lunes, 31 de octubre de 2011

Michel Petrucciani (Documental)

A la espera del "estreno" de la película-documental dirigida por Michael Radford sobre la vida y milagros del pequeño-gran pianista francés Michel Petrucciani, os dejo como aperitivo éste vídeo del canal galo TV Mezzo.


domingo, 30 de octubre de 2011

Louis Jordan

Louis Jordan (Brinkley, 8 de julio de 1908 - 4 de febrero de 1975) fue un saxofonista y cantante estadounidense de blues, uno de los pioneros del jazz y del rhythm and blues.

Su padre, líder de la orquesta Rabbit Foot Minstrels, le enseñó a tocar el saxo y, siendo adolescente, permitió que se uniese a la misma durante los veranos. Más tarde, tocaría también con otras orquestas como las de Ma Rainey y Kaiser Marshall.
En 1932 se instala en Filadelfia y se une a la orquesta de Charlie Gaines. Tres años después se traslada a Nueva York y allí, en 1936, se incorpora a la Savoy Ballroom Orchestra de Chick Webb, actuando como saxofonista y cantante, en este caso entrando en competencia con Ella Fitzgerald.
Desde 1938 tocó habitualmente en el local Elk's Rendezvous de Harlem y formó un grupo que grabó para Decca primero bajo el nombre Elks Rendezvous Band y en 1939 como Tympany Five.
En 1941 graba I'm Gonna Move To The Outskirts of Town y vende un millón de copias. Durante la década actúa en varias películas y graba más discos.
Aunque en adelante su popularidad disminuyó, Jordan no dejó de tocar, tanto formando una big band propia como cambiando sucesivamente de discográfica (Aladdín, Mercury, RCA) en un intento de recuperar su sitio en el mundo de la música.
Murió de un infarto.


sábado, 29 de octubre de 2011

Kai Winding

Nacido en Dinamarca, la familia de Kai Winding emigró a Estados Unidos en 1934, cuando el músico contaba sólo con 12 años. Tras su paso por las orquestas de Alvino Rey y Sonny Dunham, Winding ingresa en una banda militar y permanece allí durante tres años. En 1946 entra en la orquesta de Benny Goodman, pero su salto a la fama tiene lugar poco más tarde, cuando ingresa en la orquesta de Stan Kenton. Allí, su estilo y sonido son imitados por otros músicos de la orquesta, lo que eventualmente daría lugar a un cambio en el sonido de la orquesta misma. A finales de la década de 1940 Winding participa en sesiones con músicos bebop, toca con Tadd Cameron y toma parte en las grabaciones del noneto de Miles Davis que darían lugar al surgimiento del cool jazz. Tras ello, Winding trabaja con Charlie Ventura y Buddy Steart, y finalmente forma un quinteto con el gran trombonista J. J. Johnson que efectuaría diversas grabaciones para vario sellos discográficos de 1954 a 1956, período durante el cual el sonido de ambos trombonistas es indistinguible. La banda pasa a la historia del jazz por la calidad de su propuesta, pero tras 1956 las reuniones de Winding y Johnson tendrían lugar ya sólo esporádicamente.

Desde finales de la década de 1950, Winding lidera intermitentemente un septeto con cuatro trombones, y ya en la década de 1960 se convierte en el director musical de los Playboy Clubs en Nueva York. En la década de 1970 forma parte de Giants of Jazz, una All-Stars Band que contaba con la participación de figuras de la talla de Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, Thelonious Monk o Art Blakey; sus trabajos se van haciendo cada vez más esporádicos y el músico establece su segunda residencia en España. Kai Winding pasó los últimos años de su vida en Nueva York, retirado de la actividad musical.

Una de las más grandes figuras de la era del bebop, la figura de Kai Winding siempre estuvo en cierta forma ensombrecida por la del gigante J. J. Johnson, con quien lideró uno de los grupos más populares de la década de 1950. Kai Winding ayudó a Johnson a establecer el fraseo bebop en su instrumento, con una claridad de sonido y una velocidad de ejecución impensables pocos años antes y la asociación de ambos hombres ha pasado a la historia como uno de los episodios más importantes de la historia reciente del instrumento.


viernes, 28 de octubre de 2011

Martial Solal

Hijo de un cantante de opera, el pianista Martial Solal empezó a estudiar piano clásico desde los seis años y su inclinación por el jazz fue a partir de 1942, ya con una buena base formativa y tras escuchar los discos de Teddy Wilson, Earl Hines y sobre todo de Art Tatum. Su debut profesional como músico se produjo en 1945 en el Hotel Sherezade de Argelia, su ciudad natal. Actuó y tocó en la Radio Nacional de Marruecos (Radio Rabat) durante su estancia en el ejercito y tras licenciarse se trasladó a Paris en 1950, donde tras unos comienzos poco alentadores, lo contrató Benny Bennett y en 1953, Roger Guerin. Martial Solal tuvo la oportunidad de tocar y grabar con el maestro de la guitarra, Django Reinhardt antes de la muerte de este ultimo.

Firmó un contrato con el sello Vogue y en 1953 grabó el primer disco a su nombre. Los primeros años de la década de los cincuenta fueron claves para la consolidación de este pianista. Grabó abundantes discos con el seudónimo de Jo Jaguar, tanto en trío como acompañado a Don Byas, Stan Kenton -que estaba en Paris en 1956 -, con Kenny Clarke o con el mismísimo, Sidney Bechet en 1957. En 1958 dio una vuelta de tuerca más en su carrera y se atrevió a componer música para bigband, encontrando en ese contexto un terreno propicio para el desarrollo de su técnica, de su originalidad en los arreglos y también como solista.

A principios de los años sesenta participó en algunos festivales de jazz importantes junto a Oscar Petifford, Oscar Peterson o Kenny Clarke. Un ejemplo de su fuerza interpretativa lo ofreció en el festival de Jazz de Antibes en 1960, formando un extraordinario trío con Guy Pedersen y Daniel Humair. Aquella formación se mantuvo unida cierto tiempo y tres años mas tarde acudió al Festival de Newport junto a Paul Motian y Teddy Kotick. Sus éxitos en Europa le permitieron cruzar el charco y actuar durante una temporada tanto en New York como en Montreal. A principios de los setenta, Martial Solal se inscribió en unos cursos de perfeccionamiento en el Conservatorio de Paris, consciente de la necesidad de mejorar y aprender. Esa decisión dio resultado y el renovado discurso musical de Solal al piano llamó la atencion del saxofonista, Lee Konitz con quien grabaría varios discos importantes. Konitz siempre dijo de Martial Solal que era uno de sus pianistas preferidos en Europa.

Martial Solal también hizo determinadas incursiones en el terreno de las bandas sonoras, siendo el autor de la música de una de las grandes películas de la "Nouvelle Vague" francesa (Nueva Ola). El film fue una película clave en ese movimiento renovador y tuvo como director a Jean-Luc Godard y como artista principal a un jovencísisimo, pero extraordinario, Jean Paul Belmondo: "A bouit de Souffle". (El final de la escapada). Martial Solal ha sabido configurar un repertorio y una discografía magnifica cuyo numero supera los cien discos pubicadas en compañías francesas, japonesas, italianas, americanas, alemanas, etc. Nunca abandonó su epicentro musical establecido en Paris, donde estuvo todas las noches, durante diez años y de manera ininterrumpida, tocando en el Club Saint Germain de la capital parisina.

De sus últimas formaciones cabe destacar el trío formado por Paul Motian y Gary Peacok, del que han quedado excelentes grabaciones, entre ellas, el magnifico "Just Friend" para el sello Dreyfus Jazz y una gira con la Orquesta Nacional de Francia. En 1989 crea el Primer Concurso Internacional de piano Martial Solal, al que le seguirán dos ediciones más convirtiéndose en uno de los premios más prestigiosos de piano. En el año 2003, todavía con la vitalidad y la creatividad intacta, graba un extraordinario concierto en directo desde el Village Vanguard de New York, que resume una carrera prolífica y llena de pasión: "NY-1. Live at the Village Vanguard". Martial Solal tiene en su haber diversos premios importantes como artista, pero ninguno aprecia más que el que en 1956 le otorgó la Academia Francesa del jazz con el premio "Django Reinhardt", la mas alta distinción musical de Francia en el terreno jazzistico.


jueves, 27 de octubre de 2011

Larry Adler

El armonicista Larry Adler comenzó a tocar en público a la edad de 14 años cuando ganó un concurso con facilidad. Es uno de los primeros y más grandes intérpretes de la harmónica en jazz, blues y clásica. Entre 1930 y 1940 actuó repetidas veces en New York tras firmar un contrato con el empresario Florenz Ziegfeld. Participó en un famoso programa radiofónico titulado "Flyng Colors" en el Theatre Imperial. En 1935 se trasladó a Holywood contratado por la Metro Goldwyn Mayer y por la Paramount participando en la película Manny Happy Returns donde tocaba la pieza Sophisticated Lady en la orquesta de Duke Ellington.

En 1935 viajó por primera vez a Europa y en Londres intervino en el espectáculo "Streamline". Su estancia en el viejo continente le sirvió para darse a conocer en Francia en los numerosos espectáculos de vaudeville que se representaban en la capital francesa. De vuelta en Londres, en 1942, actuó como solista en la London Symphony Orchestra lo que le permitió adquirir fama y notoriedad publica. En Francia grabó con el quinteto del Hot Club de France, que lideraba Django Reinhardt junto a Stephane Grappelli. Fue nominado al Oscar en 1953 por su trabajo en la banda sonora de la película "Genevieve", a pesar de que no aparecía en los créditos, debido a que fue uno de los muchos artistas perseguidos por la política inquisitorial del senador McCarthy; hecho que le obligó a trasladar su residencia a Inglaterra en 1949 acusado de pertenecer al Partido Comunista de los Estados Unidos.

Su registro más importante se dio en "Virtuoso of the Mouth Organ", donde junto con Stéphane Grappelli y Django Reinhardt entre otros, ofreció una magistral y virtuosa interpretación a la harmónica de temas clásicos de jazz y clásica de compositores famosos como Manuel de Falla, Debussy, Cole Porter, Duke Ellington, George Gershwin, Harold Arlen, o Irving Berlin.

martes, 25 de octubre de 2011

Café Society


El Café Society fue un Club nocturno inaugurado en el año 1938 en Sheridan Square del Greenwich Village neoyorquino por el empresario Barney Josephson con el objeto de promocionar el talento afroamericano y la integración interracial, contando con la dirección musical oficiosa de John Hammond. Josephson ayudó a lanzar las carreras de Lena Horne, Sarah Vaughan, Big Joe Turner, Ruth Brown, el bailarín Pearl Primus, y Hazel Scott además de  popularizar grupos de  gospel como Golden Gate Quartet y  Dixie Hummingbirds . Actuaron en el Club frecuentemente personajes de la talla de Billie Holiday, Lester Young, Big Joe Turner, Buck Clayton, Big Sid Catlett, y Mary Lou Williams y una extensa lista de los más famosos músicos de jazz de la época.

lunes, 24 de octubre de 2011

Danny Barcelona

Para muchos, fue el tapado de Louis Armstrong en los años de decadencia del astro del jazz; un showman de mérito que hubiera merecido los honores del "estrellato" por sí mismo. Para otros muchos, se trataba de un batería no demasiado dotado al que le tocó la lotería cuando fue llamado para acompañar al más popular de los músicos de jazz de su tiempo. Danny Barcelona falleció el pasado 1 de abril a los 77 años, en la localidad de Monterrey Park (California).

Danny Barcelona -sin ninguna relación con la capital catalana- nació en la muy exótica localidad de Waipahu, sita en la isla de Oahu (Hawai), un 23 de julio de 1929, en el seno de una familia de origen filipino. Aprendió a tocar la batería de oído. Con 20 años, dirigió su primer conjunto, un sexteto: los Hawaiian Dixieland All-Stars. Con ellos recorrió las islas y Japón a los pocos años de la rendición ("los japoneses no nos entendían, pensaban que sólo hacíamos el tonto"). Antes de terminar el instituto, tocó en la orquesta del trombonista Trummy Young, a la sazón integrante de los All-Stars de Armstrong y residente en Hawai. Gracias a su recomendación, en el año 1958, pudo decir "aloha" a su casa en Waipahu para convertirse él mismo en miembro del prestigioso conjunto de jazz trad, sustituyendo a Barrett Deems.

domingo, 23 de octubre de 2011

Billie Holiday Segunda Parte "My Man"


Billie era una estilista. Cuando la oyes cantar, sientes que ha vivido lo que cuenta la canción y que te lo está explicando. No creo que haya mejor narradora que Billie. Su registro no era muy amplio, pero la mayoría de los temas que cantaba tenían buenas melodías y contaban buenas historias, y tampoco era fácil cantarlos o tocarlos. Nunca cantaba un tema a menos que quisiera hacerlo, o al menos alguien le diera a su hombre dinero y éste le dijera que lo cantara. Cuando esto sucedía, lo cantaba aunque no fuera con ella.

Eliane Elias

Pianista, cantante y compositora, Eliane Elias, vieja conocida de mis blogs, tiene un estilo musical fácilmente identificable, que combina sus raíces brasileñas, su sensual voz y su virtuosismo instrumental, para interpretar excepcionalmente cualquier forma musical, sea jazz, bossa nova o clásica.
Os dejo esta personalísima versión del clásico de The Doors "Light my fire".

sábado, 22 de octubre de 2011

Tete Montoliú & Maria del Mar Bonet

Si es que alguien a éstas alturas dudaba que María del Mar Bonet pudiera cantar jazz y lo que hiciera falta, que vea este vídeo de la versión incompleta, eso sí, del tema "Jim" popularizado por Billie Holiday,  acompañada al piano por el maestro Tete Montoliú. 


viernes, 21 de octubre de 2011

Abdullah Ibrahim

Convertido al Islam, el pianista sudafricano Adolphe Johannes Brand, (Ciudad del Cabo, Sudáfrica) adoptó el nombre islámico de Abdullah Ibrahim, a finales de los años sesenta.
Compositor, pianista y multiinstrumentista, sus comienzos fueron en el país africano en 1949 cuando participó en los grupos, Tuxedo Slickers y la big band de Willie Max. Posteriormente coincidió con otros grandes músicos africanos, como la cantante, Miriam Makeba y el trompetista, Hugh Masekela, pero lo que contribuyó a lanzarle a la fama fue el espaldarazo que obtuvo del maestro, Duke Ellington, que lo elogió y lo reconoció como el mejor pianista y compositor del continente africano. De resultas de ese apoyo, salió el disco grabado para Reprise en 1963 titulado: "Duke Ellington Presents The Dollar Brand Trío".
En 1965, establece temporalmente su residencia en Zurich, donde contrae matrimonio en 1965. Ese mismo año participa junto con Duke Ellington, en el Festival de jazz de Newport y renglón seguido es invitado por Elvin Jones, para formar parte de su cuarteto con el que estuvo seis meses. En el tuvo la oportunidad de trabajar con el cornetista Don Cherry, y el saxofonista, Gato Barbieri.
Retorna a Sudáfrica en 1976 con la intención de establecerse en su país, pero al cabo de varios intentos truncados por desarrollar en la tierra del apartheid, una experiencia musical normalizada, abandonó de nuevo su tierra para instalarse en New York. En la ciudad de los rascacielos toca el piano al frente de diversas formaciones de distinta índole, desarrollando su propio lenguaje musical y no es hasta 1997, cuando tiene la oportunidad de trabajar con el baterista, Max Roach cuando se le ve reaparecer en los escenarios.
Abdullah Ibrahim, permanece activo para el jazz en la actualidad, alternando las grabaciones en estudio con las actividades en directo en pequeños clubes de New York.

jueves, 20 de octubre de 2011

Peggy Lee

El modelo mas depurado de sofisticación en el cante jazzistico, se encuentra en la obra madura de la extraordinaria cantante, Peggy Lee (1920-2002) en los años cincuenta y principios de los sesenta. Influenciada por la también cantante blanca, Lee Wiley, Norman Deloris Egstrom, nombre verdadero de Peggy Lee, inició su carrera profesional en 1941, cuando el famoso clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, la contrató para cubrir la vacante dejada por, Helen Forrest.

Con la banda de Goodman, Peggy Lee, adquiere una fama extraordinaria. Su mayor éxito fue el tema "Why don't you do rigth", una canción típica de vocal de orquesta que Peggy cantaba insinuantemente. En marzo de 1943, abandonaba la orquesta de Goodman para casarse con el guitarrista de la orquesta, el alcohólico Dave Barbour, con quien a partir de entonces compartió la vida artística y sentimental. Ni ese matrimonio, ni los tres siguientes fueron suficientes para consolidar sentimental la personalidad de la cantante. Con la orquesta de su marido, Peggy, grabó en aquellos años para Capitol varios discos y en uno de ellos, consiguió con el tema "Mañana" su primer disco de oro en 1948. El éxito de ventas de ese disco, le abrió las puertas de Hollywood donde compondría varios musicales, siendo el mas destacado de ellos, el titulado "Johnny Guitar" que ella misma cantaría en la película del mismo nombre del director, Nicholas Ray en 1954.

En 1952, firma un contrato con DECCA, donde obtuvo su segundo disco de oro con su versión a ritmo de mambo de "Lover". Al año siguiente graba el que sería su álbum mas jazzistico y posiblemente su obra maestra, el disco titulado "Black Coffee" acompañada por un trío rítmico formado por el pianista Jimmy Rowles, el contrabajista, Max Wayne y el batería Ed Shaughnessy y a los que se añade el trompetista, Pete Candoli -que por motivos contractuales apareció con el seudónimo de Cottie Chesterfield. En 1955 intervenía maravillosamente en la película "Pete Kelly's Blues" del director Jack Webb, siendo nominada para un Oscar.

En 1957, regresa a la casa Capitol y obtiene su tercer disco de oro con el tema "Fever" una muestra original de su enorme habilidad para el fraseo rítmico. Desde 1957 hasta 1970, la cosecha de álbumes magníficos es abundante y variada, destacando el grabado en 1962 titulado "Mink Jazz". Peggy Lee tuvo que ralentizar su actividad como consecuencia de una dolencia cardiaca que ya no le dejó ser la misma. Falleció en su residencia de Bel Air a consecuencia de un ataque al corazón cuando contaba 81 años de edad, el día 21 de enero de 2002. Los medios de comunicación y la critica la bautizaron como La gran dama blanca del jazz, o la Billie Holiday blanca, pero Peggy Lee, tenía un estilo propio y una voz personalísima e insinuante. No necesitaba que la compararan con nadie.


miércoles, 19 de octubre de 2011

Jacques Loussier

Jacques Loussier (Angers, 26 de octubre de 1934), es un  pianista y compositor francés. Su talento se manifestó precozmente cuando tenía 10 años. Se inició en la composición musical a los 16, mientras era estudiante del maestro Yves Nat en el Conservatoire National de Musique de París.
Ha sido famoso por sus interpretaciones jazzísticas de las obras de Johann Sebastian Bach. De esta combinación de música barroca con el contemporáneo jazz, dentro del espíritu de la llamada Third stream, nació el Trio Play Bach con Pierre Michelot en el contrabajo y Christian Garros en la percusión. Especializados en revitalizar los tesoros del maestro Bach, han vendido más de seis millones de álbumes. En 1985 refundó el Play Bach Trio con dos nuevos compañeros: André Arpino (en la percusión) y Vincent Charbonnier (en el contrabajo).
En sus últimas grabaciones incorporó temas de Claude Debussy (Prélude à l'après-midi d'un faune, Clair de lune), Maurice Ravel (Boléro), Erik Satie (Gymnopédie, Gnossienne), Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, George Frideric Handel, Ludwig van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart. Además publicó en el álbum "Boléro"(1999) su propia suite neoimpresionista titulada "Les Nymphéas", alusión a los cuadro del pintor francés Claude Monet. El maestro Loussier ha participado también en la composición de música en varias producciones cinematográficas francesas.
Músico que, basado en su gran capacidad técnica, ha logrado crear con originalidad y creatividad un nuevo estilo. No en vano el musicólogo francés Bernard Gavoty sostiene la tesis (compartida por el músico costarricense Alfredo "el Chino" Moreno) en la cual declara: "Loussier, ¿el mejor pianista del mundo? En su género, sin ninguna duda".


martes, 18 de octubre de 2011

Barrelhouse Blues

Parece ser que el término barrelhouse hace honor a los establecimientos que, a manera de local de diversión, instalaban en sus campos de trabajo las compañías que explotaban las industrias de la madera y la trementina a principios del siglo XX y en la zona conocida como Piney Woods, que abarcaba los espacios cubiertos de bosque de los estados de Mississippi, Lousiana, Alabama y Texas; principalmente. Las penosas condiciones de trabajo en estos campos hacían que la tasa de accidentes laborales fuese cinco veces superior a la de la industria del acero, los trabajadores negros se apiñaban en cabañas insalubres y trabajaban en un régimen disciplinario similar al de las prisiones; no faltaban los asesinatos y los empleados eran sometidos a un trato brutal. A menudo los campos estaban rodeados de alambre de espino para evitar tanto la salida de los trabajadores como la entrada de curiosos y visitas no deseadas.

Los barrelhouses eran cabañas de madera con el suelo de tierra y con el único mobiliario de unas tablas colocadas sobre barriles que ejercían de mostrador. Allí, la compañía vendía licores con el objetivo de proporcionar a los trabajadores un poco de diversión y, de paso, aligerar de sus bolsillos una parte de la escasa paga semanal. Inevitablemente los barrelhouses contaban con un piano instalado por la empresa.

En ese escenario y en esas condiciones, ejercieron su labor un gran número de pianistas itinerantes que recorrían las instalaciones utilizando las vías férreas (principalmente la Texas & Pacific, la Southern y la Louisville-Nashville) para moverse de campo en campo, generalmente viajando de balde sobre el techo de los vagones o en el espacio entre estos. La música que interpretaban había nacido no muchos años antes y se desarrolló simultáneamente en los burdeles y casas de juegos de Storyville, en Nueva Orleans. El barrelhouse piano sería el germen de un estilo que marcaría formas tan decisivas en la música negra como el boggie-woogie, el ragtime, algunos tipos de jazz y, por supuesto, el blues.

Básicamente era una mezcla de estilos basados en el blues rural e interpretados con la intención de divertir y mover al baile de una forma ruda y eficaz. Una de sus principales preocupaciones era hacerse oír por encima del barullo reinante en el local. En unos tiempos en la que todavía no estaban definidos los estilos de la música afroamericana, su repertorio podía incluir baladas tradicionales, calipso, adaptaciones de los temas que interpretaban las bandas del naciente jazz e incluso canciones de influencia caribeña, francesa o española interpretados de manera que la mano izquierda ejecuta una serie de figuras de bajo de ocho o doce corcheas por compás, repetidas incansablemente; mientras que la melodía llega de acuerdo a unos patrones establecidos que se ejecutan con la parte derecha del teclado.
Ramón del Solo





lunes, 17 de octubre de 2011

Jan Garbarek

Jan Garbarek (4 de marzo de 1947 ) es un saxofonista (tenor y soprano) noruego.

Ha colaborado con frecuencia con Keith Jarrett, Egberto Gismonti, Gary Peacock, Miroslav Vitous, Zakir Hussain, Charlie Haden, Anouar Brahem y Ralph Towner. Ha publicado casi todos sus discos en el sello ECM.

Alguna de sus piezas han sido utilizadas para formar parte de bandas sonoras cinematográficas. Por ejemplo, Rites (del álbum Rites 1998) fue adaptada para The Insider, película de Michael Mann.

Se puede calificar su estilo dentro del jazz como post-free estilizado "a la europea". El sonido de su saxo es claro y melancólico. Sin embargo, su trabajo trasciende el circuito meramente jazzístico y se enzarza con música de tradición hindú, música de cámara contemporánea e incluso música sacra del renacimiento. En este sentido, destacan sus colaboraciones con The Hilliard Ensemble Officium (1993) así como Mnemosyne (1999) en donde las improvisaciones con el saxofón de Garbarek se mezclan con los cantos gregorianos del coro Hilliard, y la interpretación de composiciones de Arvo Pärt.

Os dejo una versión del Hasta siempre Comandante de Carlos Puebla.

domingo, 16 de octubre de 2011

¿Alguien da más?

Uno, que ha crecido admirando a estos dos tipos, y que además,  por su culpa ama la música negra, pregunta ¿Alguien da maaaas?


sábado, 15 de octubre de 2011

The Cotton Club

El Cotton Club fue un club nocturno de Nueva York (Estados Unidos) que se mantuvo abierto durante la Ley Seca de los años 1920.
Fue fundado en 1920 en Harlem, en el barrio negro de Manhattan, aunque generalmente denegaban la admisión a los consumidores afroamericanos. El club fue abierto por el campeón de los pesos pesados Jack Johnson, y el contrabandista y gángster Owney Madden adquirió el club en 1923 mientras estaba encarcelado en Sing Sing y cambió el nombre del local al de Cotton Club.
Fue un club mítico en la época ya que era el escaparate de las principales novedades musicales, como Fletcher Henderson, Duke Ellington, Count Basie, Bessie Smith, Cab Calloway, The Nicholas Brothers, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nat King Cole, Billie Holiday o Ethel Waters. Los domingos eran frecuentes las "Celebrities Nights", a las cuales asistían de público personas destacadas de la política y la cultura, como Jimmy Durante, George Gershwin, Al Jolson, Mae West, Irving Berlin, Eddie Cantor, el alcalde de Nueva York Jimmy Walker u otras celebridades.
El club estuvo cerrado brevemente en el año 1925 por la venta ilegal de licor. Volvió a abrir sin la constante presión de la policía. Madden volvió a ser encarcelado en Sing Sing en 1933, pero con el privilegio de que de vez en cuando las bailarinas y strippers podían acudir a deleitarlo.

viernes, 14 de octubre de 2011

Herman Leonard, el fotógrafo del Jazz

Herman Leonard inmortalizó a las estrellas del jazz durante la segunda mitad del siglo XX.
Hijo de unos inmigrantes judíos de origen rumano, Leonard nació en Allentown, Pensilvania, en 1923. El pequeño Herman, con 12 años, queda fascinado con la fotografía cuando su hermano mayor le regala su primera cámara. Empeñado en convertirse en fotógrafo, se matricula en la Universidad de Ohio, la única que ofrece un grado en fotografía.

Durante la II Guerra Mundial es llamado a filas, pero no ejerce como fotógrafo porque en el exámen de selección falla la composición de un revelador. Terminada la contienda, Leonard trabaja durante un año con uno de los mejores retratistas de su época, el canadiense Yousuf Karsh. Además de la técnica fotográfica y de trucos para manejar al retratado, el aprendiz se lleva del veterano, como único pago a todo ese año, un consejo que lleva a la práctica hasta el extremo: "Retrata la verdad, pero siempre desde la belleza".

Y belleza es lo que saca del mundo del jazz, donde entra de lleno a partir de 1948 en los locales de Nueva York. Para poder escuchar y fotografiar gratis a las estrellas intercambia sus fotos con los dueños de los locales, que las usan para anunciar actuaciones. Por el objetivo de su cámara Speed Graphic pasan Milles Davis, Charlie Parker, Ella Fitzgerald, Duke Ellington, Dizzy Gillespie o Billie Holiday.

Las fotos de Leonard transmiten la esencia de los clubes de jazz, llenos de humo, de público y de la emoción del directo. Consigue captar el ambiente trasladando las luces estroboscópicas de su estudio a los locales y colocándolas en el mismo sitio desde donde se ilumina la escena. "Solo quería sentirme cerca de esa música. No tenía idea de que me iba a convertir en parte de su historia", diría años más tarde en su libro Tras la escena: la fotografía de Herman Leonard. "La obra de Herman es música para mis ojos", decía de sus fotos el músico Quincy Jones, "consiguió escribir la Biblia de la fotografía del jazz".

El jazz le abre las puertas a otros mundos. En 1954 acompaña como fotógrafo personal a Marlon Brando en un viaje por Hawai, Bali, Filipinas y Tailandia.El sello musical Barclay Record lo contrata como fotógrafo oficial en 1956, con lo que traslada su estudio a París, sede de la empresa. Además de corresponsal en Europa de Playboy y los retratos a sus amigos del jazz en el mítico club St. Germain, Leonard trabaja para revistas como Elle o para modistas como Yves Saint Laurent, Chanel o Balenciaga.

También le llueven reportajes por todo el mundo, que le llevan a Afganistán, Etiopía o India. En 1980, cansado de la frenética vida del fotógrafo de éxito, decide retirarse a Ibiza con su familia. Siete años dura la aventura balear, hasta que agota sus ahorros y empieza a agobiarse por la presencia del turismo. Para impulsar su carrera, se ve obligado a los 65 años a financiar en Londres una exposición sobre sus retratos del jazz, un éxito de ventas y público.

Tras una breve etapa en San Francisco, el fotógrafo sólo puede recalar en una ciudad: Nueva Orleans. "Nunca me he sentido tan a gusto dentro de mi propia piel como en esa ciudad", dirá de la ciudad que suena a jazz. Allí sigue fotografiando a los mejores músicos del momento. Solo el huracán Katrina en 2005 hace que el fotógrafo se despegue de la ciudad, a la que volvió como protagonista de un documental, Saving Jazz. Una vez le preguntaron a Miles Davis por él. "¿Herman? ¡El mejor!", contestó.


EL PAÍS

jueves, 13 de octubre de 2011

Thelonious Monk Just a Gigoló

El tema que hoy os traigo no es una simple canción sino un medley de dos canciones. clásicas. La primera se titula “Just A Gigolo”, adaptada en 1929 por Irving Caesar a partir de otra canción de 1928 de Leonello Casucci y Julius Brammer siendo la segunda “I Ain’t Got Nobody”, más antigua aún: data de 1915 y sus autores fueron Spencer Williams y Roger Graham.

Dos temas cada uno con su propia historia, escritos en distintas épocas, en lugares distintos y por autores distintos, pero los cuales en 1956 Louis Prima (conocido como El Rey del Swing) emparejó y grabó para su álbum “The Wildest!”, una genialidad que se popularizó tanto que a menudo se piensa que se trata de una única canción.

Hoy me ha apetecido dejaros esta extraordinaria y minimalista versión del genial Thelonious Monk.


martes, 11 de octubre de 2011

Nils Petter Molvaer




Nils Petter Molvær (Sula, 18 de septiembre de 1960) es un trompetista, compositor y productor musical de jazz noruego.A los diecinueve años marchó a estudiar al conservatorio de Trondheim. Se unió a la banda de Masqualero junto a Arild Andersen, Jon Christensen y Tore Brunborg. Masqualero grabó varios álbumes con ECM Records, y Molvær también se unió a otros artistas de ECM para grabar, antes de debutar en solitario con Khmer en 1988. El disco era una fusión de jazz, rock, música electrónica yhip hop, muy distinto del jazz clásico al que estaba acostumbrado ECM.1 El sonido apagado de la trompeta, muchas veces tratado con procedimientos electrónicos, tenía una evidente relación con la música de Miles Davis en la década de los 70 y los 80, sin ser una copia exacta. Después de grabarSolid Ether en 2000, abandono ECM. ha grabado varios álbumes desde entonces, así como música para teatro y cine.

Lo que vais a escuchar a continuación, es inequivocamente la música de Nils Petter Molvaer. Contiene la pasión, la belleza etérea, la penumbra y el humanismo típico de su mezcla de jazz, folclore escandinavo, hip-hop y tecno.


lunes, 10 de octubre de 2011

Claro de Luna

Marcus Miller, nació en Brooklyn (New York) en 1959. Se educó en el seno de una gran familia musical, dado que su padre era organista en la iglesia y director del coro, circunstancia que le influenció mucho desde muy temprana edad, mostrando una precoz afinidad por todo tipo de músicas. Con 13 años tocaba con habilidad el clarinete, el piano y el bajo, y daba sus primeros pasos en la composición de música. Se inclinó por el bajo eléctrico y a los 15 años ya trabajaba de manera regular por los club de Nueva York en varios grupos. 


Marcus Miller, pasó los siguientes años muy solicitado como músico de sesión en los estudios de grabación de Nueva York, trabajando con Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James y David Sanborn, entre algunos otros. En 1981 se unió a la banda del que era su ídolo desde la infancia, el trompetista, Miles Davis, con quién permaneció dos años. Marcus alternaba la producción discográfica con las actuaciones en directo con diferentes artistas y con "The Jamaica Boys" banda de R&B que co-lideró un par de años, grabando dos discos con ellos. En aquella época, dedicaba toda su atención a la producción discográfica, siendo su primera gran producción el álbum "Voyeur" para David Sanborn, en 1980, que le mereció a este un premio Grammy, comenzando así una estrecha y duradera colaboración entre ambos músicos que continuó con la producción, años mas tarde de otros álbum de gran éxito: "Close Up" (Reprise, 1988); "Upfront" (Elektra, 1992); e "Inside" (Elektra, 1999), ganador de otro Grammy en el año 2000. 

En 1986, Marcus Miller, volvió a colaborar con Miles Davis, produciéndole el extraordinario álbum "Tutu", uno de los discos emblemáticos de la etapa eléctrica de Miles. Después de muchos años de trabajar como productor y músico de sesión, Miller publicó en 1993, su primer álbum a su nombre titulado: "The Sun Don’t Lie" con una regular acogida. Sin embargo al año siguiente se resarciría publicando "Tales" un paisaje colorista de la evolución de la música negra. En 1997 publicó para GRP el directo "Live And More" un concierto extraordinario y en la entrada del tercer milenio, sacó a la luz su álbum "M2". (JVC Japan, 2001).

En los últimos años, Miller, ha ocupado su tiempo profesional en la composición de música para el Cine. Suyas han sido las bandas sonoras de las películas : "House Party" y "Boomerang" con Eddie Murphy , "Siesta" con Ellen Barkin; "Ladies Man" con Tim Meadows y "The Brothers" con Morris Chestnut y D.L. Hughley. También compuso y produjo la exitosa canción "Old School Da Butt" para la banda sonora del film "School Daze", del excelente director, Spike Lee. Marcus Miller, continua en la actualidad su incesante tarea de acercarnos a la música de jazz, los sorprendentes sonidos de su bajo eléctrico.

Os dejo un vídeo en una versión del archiconocido "Claro de Luna" de Beethoven.


domingo, 9 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Novena y última parte) Missing

Así me gustaría que me recordaran, como alguien humanitario, porque, además de la música, debe de haber alguna razón para que yo siga aquí cuando todos mis colegas han muerto. Mi principal influencia en lo que vayamos a tener algún día como testimonio histórico, debe de ser algo más, porque Dios me ha dejado quedarme aquí mucho tiempo, y la mayoría mis contemporáneos, gente como Charlie Parker, Clifford Brown, Lester Young, Bud Powell, Oscar Pettiford, Charlie Christian, Fats Navarro o Tadd cameron, ya no están. La mayoría se han ido.

sábado, 8 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Octava parte) Embajador musical

-Voy a proponer al presidente Eisenhower que envía a este hombre, que ha hecho una gran contribución a nuestra música, a realizar una misión cultural del Departamento de Estado en Africa, Oriente Próximo, Oriente Medio y Asia.-
Me quedé de piedra.


viernes, 7 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Séptima parte) Torciendo la trompeta

La verdad es que mi trompeta adoptó su forma por accidente. podría decir que me fui al sótano a inventármela, pero no fue así. En realidad dejé la trompeta en un soporte, alguien le dio con el pie y, en lugar de caerse sin más, se torció.
Illinois Jacquet había dicho: -Yo no pienso estar aquí cuando regrese ese tío y vea su trompeta torcida. No, no pienso estar aquí cuando regrese ese cabrón que está loco-.
Era el cumpleaños de mi esposa y no quería ser una lata, así que me puse la trompeta en la boca y comencé a tocar. La toqué y me gustó el sonido. Había cambiado, se podía tocar con suavidad, con mucha suavidad, sin atronar.
Me fabricaron una y ésa es la que he tocado desde entonces.


jueves, 6 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Sexta parte) Brasil

Brasil me proporcionó realmente amplitud de miras musical. Me demostró la unidad de la música, y que las de diferentes entornos étnicos pueden fundirse en una sola, sin perder su diversidad. Me enseñó que, dentro de la música, hay diversidad dentro de la unidad, algo que la fe bahaí enseña respecto a la vida.


miércoles, 5 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Quinta parte) El inventor de Latin Jazz

Chano Pozo regresó a Nueva York porque alguien le había robado sus instrumentos, y le mataron cuando regresó; nosotros todavía estábamos por allá abajo. Se dice que la cosa tuvo que ver con drogas, que alguien le había vendido algo de mala calidad y que él se presentó ante el tipo, le reclamó su dinero y lo abofeteó.
-Más vale que te disculpes-le comentó el sujeto-, si no te disculpas, te mato. 
-¿Disculparme yo?- replicó Chano, y le dio otro golpe.
El tipo se fue a su casa, cogió una pistola, volvió y le disparó. Chano seguía en el bar. Ocurrió en el Rio Bar de la calle 111 y la Quinta Avenida de Nueva York. Eso es lo que me dijeron en 1948.


martes, 4 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Cuarte parte) Be Bop

En el Onyx Club tocábamos muchas melodías originales que no tenían título. Escribíamos simplemente una introducción y un primer chorus. Yo decía: "Di-da-pa-dan-de-bop.." y allí que bamos´. La gente, cuandol quería pedir alguno de esos temas y no se sabía el título, pedía simplemente bebop. Y la prensa se quedó con la palabra y comenzó a llamarlo bebop. El término apareció impreso por primera vez cuando estábamos tocando en el Onyx Club. 


lunes, 3 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Tercera parte) Un músico completo

Un día estábamos ensayando el Strand Ballroom con Diz sentado al piano. Prefería la trompeta, pero creo que si se hubiera tanto al piano como a la trompeta habría sido de los mejores pianistas. Sus ideas y su estilo eran originales. Era original porque los demás daban un par de notas y tocaban blues, pero él agarraba la trompeta y recorría como si estuviera practicando escalas, en cualquier tonalidad. A veces, yo me dejaba la trompeta sobre las rodillas y me limitaba a escuchar.
"Fats Palmer" (Palmer Davis trompeta)


domingo, 2 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Segunda parte) Excursiones en parachoques

En Cheraw y también en Carolina del Norte, en Rockingham y Hamplet, los bailes para la gente de "color" siempre se celebraban al aire libre durante el verano. Los novios de mis hermanas mayores venían en coche a recogerlas, y cogían la carretera para llegar a Bennetsville, situado a 22 kilómetros; Rockingham a 37, o Hamlet, a 20. En los años treinta, todos los coches tenían grandes parachoques traseros. Yo me escondía, esperaba hasta que mis hermanasy sus amigas se montaran, y después me encaramaba sigilosamente al parachoques trasero. Ellos estaban tan ocupados jugueteando y pasándoselo bien que nunca se daban cuenta de mi presencia. Las carreteras no estaban asfaltadas, y a mí se me llenaba la cara con tal cantidad de ese polvillo rojizo que hay en Carolina del Sur que, cuando me bajaba del parachoques para ir al baile, parecía un blanco. Yo era el único. Mucha gente utilizaba el mismo transporte, así que nunca tuve que preocuparme de que alguien se negara a bailar conmigo por lo sucio que estaba. Cuando mis hermanas se bajaban del coche y se daban cuenta que las había seguido se enfadaban, pero a mí no me importaba porque sabía que me tendrían que llevar de vuelta a casa. De este modo conseguía ir a todas las fiestas para gente de "color", donde aprendía pasos nuevos e incorporaba algunos de mi cosecha.


Os dejo este vídeo con el magnífico trompetista cubano Arturo Sandoval.


sábado, 1 de octubre de 2011

Dizzy Gillespie (Primera parte) "To be or not to bop"

"Si hay hombres que han muerto por esta música, el asunto debe ser muy serio. (...) Ha llegado, pues, la hora de que los negros escriban esta historia, porque los blancos no han parado de hacerlo y ahora nos toca a nosotros contar lo ocurrido".
Dizzy Gillespie

"Gillespie es una paradoja norteamericana a la manera de Louis Armstrong: un artista esencialmente crítico e innovador que jugaba (en ocasiones de manera soberbia) a hacer el payaso. (...) Fue, sin embargo, un temible vanguardista que ayudó a inventar el jazz contemporáneo en parte para repudiar el espíritu absurdamente frívolo y comercial que había apagado la energía de la música durante la era del swing".
Gary Giddins

 En una serie de nueve extractos de las memorias de Dizzy Gillespie "To be or not to bop" escrito por el propio Dizzy y Al Fraser, os iré dando detalles de su carrera.