Phil Woods

Phil Woods, empezó a interesarse por la música cuando heredó de un tío suyo, un saxo. A finales de los años cuarenta se traslada New York decidido a hacerse músico profesional. Estudió con el pianista, Lennie Tristano y posteriormente en la "Manhattan School of Music" y en la prestigiosa "Julliard School" donde se licencio en el estudio del clarinete. Sus primeros contratos profesionales se remontan a 1954, cuando tras una breve colaboración con Richard Haynes, fue contratado sucesivamente por las orquestas de Charlie Barnet y por el quinteto de Jimmy Raney. Tambien en 1954 grabó su primer disco a su nombre y en quinteto para el sello "New Jazz" y titulado: "Phil Woods and New Jazz Quintet"

En 1956, militó en la orquesta de Dizzy Gillespie, actuando con el celebra trompetista en casi todo el mundo durante los tres años que estuvo con él. Posteriormente estuvo con la banda del maestro de la batería, Buddy Rich en 1958 y entre 1959 y 1961, perteneció a la orquesta de Quincy Jones, donde grabó numerosos álbumes. En 1961 grabó su primer gran disco en quinteto con composiciones propias. El álbum se titulo "Rights of Swing" y se grabó para el sello "Candid" con el acompañamiento, entre otros grandes músicos, de Tommy Flanagan al piano y Curtis Fuller al trombón. En 1962 participó en el improvisado grupo que acompaño al clarinetista, Benny Goodman de gira en la Unión Soviética y de cuyo recuerdo queda el disco: "Benny Goodman and his Orchestra en Moscow".

Tras participar como jazzmen de Thelonious Monk y de Oliver Nelson, no volvió a grabar a su nombre hasta 1966. En 1968 abandonó los Estados Unidos, asqueado por el racismo y se trasladó al viejo continente, afincándose en Paris donde fundó uno de sus grupos mas famosos, el cuarteto denominado "European Rhythm Machine" con la que recorrió Europa de cabo a rabo y grabando varios álbumes importantes, entre ellos el grabado en directo en el festival de jazz de Montreux en 1969 o en el festival de jazz de Frankfurt. A principios de la década de los setenta, volvió a New York y en 1974 graba lo que muchos consideran su obra maestra: "Musique du Boys", un álbum revitalizador de su música producto de su encuentro con Michel Legrand y acta fundacional de la música que Phil Woods haría a partir de entonces. Con ese cuarteto extraordinario que grabó "Musique du Bois" (Jaki Byard al piano; Richard Davis al contrabajo y Alan Dawson a la batería) Phil Woods, puso las cosas en claro sobre donde estaba el peso de la tradición moderna y ayudó en gran medida a reconducir el jazz a sus cauces naturales, en una época, principios de los setenta, donde el jazz estaba bastante desconcertado.

La discografía de Phil Woods, es amplísima y de una gran calidad media. Desde mediados de los años setenta, en distintos cuartetos o quintetos, su formula musical preferida, Phil Woods ha grabado discos con los mas grandes instrumentistas del jazz y varias casas discográficas conservan lo mejor de su música en esos años. Muy vinculado en sus inicios, tanto musical como personalmente, a la figura del maestro, Charlie Parker (tras su muerte contrajo matrimonio con la compañera de Parker, Chan Richardson, adoptando incluso los hijos de Parker y heredando el saxo alto del genio de Kansas City), Phil Woods esta considerado como el mas brillante discípulo blanco de Charlie Parker.

 

Philm Woods protagonizó una escena curiosa en cierta aduana. Cuando el saxofonista mostró su equipaje a los funcionarios de aduanas correspondientes y éstos vieron una pipa de agua con la que solía fumar opio, tuvo que echar mano de su capacidad de improvisación para convencerlos de que era una lámpara. Lo dejaron pasar.

Os dejo éste vídeo grabado en Barcelona en plena forma a los 79 años de edad.

Graham Bond

Las primeras noticias que se tienen de Graham Bond lo ubican tocando el saxo alto en el quinteto del jazzman Don Rendell antes de unirse a la Blues Incorporated de Alexis Korner, verdadera usina del rhythm and blues inglés donde, entre otras cosas, se gestó el germen de los Rolling Stones. 

En 1963 Graham Bond forma su propio cuarteto llevándose a varios músicos del grupo de Korner: Jack Bruce al bajo, Ginger Baker a la batería y John McLaughlin a la guitarra eléctrica. En esa primera época, la orientación de la banda es decididamente jazzera, aunque -como detalle curioso- cabe destacar que el cuarteto de Graham Bond, con Bruce, Baker y McLaughlin acompañó en ocasiones al cantante Duffy Power y llegó a grabar una versión del tema de Paul McCartney “I saw her standing there” en forma contemporánea a la propia versión que los Beatles registrarían en su primer álbum Please Please Me. 

Hacia 1964 el grupo comienza a inclinarse más al rhythm and blues y para cuando el saxofonista Dick-Heckstall Smith reemplaza a John McLaughlin ya se los conocía como The Graham Bond Organisation. 

Bond era un adelantado. Además de tocar el saxo alto, fue el primer músico inglés en utilizar abundantemente el órgano Hammond en un contexto de rhythm and blues, y uno de los pioneros en el uso del mellotrón. En poco tiempo, la Organisation se convirtió en una de las principales atracciones de la escena inglesa de clubes, como desmuestra una grabación de esta época registrada en el local Klook’s Kleek que, a pesar de su precariedad técnica, da una clara idea de la energía que la banda desplegaba sobre el escenario. 

La Graham Bond Organisation grabó dos álbumes con esta formación. The Sound of 65, editado a principios de 1965, traía un gran favorito de sus conciertos, “Neighbour Neighbour”, y la primera versión grabada del tema “Traintime”, donde Jack Bruce canta y toca la armónica en el que luego sería uno de los temas cruciales del repertorio de Cream. El segundo álbum, There’s A Bond Between Us, aparecido en 1966, mostraba una notable evolución y destacaba el cover del clásico de Ray Charles “What’d I say”, la versión de “Have you ever loved a woman?” de Freddie King, aquí acreditada al propio Graham Bond y el tema de Ginger Baker “Camels and elephants”, donde el futuro baterista de Cream y Blind Faith le daba rienda suelta a sus parches. 

A mediados de los ‘60 la Organisation se disolvió. Bruce y Baker integraron Cream con Eric Clapton y Dick Heckstall-Smith formó el grupo Colosseum. Graham Bond grabó un par de álbumes en los Estados Unidos y a su regreso a Inglaterra participó en varios proyectos de corta duración, incluyendo el grupo Holy Magick -que formó con su esposa, la cantante Diane Stewart- (álbumes Holy Magick y We Put Our Magick On You), y la fugaz banda Airforce, de Ginger Baker, que también incluyó a Stevie Winwood y al futuro integrante de Wings, Denny Laine. Otro proyecto de esta época fue la grabacion, en 1972, del álbum Two Heads Are Better Than One con el poeta y letrista Pete Brown, co-autor de muchos temas de Cream junto a Jack Bruce. De ahí en adelante las cosas no le fueron bien a Bond. Se hablaba de abuso de drogas, de depresiones y de un interés cada vez más intenso en el ocultismo, la magia y los rituales esotéricos. 

En mayo de 1974, cuando parecía a punto de regresar al mundo de la música, Bond murió bajo las ruedas del metro en la estación Finsbury Park, en el noreste de Londres, en circunstancias misteriosas. En ese hecho trágico desaparecía una figura clave en la evolución de la música inglesa en los ’60. Un catalizador que unió el campo del rhythm and blues y el jazz y abonó el terreno para el desarrollo del rock progresivo en los años subsiguientes.

Blame It On My Youth

"Blame It on My Youth" (Échale la culpa a mi juventud), es un standard del jazz compuesto por Oscar y Edward Heyman en 1934. De las múltiples versiones que se han hecho, os dejo dos de las mejores por parte de Chet Baker y Keith Jarrett.

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"Blame It on My Youth"
If, I expected love, when first we kissed, blame it on my youth
If only just for you, I did exist, blame it on my youth
I believed in everything
Like a child of three
You meant more than anything
You meant all the world to me

If, you were on my mind, all night and day, blame it on my youth
If, I forgot to eat, and sleep and pray, blame it on my youth
If I cried a little bit, when first I learned the truth
Don't blame it on my heart, blame it on my youth

Till Brönner

Till Brönner (1971, Viersen, Alemania, 1971) es un trompetista de jazz alemán. También se desempeña como cantante, productor y compositor. Su estilo combina el bebop y el jazz fusion, e incluye influencias de música pop, de bandas sonoras de películas de musiques de films (en particular de antiguas películas alemanas), de country e incluso de canciones alemanas de carnaval.

Till Brönner se criÓ en Roma, pero estudiÓ trompeta clásica en Bonn-Bad Godesberg (Alemania), en la escuela jesuÍta Aloisiuskolleg, antes de interesarse por la trompeta de jazz en la academia de música de Colonia junto a los profesores Jiggs Whigham y Jon Eardley.

En 1993 lanza al mercado su primer álbum, Generations of Jazz, grabado junto con Ray Brown, Jeff Hamilton, Frank Chastenier y Grégoire Peters, que recibió numerosos premios (ej. "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" y "Preis der Deutschen Plattenindustrie").

En el trascurso de su carrera ha tenido la ocasión de trabajar con Dave Brubeck, James Moody, Monty Alexander, Aki Takase, Joachim Kühn, Chaka Khan, Natalie Cole, Tony Bennett, Ray Brown, Johnny Griffin, Ernie Watts, Klaus Doldinger, Nils Landgren y Al Foster, entre otros.

En 2006 aparece su álbum Oceana, en el que participaron Madeleine Peyroux, Luciana Souza y Carla Bruni y en 2008, Rio, junto con Annie Lennox, Aimee Mann, Sérgio Mendes, Milton Nascimento, Melody Gardot, Vanessa da Mata, Luciana Souza y Kurt Elling.

Por si alguien pensaba que versionar a Leonard Cohen era sencillo, en el siguiente vídeo queda demostrado lo contrario.

Hank Mobley

El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: "Horace Silver and the Jazz Messengers"; Mobley entró en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach).

Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: "Soul Station" con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venia pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos mas importantes en la batería del jazz contemporáneo.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986. 

Os dejo un vídeo del tema 'I shoud care' con el mismo Hank Mobley al saxo tenor, Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al contrabajo y Philly Joe Jones en la batería, todo un lujo de cuarteto.