembre de 2011

Alan Pasqua



Alan Pasqua (28 de Junio, 1952 New Jersey) es un pianista, profesor y compositor de jazz, autor de entre otras, la sintonía de las noticas vespertinas de la cadena CBS. Tiene asimismo un largo recorrido en la música rock y pop como miembro fundador del grupo de los años ochenta Giant.
Cursó estudios en la Universidad de Indiana y el Conservatorio de música de Nueva Inglaterra.
Os dejo una versión del clásico "Wichita Lineman"compuesta por Jimmy Webb en 1968, y grabada inicialmente por Glen Campbell antes de ser versionada por multiud de artistas.


domingo, 18 de diciembre de 2011

Toni Harper


Toni Harper (8 de Junio, 1937 ) fue una cantante infantil que se retiró de los escenarios a los 29 años de edad. Después de estudiar danza con Maceo Anderson, fue descubierta por el coreógrafo Nick Castle en 1045. Más tarde actuó con Herb Jeffries y Cab Calloway. Toni Harper grabó en 1946 el disco "Candy Store Blues" por el que recibió un  disco de platino. Después de su gran éxito como cantante infantil, grabó su primer álbum en 1955 para Verve Recordos con el Trio de Oscal Peterson. Hizo dos álbumes más  en 1959 y 1962 con los títulos de Lady lonely y Night Mood para RCA Victor. Harper hizo una gira por Japón con Cannonball Adderley en 1963 y apareció en la película How to Stuff a Wild Bikini en 1965, antes de su retirada definitiva en 1966.


sábado, 17 de diciembre de 2011

Tony Bennett

Anthony Dominick Benedetto, más conocido como Tony Bennett (n. 3 de agosto de 1926, Queens) es un cantante de música pop y jazz considerado el mejor artista del género, en constante comparación con Frank Sinatra.

Tras lograr reconocimiento artístico y comercial en la década de 1950 y los inicios de 1960, sus logros comerciales bajaron durante la época del rock. Sin embargo, Bennett realizó un notable regreso a los escenarios al final de la década de 1980, expandiendo su audiencia hacia una generación más joven, pero sin cambiar su estilo. Se mantiene como un cantante popular  realizando de contínuo conciertos y presentaciones.

Tony Bennett es también un reconocido pintor.

Creció escuchando a Al Jolson, Eddie Cantor, Judy Garland, Bing Crosby, y artistas del jazz tales como Louis Armstrong, Jack Teagarden, y Joe Venuti. Uno de sus tíos era bailarín de tap de vodevil, dándole así su primera vista al mundo del espectáculo.

A los 10 años de edad Benedetto ya se encontraba cantando, presentándose en el Triborough Bridge. Estudió en el High School of Industrial Art de Nueva York, tanto música como pintura (un interés al que regresaría siempre en su vida de adulto), abandonó sus estudios a los 16 años de edad para ayudar económicamente a su familia. Entonces se dedicó a su carrera profesional en la música, presentándose en varios restaurantes italianos en Queens.

Frank Sinatra siempre mantuvo que Bennett era el más grande, y como muestra en los siguientes vídeos le vemos impartiendo clases de jazz a las nuevas generaciones.




viernes, 16 de diciembre de 2011

Uri Caine

Uri Caine (Filadelfia, Estados Unidos, 8 de junio de 1956) es un pianista y compositor, fundamentalmente de jazz.
Se caracteriza por adoptar diversas líneas de producción de música, entre las que destacan: las deconstrucciones de composiciones de música clásica, el jazz propiamente dicho y sus entregas con Bedrock, un grupo formado por Tim Lefebvre (bajo) y Zach Danziger (batería), además del propio Caine.


jueves, 15 de diciembre de 2011

Mulatu Astatke

Mulatu Astatke (el apellido también se escribe como Astatqé) : es un músico y arreglista etíope. Se le considera el padre del Ethio-jazz. Nació en 1943 en la ciudad de Jimma, Etiopía occidental. Su formación musical se realizó en Londres, Nueva York y Boston, donde fue el primer estudiante africano en el Berklee College of Music. Posteriormente combinó la influencia del jazz y la música latina con la música tradicional etíope. .

Trabajó con muchos artistas de jazz influyentes como Duke Ellington durante los años 1970. Tras encontrarse con la banda de Massachusetts «Either/Orchestra» en Adís Abeba en 2004, Mulatu comenzó una colaboración con esa banda que continúa en la actualidad, siendo sus representaciones más recientes en escandinavia en el verano de 2006 y Londres , Nueva York, Alemania, Holanda, Glastonbury (RU), Dublin y Toronto en el verano de 2008. En el otoño de 2008 coloboró con la londinense «Psyche-Jazz collective», con «The Heliocentrics» en el álbum «Inspiration Information Vol. 3» que incluía versiones de sus primeros clásicos del Ethio-Jazz junto con nuevo material tanto de «The Heliocentrics» como propios. El instrumento característico de Mulatu es el vibráfono.


miércoles, 14 de diciembre de 2011

Danilo Pérez

El pianista y compositor panameño, Danilo Pérez empezó su carrera a la edad de 3 años con su padre que es cantante de música Latina. A la edad de 10 años estudiaba el repertorio clásico Europeo en el Conservatorio Nacional de Panamá. Después de recibirse con un grado en electrónica, se ganó una beca para estudiar en Indiana University de Pennsylvania, Estados Unidos, para después transferirse a la prestigiosa escuela de jazz Berklee College of Music. Entre 1985 y 1988, mientras asistía a esta institución educacional, tocó con destacados músicos incluyendo Jon Hendricks, Terence Blanchard, Claudio Roditi y Paquito D’Rivera. A estas actividades se le sumó la producción del aclamado disco Reunión con Paquito D’Rivera y Arturo Sandoval y tocó en el disco de éste último titulado Danzón, con el ganó un Grammy. Desde los años ochenta ha tocado y grabado con músicos destacados del jazz incluyendo Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Núñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Tom Harrell, Gary Burton, Wayne Shorter, Roy Haynes, Steve Lacy, entre otros.

Danilo Pérez atrajo la atención de la audiencia del jazz por primera vez cuando formaba parte de la Orquesta de las Naciones Unidas dirigida por Dizzy Gillespie. En 1993 Danilo se concentró en trabajar con su propios grupos. Como un líder ingenioso y creativo, se destacó una vez mas entre los músicos de jazz por sus discos Danilo Pérez (1993) y The Journey (1994). Este ultimo estuvo dentro de las listas de los mejores álbumes del año. La revista de jazz Down Beat lo nombró dentro de los mejores Cds de la década de los noventa y recibió el premio Jazziz Critics Choice Award. En 1995 Danilo se convirtió en el primer latino que formó parte del grupo de Wynton Marsalis y el primer músico de jazz que tocó con la Orquesta Sinfónica de Panamá. En 1996 grabó su disco Panamonk con el sello Impulse, que además de ser denominado una obra maestra por el New York Times, fue escogido como uno de los 50 discos mas importantes del jazz piano por la revista Down Beat. En 1998 su disco Central Avenue, también con Impulse, ganó su primera nominación al premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Jazz.

Danilo ha dirigido su propio grupo desde 1990 y ha ganado varios premios incluyendo tres nominaciones a los premios Grammy. En el año 2002 recibió una nominación del Jazz Journalist Association por "Mejor Pianista del Año". Motherland, el quinto disco compacto de Pérez fue nominado para dos premios Grammy en las categorías Best Latin Jazz Álbum y fue galardonado Best Jazz Álbum por los Boston Music Awards, además de ser nombrado como una de las mejores grabaciones del año por prestigiosas revistas como el New York Times, Chicago Tribune, San Diego Tribune, Billboard y Jazz Times. Adicionalmente, Danilo Pérez es también un magnifico compositor, y sus obras han servido para varios eventos importantes en el mundo, destacando entre otros, su aportación a los Juegos Olímpicos de 1996 en Atlanta.

Danilo también forma parte del nuevo cuarteto del maestro del saxofón, Wayne Shorter el cual fue elegido Mejor Grupo del Año por la Asociación de Periodistas de Jazz en el 2002 y el 2004, entre otros numerosos premios. Pérez grabó con Shorter en los discos Alegría y Footprints Live!. En este momento Danilo Pérez es Embajador de Buena Voluntad de la UNICEF, Presidente y Fundador del Panamá Jazz Festival, y Director Artístico de la serie Mellon Jazz Up Close Series en el Kimmel Center de Philadelphia. También ejerce como profesor de música en el New England Conservatory y Berklee College of Music en Boston, y continúa sus giras con su trío que incluye el bajista Ben Street y el baterista Adam Cruz.

Danilo Pérez, se encuentra entre los músicos mas destacados de nuestro tiempo. En un poco mas de una década, su distintiva mezcla de Pan-American jazz (el cual cubre la música de las Américas incluyendo el folklore panameño) le reportado un reconocimiento internacional y una audiencia leal en todos los continentes del mundo.

martes, 13 de diciembre de 2011

Rudy Van Gelder

"¿La receta del sonido Rudy Van Gelder? Es fácil. Toma tres o cuatro microfonos alemanes de los caros con marcado brillo en agudos, ponlos bien cerca de los instrumentos, añade algo de distorsión extra conectando un previo de micro barato sometido a saturación a una consola de radio sobrante del Ejército, pon algo de reverb plana cutre. E inmediatamente (y por no buenos motivos), copia el master en una grabadora de cinta Magnatone a +6 [dB], comprimiendo la mierda resultante mientras añades 5 dB a 5000 ciclos a todo. Eso es el sonido Rudy Van Gelder para mi".

Esto dijo Steve Hoffman, antes de darse cuenta de que hubiera sido mejor quedarse callado, del más famoso ingeniero de sonido de la historía del Jazz. El único técnico que compite en popularidad en el mundillo jazzístico con los propios músicos. El Ingeniero de Sonido de Coltrane. Así, con Mayúsculas.

Realmente, el sonido RVG no es precisamente una maravilla desde un punto de vista audiófilo. De hecho está muy lejos de ser consistente de unas grabaciones a otras. No hay más que escuchar como grababa el sonido del piano, ese instrumento del demonio para ser capturado. Ni se oye limpio ni tiene "presencia nítida" y habitualmente aparece con excesiva distorsión en la grabación. Incluso no es raro que el piano esté un poco más que desafinado (esto último no es culpa suya, o al menos no completamente suya). Y en cuanto a la "presencia" en la grabación, parece que no encontró una técnica de ubicación de micrófonos que produjera un buen sonido de piano: ni lejos ni cerca, ni es sonido reberverante ni es sonido directo. Está en un punto intermedio que en este caso no se puede considerar virtud. Reveladora de algunos de los defectos que se comentan es una escucha comparativa entre el sonido de los discos Prestige del Miles Davis Quintet, grabados en otoño de 1956, y la grabación de Art Pepper con la sección rítmica del grupo de Davis en Enero de 1957 para Contemporary Records. Un mismo pianista y dos sonidos de piano técnicamente muy distintos.

También es típica de Van Gelder su tendencia a dejarse sorprender por el ímpetu de los baterias. Elvin Jones, un bateria habitualmente potente, es un ejemplo claro, o también lo pueden ser los típicos "drum-rolls" de Art Blakey en sus discos con los Jazz Messengers. Las grabaciones de batería de Van Gelder son un cántico a la saturación en cuanto la música se muestra energética, algo habitual en el estilo hard-bop que fue el que más grabó.

En cuanto a los instrumentos de viento, les ocurre algo muy similar a lo que se percibe con las baterías. Los graba con el micrófono demasiado cerca para el ajuste de ganancia que maneja, y a veces le da problemas de saturación. El propio movimento de vaiven del instrumentista sobre el microfono en algunas grabaciones se nota para mal: a ratos satura a otros ratos no y el problema resulta molesto porque no es solo cuestión del nivel sonoro emitido. Sobre todo es perceptible en algunos discos de los años 55-57 cuando el saxofonista casi "mete" el micrófono en el pabellon. En las grabaciones de los años 60 este problema parece controlarlo mejor. Una posible comparación sonora podría darse entre los Blue Note donde aparece Coltrane (solo hay un registro como lider, "Blue Train" pero hay varios más como músico de sesión) en la segunda mitad de los cincuenta y el disco del Miles Davis Quintet con John Coltrane para Columbia Records "Milestones".

lunes, 12 de diciembre de 2011

Michael Garrick RIP

Fue, acaso, el más excéntrico entre los excéntricos habitantes del jardín del jazz británico. Un músico intuitivo, individualista y caprichoso, en el más noble sentido de la palabra. La obra de Michael Garrick, pianista, organista y compositor, abre el camino que conduce hasta los actuales abanderados de lo que el propio Garrick definió como la "inglesidad" del jazz, Keith Tippett, Robert Wyatt o Django Bates. Este ilustre pionero, que en 2010 fue nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico, falleció el pasado 11 de noviembre después de una operación de corazón, a la edad de 78 años. Michel Garrick nació un 30 de mayo de 1933 en Enfield, al norte de Londres. Su vida apenas se diferenciaba de la de cualquier otro preadolescente en tiempos de guerra, hasta el día en que un disco de boogie-woogie se cruzó en su camino: "No tenía ni idea de lo que era, solo sabía que yo quería tocar esa música". Alertados ante la posibilidad de ver a su hijo convertido en músico de jazz, los padres de la criatura le inscribieron en el University College de Londres, de donde salió graduado en Literatura Inglesa en 1959. De algún modo, el joven se las apañó para compaginar su recién adquirido amor por Shakespeare con la música del Modern Jazz Quartet, a cuya imagen y semejanza creó su primer cuarteto. En 1958, el refinado y pulcrísimo cuarteto de Michael Garrick actuó en el club Marquee, en el mismo programa que el saxofonista anglo-jamaicano Joe Harriott. La música "multicultural" de este héroe olvidado del jazz abrió los ojos al pianista, cuyo criterio artístico sufrió una mutación drástica. Una década antes del viaje iniciático de los Beatles a India, Garrick inició sus estudios de la música de aquel país, cuyos ritmos y requiebros melódicos incorporó a sus propias composiciones. En 1961, se convirtió en el director musical de Poetry & jazz in concert, un espectáculo músico-poético itinerante ideado por el poeta y editor Jeremy Robson. Cinco años más tarde creó su propio sexteto, del que formó parte la cantante Norma Winstone; acaso el más afinado, y el menos recordado, de los conjuntos de jazz europeo de la época. Junto a todo ello, a finales de la década, Garrick inició una carrera en paralelo como compositor de piezas de temática religiosa para conjunto de jazz y coro: sus Salmos de jazz (Jazz praises). La primera fue estrenada con toda la pompa en el año 1968, en la catedral de San Pablo de Londres. Feroz autodidacta, en los años setenta Garrick recibió sus primeras y últimas lecciones formales de música en el Berklee College, de Boston. En 1985, vio cumplido su sueño de dirigir su propia big band, la cual pudo mantener en activo hasta, prácticamente, el fin de sus días. Le sobrevive su hijo Rafael, guitarrista de flamenco. 
CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ 09/12/2011EL PAÍS.com


domingo, 11 de diciembre de 2011

Hubert Sumlin RIP

El guitarrista de blues Hubert Sumlin murió ayer, 4 de diciembre, en Nueva Jersey, a la edad de 80 años. En 2002 se le diagnosticó un cáncer de pulmón, que en 2004 provocó la extirpación parcial del órgano. En los últimos años, pese a su delicado estado de salud, daba conciertos con la ayuda de una botella de oxígeno. Nacido en Mississipi, Sumlin residió en Arkansas antes de trasladarse a Chicago, ciudad en la que, en 1954, comenzó a trabajar con Howlin’ Wolf, con el que tocó y grabó hasta su muerte, en 1976. Tras esto, comenzó una carrera en solitario. En su disco de 2003 “About Them Shoes” contó con la colaboración de Keith Richards, Eric Clapton, Levon Helm, David Johansen y James Cotton. En 2008, Hubert Sumlin ingresó en Blues Hall of Fame y recientemente la revista estadounidense “Rolling Stone” lo incluyó en la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia. Mick Jagger y Keith Richards, grandes admiradores del guitarrista de blues Hubert Sumlin, van a correr con los gastos de su funeral. Sumlin, que murió el 4 de diciembre a los 80 años de edad, fue durante décadas el guitarrista de Howlin’ Wolf. Toni Ann Mamary, manager y compañera de Sumlin ha escrito en un post: “Solo quería compartir con vosotros, queridos fans de Hubert, que Mick Jagger y Keith Richards han insistido en hacerse cargo de todos los gastos del funeral de Hubert. Dios bendiga a los Rolling Stones”.


sábado, 10 de diciembre de 2011

Wynton Marsalis & the Jazz at Lincoln Center Orchestra

Formación residente del Jazz at Lincoln Center, un prestigioso escenario del jazz en el corazón de Nueva York, la Jazz at Lincoln Center Orchestra reúne a quince de los mejores solistas de jazz. Se trata de una versátil orquesta con un amplio repertorio que incluye piezas de Duke Ellington, Count Basie, Thelonious Monk o Dizzy Gillespie, entre otros muchos. Al frente de la formación está Wynton Marsalis, intérprete y compositor que se unió con solo diecisiete años a los míticos Art Blakey and the Jazz Messengers y que, desde su irrupción en la escena jazzística, se ha convertido en un músico influyente que ha apostado claramente por la tradición.

viernes, 9 de diciembre de 2011

Tommy Flanagan

Tommy Flanagan, conocido especialmente por su brillante y extensa labor como pianista acompañante de la cantante, Ella Fitzgerald, desde los inicios de los años sesenta, gozaba ya de una notable reputación jazzistica a mediados de los cuarenta, época en la que junto a músicos importantes del bebop como Dexter Gordon o el trombonista, Jay Jay Johnson, comenzó a dar abundantes muestras de su talento.

Tommy Flanagan, siempre estuvo en la terna de los tres o cuatro pianistas de su época y así estuvo junto al bajista Oscar Pettiford y el trombonista, Jay Jay Johnson entre 1956 y 1958, con el trompetista, Harry "Sweet" Edison entre 1959 y 1960, y con el maestro del saxo tenor, Coleman Hawkins en 1961. Luego vino la larga y fructífera colaboración con Ella Fitzgerald, en dos etapas distintas, la primera entre 1963 y 1965, y la segunda que duró toda una década, desde 1968 hasta 1978. Adscrito al bebop de manera tangencial, su estilo pianístico estaba dotado de un cierto clasicismo pero siempre con una personalidad propia.

Su mejor disco fue el grabado para el sello ENJA, en 1982 y que tituló en homenaje al maestro John Coltrane: "Giants Step". Ese tema se le resistió en su juventud cuando acompañaba al piano al saxofonista tenor en su celebérrimo disco "Giant Step", canto del cisne del hardbop. También es muy meritorio el álbum grabado el 7 de abril de 1998 en el Village Vanguard neoyorquino en formato de trío con Lewis Nash, a la batería y Peter Washington, al bajo. Este disco es además uno de sus últimos registros en directo. Tommy Flanagan, murió apenas iniciado el siglo XXI, el 16 de noviembre de 2001 tras la rotura de una arteria.


jueves, 8 de diciembre de 2011

Toshiko Akiyoshi

Nacida en Dairen (Republica Popular de China), e hija de padres japoneses, la pianista y compositora, Toshiko Akiyoshi, estudió piano clásico y teoría musical mientras vivía en China. Empezó a interesarle el jazz, a partir de su llegada a Japón en 1946. Fue descubierta en Tokio durante una visita a aquél país de Oscar Peterson, quien la animó a que viajara a los estados Unidos. Ingresó en el "Berklee College" de Boston, donde estuvo tres años. Cuando se graduó, en 1959, formó junto a su marido, el saxofonista alto, Charlie Mariano, el "Toshiko-Mariano Quartet" .

Un álbum grabado a principios de los años sesenta para el sello "Candid", titulado "Toshiko Mariano" le proporcionó popularidad y prestigio en los ámbitos musicales de los estados Unidos. Se estableció a mediados de los años sesenta en la ciudad de Los Ángeles y formó junto a su segundo marido, el también saxofonista, Lew Tabackin, una bigband en 1973 codirigida por ambos. En ese formato, graba de manera regular y Akiyoshi, encontró su formula musical preferida. La composición y los arreglos que realizaba, estaban dotados de una calidad extraordinaria dentro del mas puro estilo hardbop.

En la década de los ochenta, Akiyoshi se convirtió lentamente en una referencia inexcusable en los conciertos del circuito internacional del jazz y aparecía a menudo, bien como líder, o bien como solista. En Japón su figura musical es venerada con absoluta entrega. La música que esta pianista crea, demuestra que es posible elaborar y definir un perfil propio a las grandes orquestas con un discurso moderno del jazz. Su disco de 1991, grabado para Columbia en el Carnegie Hall neoyorquino, la consagró definitivamente.


miércoles, 7 de diciembre de 2011

Roy Haynes

A finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, Roy Haynes tuvo la clase de aprendizaje que constituiría el sueño de cualquier músico actual: sentarse en el puesto de baterista y acompañar al gran Charlie Parker. Ahora, cincuenta años después, y tras haber tocado con todos los grandes del jazz: Thelonius Monk, Miles Davis, o Bud Powell, todavía coloca sus grabaciones en la cima de las listas de las revistas especializadas en jazz.

Este veterano baterista, comenzó su andadura profesional en las bigbands de Frankie Newton y Louis Russell (1945-1947) y el siguiente paso fue tocar entre 1947 y 1949 con el maestro el saxo tenor, Lester Young. Entre 1949 y 1952, formo parte del quinteto de Charlie Parker y desde ese privilegiado taburete vio pasar a las grandes figuras del bebop y aprender de ellas. Acompañó a la cantante Sarah Vaughan, por los circuitos del jazz en los Estados Unidos entre 1953 y 1958 y cuando finalizó su trabajo grabo con Thelonious Monk, George Shearing y Lennie Tristano entre otros y ocasionalmente sustituía a Elvin Jones en el cuarteto de John Coltrane.

Participó en la dirección de la Banda Sonora Original de la película "Bird" dirigida por Clint Eastwood en 1988 y todavía hoy en activo, Roy Haynes, es una autentica bomba dentro de un escenario como pudimos personalmente comprobar en uno de sus últimos conciertos celebrados en España y mas concretamente en Sevilla en el año 2000. En 1994, Roy Haynes recibió el premio Danish Jazzpar, que se concede en Dinamarca. Al final de los años 90, Haynes formó un trío con el pianista Danilo Pérez y el bajista John Pattitucci, y grabaron un disco: "The Roy Haynes Trío featuring Danilo Pérez & John Pattitucci", que apareció en Verve a principios del 2000. En el año 2001 editó su disco: Birds of a Feather: A Tribute to Charlie Parker. En el año 2003, vio la luz: Love Letters, y en el año 2004, editó otros dos discos mas: "Quite Fires" y "Fountain of Youth". Al parecer la tradición jazzistica familiar está garantizada dado que su hijo, Graham Haynes, es hoy un excelente cornetista.

Con 86 años sigue dando conciertos con ánimo de debutante. En el siguiente vídeo le vemos junto al guitarrista galo Bireli Lagrene en el clásico "Autumn Leaves".



lunes, 5 de diciembre de 2011

Melody Gardot

Melody Gardot
Melody Gardot  Nueva Jersey, Estados Unidos, 2 de febrero de 1985) es una cantante y compositora de jazz americana.

A los 19 años fue atropellada por un automóvil cuando paseaba en bicicleta. Este suceso, a pesar de trágico, la llevó a ser una notable artista. El inicio de su carrera artística fue motivado por su médico, que estaba preocupado por las secuelas del traumatismo craneal sufrido en el accidente. Siguiendo esta recomendación, Melody Gardot compuso y grabó algunas canciones cuando aún estaba en cama, incapaz de caminar. Como resultado lanzó el EP some lessons- the Bedroom Sessions. Su primer álbum, una continuación del EP, llevó por nombre Worrisome Heart.
Os dejo  una versión del tema de los Beatles "Because".


domingo, 4 de diciembre de 2011

Dead Capo


Dead Capo surge en 1999, a raíz de la separación de Insecto ("Love Fiasco", The Blue Fish Records,1997). Desde entonces su objetivo ha sido facturar música instrumental de alto riesgo y difícil clasificación.. Su primer trabajo, “Díscolo”, es una impredecible batidora de estilos, una road movie sin fronteras con paradas en el jazz, el swing, el rock, las bandas sonoras del eje Mancini-Schiffrin-Barry-Rota-, el surf, el lounge, el funk, el blues.


sábado, 3 de diciembre de 2011

Hermeto Pascoal

Hermeto Pascoal, (pianista, flautista, saxofonista y guitarrista), comenzó a tocar flauta con solo ocho años de edad y ya con 14 años era músico profesional en Recife. Junto con sus hermanos, todos albinos, comenzó a tocar el piano en la década de los cincuenta en formato de trío.

En 1964, formó el "Sambrasa Trío" , con Airto Moreira y el bajista Humberto Clayber. En 1966, Airto Moreira, que tocaba en un grupo llamado "Trío Novo", con el guitarrista, Heraldo do Monte y el bajista, Theo de Barros, animó a Hermeto a unirse al grupo, formando así el grupo que le dio a conocer internacionalmente: "Quarteto Novo", uno de los mas importantes grupos de música instrumental de la historia de Brasil. El grupo estaba provisto de una magnifica técnica y fue una de las claves de la fusión del jazz con los ritmos brasileiros. En 1968, Hermeto Pacoal, escribe su primer arreglo orquestal para la música de Gudin que se estrena en el Festival de la Canción de TV bajo el titulo de "Choro do Amor Vivido". Poco después, ya en los años setenta, recibe una invitación de Airto Moreira, para trasladarse a los Estados Unidos donde graba su primer disco para el sello "Cobblestone" titulado genéricamente "Hermeto".

Ya con una dilatada y reconocida experiencia, Miles Davis, le encarga algunos arreglos y de esa colaboración sale la invitación a que Hermeto Pascoal, colabore en la grabación del disco de Miles Davis, titulado "Live Evil". Hermeto vuelve a Brasil en 1973 y graba un disco titulado: "A Música Livre De Hermeto Pascoal", retornando en 1976 para los Estados Unidos, donde nuevamente graba otro disco titulado "A missa dos escravos". Hermeto Pascoal, es un compositor muy prolífico y tiene grabados cerca de 3000 canciones. Entre el 23 de junio de 1966 y 23 de junio de 1996, Hermeto escribe "Calendario do Som"; un total de 366 composiciones musicales, una para cada día del año en los mas diversos géneros, y que realizó con un tesón admirable, componiendo una canción por cada día.

Sus composiciones fueron interpretadas por la Orquestra Sinfónica de Brooklyn, la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, y otras por el estilo. Hermeto Pascoal, ha tocado con los mas grandes de la música brasileña e internacional, como Elis Regina, Ron Carter, o Raúl de Souza, y participó en el homenaje al gran bandoneista argentino, Astor Piazzola en Buenos Aires.

Os dejo un interesante documental sobre su obra.

viernes, 2 de diciembre de 2011

Raphael Rabello

Raphael Rabello murió demasiado joven, a los 32 años, y llegó a ser considerado, aun tan precozmente, una de las mayores guitarras del mundo, junto a Paco de Lucía y John Williams. Grabó con Tom Jobim, Elizeth Cardoso o Paulo Moura, por anotar unos cuantos notables. En 1989, sufrió un accidente automovilístico que le quebró en varias partes, ¡oh, trágica paradoja de la vida!, el brazo derecho. En alguna de las operaciones a las que fue sometido, contrajo el virus VIH; lo que siguió fue el alcohol, la cocaína y un paro cardiorrespiratorio agudo. Dejó un disco póstumo dedicado a la obra del compositor Capiba, en el que participaron como invitados, entre varios, Milton Nascimento, Chico Buarque, Maria Bethânia -sí, la hermana de Caetano Veloso- y el propio Ney).



jueves, 1 de diciembre de 2011

Andrea Motis, o el jazz nacido en Sant Andreu

La joven cantante, con sólo 16 años, muestra el talento de su voz, trompeta y saxo en su primer disco, acompañada por Joan Chamorro

El ser humano tiende a ver el pasado como algo mejor, a idealizar tendencias que, en su momento, sólo eran eso: tendencias. Sólo la perspectiva construye los grandes mitos, da valor, o se lo quita, a los momentos históricos o nos incapacita para poder apreciar, con toda la potencialidad, el presente. En el mundo de la música, eso, se hace más fuerte que en ningún otro campo. Pero cuando escuchamos, cansados, el discurso de que los adolescentes ya no son lo que eran antes, llega Andrea Motis. Dieciséis años, el ritmo en cada suspiro de su saxo,  trompeta, y la voz de alguien que, ya, ama el jazz con toda la profundidad y respeto.

No viene sola. De la mano de Joan Chamorro, presenta su primer disco. Aún se hacen discos. Y se hacen así, combinando estilos, riesgos, energías, detalles. De temas conocidos como ‘Over the rainbow’ a otros que, tal vez, lo son menos, como ‘Louisiana Fairytale’. Pero la fiesta acaba con la traca final, un ‘Bli-blip' con toda la Sant Andreu Jazz Band, su familia artística.

Precisamente es Chamorro quien dirige esta banda, la más joven de Europa, nacida en la Escola Municipal de Música de Sant Andreu el año 2006, y que se estrenó oficialmente en el Festival Internacional de Jazz de Terrassa. Desde entonces, no han parado. Han registrado su primer CD en directo, titulado ‘Jazzing’, con solistas de la solvencia de Ignasi Terrassa, Josep Maria Farrás, Dani Alonso, o Ricard Gili. Entre sus jóvenes componentes, podemos disfrutar del talento de Alba Armengol, de nueve años. Sí, nueve años.

Pero Andrea Motis ya comienza un recorrido, sin dejar de formar parte del grupo, en paralelo. Un día llegó a clase y Chamorro le habló de la idea de un disco que acabó siendo por y para ella, su presentación al público. Andrea dice que es consciente que tiene "muchísima suerte". Nosotros, también.
La Vanguardia.com



miércoles, 30 de noviembre de 2011

Radka Toneff

Ellen Radka Toneff 25.06.1952 - 21.10.1982. Radka fue una  cantante, pianista y compositora de jazz noruego-búlgara que a pesar de su corta vida dejó un importante rastro en la vanguardia del jazz europeo. 
Os dejo este vídeo en el que interpreta el tema de Ornette Coleman "Lonely Woman".

martes, 29 de noviembre de 2011

Wes Montgomery in Holland


Nadie parecía capaz de tocar con su elocuencia, su naturalidad, su facilidad. Bajo su nombre, Wes Montgomery grabó abundantemente durante diez años, entre 1958 y hasta pocos días antes de su inesperado ataque al corazón, en 1968.
Os dejo este peculiar vídeo en el que toca de manera relajada.



domingo, 27 de noviembre de 2011

Billie Holiday Última parte "God bless the child"


El 11 de Julio de 1959, el corazón de Billie empezó a fallar y murió la madrugada del 17 de julio. Todos coincidían en que últimamente se sentía mejor, pero algo se rompió en ella. Bromeaba refiriéndose a que volvía a enfrentarse a la misma rutina del poli bueno y del poli malo, pero tal vez fue la amenaza de una pena de prisión lo que incidió más el empeoramiento súbito en el hospital, más que la cirrosis hepática, más que el fallo renal, más que otras complicaciones médicas que figuran en el certificado de defunción.


sábado, 26 de noviembre de 2011

Billie Holiday Cuarta parte "Tenderly"


Me explicó que cuando se casó lo que más deseaba era tener hijos, y que a veces se quedaba en la cama con los pies en alto después de hacer el amor porque pensaba que aquella postura podía contribuir al embarazo.

viernes, 25 de noviembre de 2011

Billie Holiday Tercera parte "Lover Man"


Billie y Lester hicieron un buen número de grabaciones en las que se puede apreciar el grado de intimidad que alcanzaban voz y saxo a la hora de trabajar. Nunca fueron amantes; la suya era era más bien una relación de hermanos con mucho en común. Sus miedos eran los mismos, y ambos tenían problemas de confianza y necesitaban recurrir a las drogas y a la bebida para mantenerse al margen del mundo; también eran de una generosidad extraordinaria y no tenían el más mínimo sentido empresarial.

jueves, 24 de noviembre de 2011

Paul Motian RIP

Muere el baterista de jazz Paul Motian, miembro clave de una generación irrepetible.

Fue el tercer hombre del trío de Bill Evans, a quien conoció en 1955 en el seno de la banda de Jerry Wald (por mucho en que muchos se empeñen en fechar su mágico encuentro años después). Volvió a coincidir con Evans a las órdenes de otro visionario, el pianista, compositor y arreglista George Russell, antes de formar uno de los tríos de piano más famosos –y tal vez el más influyente– de la historia. En dicha formación, Evans y Scott LaFaro no fueron los únicos que reinventaron su respectivo instrumento.

Pero Motian no se quedó allí, siguió adelante tocando en casi cada corriente que ha dado el jazz, desde la tradición a la improvisación libre más extrema, sin renunciar a seguir creando música honesta y comprometida hasta este mismo año. Podemos encontrarle en la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden y Carla Bley, en los primeros y más importantes grupos de Keith Jarrett, en grabaciones imprescindibles de Joe Lovano, Geri Allen, Marilyn Crispell, Paul Bley o el propio Haden y, muy especialmente, en varias decenas de sus grabaciones como líder, entre las que se cuentan un buen puñado de obras maestras.

EL PAÍS.com


miércoles, 23 de noviembre de 2011

Billie Holiday Segunda parte "My man"

Billie nunca tuvo un séquito. La mayoría de las cantantes tienen una corte de mujeres que las acompañan y se encargan del vestuario y la peluquería. Las únicas personas que seguían a Billie eran los tipos que iban a verla eran los camellos y los yonquis.

martes, 22 de noviembre de 2011

Billie Holiday Primera parte "I'm a fool to want you"

Tony Scott explicó cómo se debía escuchar y valorar las cualidades de Billie a través del siguiente ejemplo: "Cuando Ella (Fitzgerald) canta "My man he's left me" ves a un tipo que se ha ido a comprar pan, cuando lo canta Lady Day ves al tipo calle abajo con sus bártulos, y sabes que nunca volverá.

lunes, 21 de noviembre de 2011

Dino Saluzzi & Modernist Cuisine

Timoteo "Dino" Saluzzi (n. 20 de mayo de 1935; Campo Santo (Ingenio San Isidro), provincia de Salta), es un músico y compositor argentino.
Hijo del popular compositor e instrumentalista carpero Cayetano Saluzzi, Dino tocaba el bandoneón desde su niñez. Además de su padre, recibió influencias de músicos salteños como Cuchi Leguizamón, y  la música de tango de Francisco de Caro y de Agustín Bardi.
Desde su juventud, Saluzzi vivió en Buenos Aires, tocando en la Orquesta de Radio El Mundo. Se ganaba la vida en orquestas, haciendo pequeños ingresos en ensambles de jazz (incluyendo un breve paso por el grupo del Gato Barbieri), desarrollando un personal estilo que hizo que fuera líder bandoneonista del folclore argentino músico avant-garde (especialmente con Astor Piazzolla).
Os dejo una versión del clásico "My One and Only Love" acompañado del bajista sueco Anders Jormin.





Técnicas rompedoras utilizadas por los mejores chefs del mundo


Una revolución está en marcha en el arte de la cocina. Al igual que el impresionismo francés rompió con siglos de tradición artística, en los últimos años la cocina modernista ha franqueado los límites de las artes culinarias. Tomando prestadas técnicas de laboratorio, los chefs de santuarios gastronómicos mundialmente reconocidos, como elBulli, The Fat Duck, Alinea y wd~50, han abierto sus cocinas a la ciencia y a la innovación tecnológica incorporando estos campos de conocimiento al genio creativo de la elaboración de alimentos.

En Modernist Cuisine: El arte y la ciencia de la cocina, Nathan Myhrvold, Chris Young y Maxime Bilet —científicos, creadores y reconocidos cocineros— revelan a lo largo de estos seis volúmenes, de 2.440 páginas en total, unas técnicas culinarias que se inspiran en la ciencia y van de lo insospechado a lo sublime. Las 20 personas que componen el equipo de The Cooking Lab han conseguido nuevos y asombrosos sabores y texturas con utensilios como el baño María, los homogeneizadores y las centrífugas e ingredientes como los hidrocoloides, los emulsionantes y las enzimas. Modernist Cuisine es una obra destinada a reinventar la cocina.

¿Cómo se hace una tortilla ligera y tierna por fuera pero sabrosa y cremosa por dentro? ¿O patatas fritas esponjosas por dentro y crujientes por fuera? Imagínese poder envolver un mejillón con una esfera de gelatina de su propio jugo, dulce y salado a la vez. O preparar una mantequilla solo a base de pistachos, fina y homogénea. Modernist Cuisine explica todas estas técnicas y le guía paso a paso con ilustraciones. La ciencia y la tecnología de la gastronomía cobran vida en miles de fotografías y diagramas originales. Las técnicas fotográficas más novedosas e impresionantes permiten al lector introducirse en los alimentos para ver toda la cocina en acción, desde las fibras microscópicas de un trozo de carne hasta la sección transversal de una barbacoa Weber. La experiencia de comer y cocinar bajo una perspectiva completamente nueva. 

Una muestra de lo que va a descubrir:

* Por qué sumergir los alimentos en agua helada no detiene el proceso de cocción

* Cuándo cocer en agua es más rápido que al vapor

* Por qué subir la parrilla no reduce el calor

* Por qué el horneado es principalmente un proceso de secado

* Por qué los alimentos fritos se doran mejor y saben más si el aceite se ha utilizado previamente

* Cómo pueden las modernas técnicas de cocina conseguir resultados perfectos sin el tiempo exacto o la buena suerte que requieren los métodos tradicionales 

Incluye aspectos cruciales como:

* Los sorprendentes principios científicos que encierran los métodos tradicionales de preparación de los alimentos, como asar, ahumar y saltear

* La guía más completa publicada hasta la fecha sobre la cocina al vacío, con las mejores opciones para baños María, materiales de envasado y equipos de sellado, estrategias de cocción y consejos para solucionar problemas 

* Más de 250 páginas sobre carnes, pescados y marisco y 130 páginas sobre frutas, verduras y cereales, incluidas cientos de recetas paramétricas y técnicas paso a paso

* Extensos capítulos que explican cómo obtener conseguir resultados increíbles utilizando modernos espesantes, geles, emulsiones y espumas, incluidas recetas de muestra y muchas fórmulas

* Más de 300 páginas de nuevas recetas con presentaciones listas para servirse en restaurantes de alta cocina, además de recetas adaptadas de grandes chefs como Grant Achatz, Ferran Adrià, Heston Blumenthal, David Chang, Wylie Dufresne y David Kinch, entre otros.


Este libro está dirigido especialmente a algunos de los visitantes de este blog, que representan el freno más inquisidor al progreso culinario.



domingo, 20 de noviembre de 2011

George Van Eps

George Abel Van Eps (* 7. Agosto 1913 Plainfield, New Jersey; † 29. Noviembre 1998 en Newport Beach, California) fue un guitarrista de jazz norteamericano conocido por ser el creador de una guitarra de 7 cuerdas (1 de bajo para acompañar los solos).


viernes, 18 de noviembre de 2011

Albert & Gene Ammons

Los padres de Albert Ammons, eran pianistas y a los diez años lo iniciaron en el instrumento. Poco después de la Primera Guerra Mundial aprendió a tocar blues escuchando las grabaciones de pianista famosos de la época como Jimmy Yancey o Hersal Thomas quienes resultaron para él una gran motivación. Desde los años veinte tocó en clubes locales y por razones económicas trabajó como taxista en le época de la Gran Depresión del 29. En 1934 formó su propia banda, los Rhythm Kings, para tocar en el club De Lisa y dos años después inició su carrera discográfica con la grabación de "Boogie-Woogie Stomp", uno de los temas emblemáticos de ese estilo de música.

Su período más exitoso se inició gracias a su participación en el concierto From Spiritual to Swing organizado por el productor John Hammond y celebrado en el famoso Carnegie Hall de New York en 1938. Al año siguiente repitió actuación, esta vez acompañando al bluesman Big Bill Broonzy. Su carrera musical continuo alternando sus trabajos en la Gran manzana con giras por todo el país, varias de ellas a dúo con Pete Johnson. En el mejor momento de su carrera sufrió una parálisis de sus dos manos, pero en 1944, ya recuperado, reformaría sus Rhythm Kings. Sus últimos años transcurrieron en su ciudad natal donde falleció victima del alcohol.



Hijo de Albert Ammons, famoso pianista de Chicago, Eugene Ammons, fue educado dese pequeño por el amor a la música. Estudió en el Instituto Dusable de Chicago con una beca otorgada por la fundación "Captain Walter Dyett".

Ya a los dieciocho años, Gene Ammons, estaba preparado para iniciar su carrera musical de la mano del director de orquesta, King Kolax. Ese paso fue el trampolín para ingresar en la banda del cantante, Billy Eckstine, un autentico vivero para los músicos del bebop, estilo emergente por aquélla época. Influenciado por los dos grandes saxofonistas del momento: Lester Young y Coleman Hawkins. Gene Ammons, sustituyó en 1949 a Stan Getz, en la orquesta del maestro, Woody Herman, lo que contribuyó notablemente, a que la fama de la orquesta le rozara a el.

En 1950, Ammons, formó un grupo con el también saxofonista, Sonny Stitt, contribuyendo a lanzar la moda del "tenor duro". Justo cuando comenzaba a recoger los frutos de su nuevo estilo de tocar, Ammons, fue encarcelado por consumo de drogas durante dos años (1958-1960) y poco después, una segunda condena de siete años (1962-1969), le separó definitivamente de la música. Deteriorado físicamente por el periodo carcelario y el consumo de heroína, una fatal neumonía acabó con su vida en 1974.