jueves, 31 de enero de 2013

William Claxton / Nick LaRocca

Autor : William Claxton

“Estábamos en Nueva Orleans y vino a vernos, lo primero que nos dijo fue: ‘¡Qué narices es eso de que el jazz lo inventaron los negros! El jazz lo inventó un músico blanco: yo’. Él, con esa voz ronca tan suya, y Joachim Berendt, con su aire tan europeo, que le contesta: ‘Pero usted no puede asegurar que lo haya inventado, sí lo ha transformado pero inventado…’ Luego fuimos a escucharle y todas las noches, mientras estuvimos en Nueva Orleans, nos dábamos con alguien que insistía en ser el inventor del jazz. Todo resultaba insólito para nosotros, yo tampoco conocía muchas de las cosas que escuchamos y vimos”.

© William Claxton

miércoles, 30 de enero de 2013

William Claxton / Chet Baker

Autor : William Claxton

“Esta es una foto de 1959 y es extremadamente rara. En ella puede verse a Chet tal cual era, al natural, y puede verse que le falta un diente. Cuando le conocí tenía un corrector dental pero nunca se decidió a fijárselo porque pensaba que ello le afectaría a la embocadura y terminaría por arruinar su sonido. Tenía cuidado de no mostrar demasiado su sonrisa. Y era muy coqueto. Lo sé porque le hice muchas fotos para sus primeros discos”. 
 © William Claxton, 2006 / © Taschen, 2006
Fuente : © Cuadernos de Jazz, 2006-2011

Os dejo un  tema titulado"I talk to the trees" del disco "Chet Baker Plays The Best Of Lerner & Loewe" (1959) con el mismo Chet Baker acompañado de Herbie Mann (flauta), Zoot Sims (saxo alto y tenor), Pepper Adams (saxo barítono), Bill Evans (piano), Earl May (contrabajo) y Clifford Jarvis (batería).


martes, 29 de enero de 2013

Bill Charlap


Bill Charlap (Nueva York, 15 de octubre de 1966), pianista estadounidense de jazz. Su especialidad son los estándares y su estilo oscila entre el bop y el hard bop.

Nace en el seno de una familia musical: su padre, Mark Charlap, fue compositor de Broadway y letrista para obras como Peter Pan,The Conquering Hero, Whoop-up, Alice Through the Looking Glass y Kelly; su madre, Sandy Stewart, es una popular cantante que trabajó con Benny Goodman, participó en el show televisivo de Perry Como y consiguió una nominación a los Grammy por su canción "My Coloring Book". 
Bill comenzó a tocar el piano muy joven. Estudió con el pianista de jazz Jack Reilly y con la pianista clásicaEleanor Hancock, y fue ayudado además por Dick Hyman. Se incorporó completamente al mundo del jazz a finales de los años ochenta, cuando se unió al quinteto del saxofonista Gerry Mulligan y, más tarde, en 1994 incorporándose a la banda del también saxofonista Phil Woods. 
Durante esta etapa, Charlap acompañó a artistas como Benny Carter, Clark Terry, Frank Wess, Tony Bennett, Carol Sloane y Sheila Jordan. Bill Charlap ha sido director musical de Midnight in the Garden of Good and Evil, un homenaje aJohnny Mercer, parte del JVC Jazz Festival de Nueva York. Comenzó su carrera como solista en 1994 y ha grabado desde entonces varios discos. 
En 1996, comenzó a tocar en trío con el bajo Peter Washington y el batería Kenny Washington.


lunes, 28 de enero de 2013

Frank Wess


Si bien Frank Wess en el mundo del jazz estadounidense es un reconocido saxfonista tanto tenor como alto, con participaciones y colaboraciones con inumerables músicos, así como líder de unas cuantas big bands al estilo Basie, su aporte interpretando jazz con flauta es su mayor logro, no sólo por su calidad musical, sino por aventurarse a principios de los '60 junto con Herbie Mann, Yusef Lateef y otros en forma solista con un instrumento poco habitual. 

Frank Wess es uno de esos buenos músicos de jazz que, posiblemente por no haber puesto el énfasis en su carrera como líderes, han sido injustamente infravalorados a lo largo de su carrera. Claro que, quizá, una de las razones de que su nombre no sea más conocido entre los aficionados del jazz es su implicación en el mundo de las big bands, que no favorece precisamente el brillo individual. Sin embargo, se trata de uno de los primeros y mejores flautistas de jazz, además de ser un notable saxofonista, alto y tenor (en este último caso, influido por el gran Lester Young). 

Nacido el 4 de Enero de 1922, en Kansas City, se interesó en su juventud por la música clásica, tocando en Oklahoma. Posteriormente optó por el jazz, mudándose a Washington, D. C. Con 19 años ya estaba de gira con Blanche Calloway y trabajando con big bands. Durante la II Guerra Mundial tuvo que enrolarse, pero formó parte de una banda militar. A la vuelta del servicio, no tardó en unirse a la orquesta de Billy Eckstine, para posteriormente colaborar con Eddie Heywood, Lucky Millinder y la estrella del R&B Bull Moose Jackson. Contemporáneamente, al volver a Washington, se graduó como flautista en la Modern School Of Music.

domingo, 27 de enero de 2013

Sonny Clark

Empezó a estudiar piano muy pronto y alternaba esos estudios con los del contrabajo y el vibráfono. En 1940 su familia se trasladó a Pittsburgh y siete años mas tarde, en 1947, ya actuaba delante del publico, cosa que alternaba con sus estudios de teoría junto a su hermano.

A la muerte de su madre, se trasladó a Los Ángeles y allí comenzó a tocar con Wardell Grey, Teddy Edwards y Harold Land. Meses mas tarde su destino fue San Francisco, donde entró a formar parte de un grupo dirigido por el contrabajista, Oscar Petifford. Entre 1953 y 1956, formó parte del grupo del clarinetista, Buddy de Franco sustituyendo a Kenny Drew. En 1954, tuvo la oportunidad de viajar a Europa en esa formación y cuando concluyó el contrato con Buddy de Franco, firmó con los "Lighthouse All Stars" que dirigía el contrabajista, Woward Rumsey y en 1957 llegó a New York como pianista de la cantante Dinah Washington. Grabó un disco con el saxo barítono, Serge Chaloff para el sello Blue Note, y a a raíz de esta colaboración pasó a ser un músico permanente de dicho sello que lo contrató en nómina como sideman.

El resultado fueron seis discos a su nombre y teniendo como compañeros de grabación a lo mas granado del hardbop de la época como: Hank Mobley, Art Farmer, John Coltrane o Paul Chambers, y una larga serie de grabaciones al lado de Sonny Rollins, Curtis Fuller, Johnny Griffin, o Dexter Gordon entre otros. Victima, como muchos otros músicos de los estupefacientes, su actividad se tuvo que ver interrumpida al ser ingresado en 1963, en un Hospital de New York con una gran infección pulmonar. Dado momentáneamente de alta, pocos días después murió victima de un infarto cuando aun no había cumplido los 32 años.

Influido por el maestro, Bud Powell, Sonny Clark engrosa la lista de extraordinarios músicos muertos en el cenit de su carrera y cuando aun tenían por delante una extraordinaria trayectoria. Poseía ese estilo rapidísimo y frenético que con un continuo despliegue de notas, enlazaban en acordes, y resonancias originalísimas. Su fraseo recordaba también al del maestro Art Tatum, por la utilización de múltiples adornos, y al de Teddy Wilson por su refinamiento en las baladas. Entre sus grabaciones destacan: "Deep in a Dream" junto a Ike Quebec con todos los temas compuestos por el.


sábado, 26 de enero de 2013

Motohiko Hino


Motohiko Hino fue un batería japonés nacido el 3 de Enero de 1946 en Tokio y fallecido el 13 Mayo de 1999. Hermano menor del trompetista Terumasa Hino, era considerado el mejor percusionista nipón.Os dejo una versión del clásico del Led Zeppelin "Stairway to Heaven", acompañado de Steve Swallow (bajo), Karen Mantler(órgano), John Scofield (guitarra), Mike Stern(guitarra) y Dave Liebman(saxo) todo un lujo.


viernes, 25 de enero de 2013

Charlie Mariano


El saxofonista alto y compositor, Charlie Mariano (Boston, 1923) debutó en 1948 al lado del trompetista, Shorty Sherock, mientras estudiaba en la "Schillinger House"actualmente, la célebre y renombrada "Berklee Scholl of Music". Discográficamente debutó con el arreglista, Nat Pierce, con quien estuvo dos años (1949 y 1950). Posteriormente trabajó con el grupo de Chubby Jackson y de Bill Harris. Entre 1953 y 1955 colaboró con la orquesta del maestro, Stan Kenton, donde llegó a ser uno de sus grandes instrumentistas. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde contactó con el grupo del baterista, Shelly Manne y con otros músicos de la Costa Oeste.

En 1959 contrajo matrimonio con la pianista y compositora japonesa, Toshiko Akiyoshi, con la que formó un cuarteto junto al contrabajista, Gene Cherico y el baterista, Eddie Marshall. Tras algunos años de matrimonio, la pareja se separó, conyugal y musicalmente, y Charlie formó un nuevo cuarteto con otro saxofonista alto: Jerry Dodgion, pero su carrera empezó a ofrecer síntomas de decadencia. Viajó por Europa y Extremo Oriente, y en Alemania contactó con músicos jóvenes e inquietos, cuyas señas de identidad musicalmente hablando, era la fusión del jazz con el rock. Charlie Mariano, siempre fue un músico valiente, innovador y admirador del estilo de Charlie Parker. 

Músico ecléctico y de gran emotividad, su afán por abarcarlo todo lo perdió en ocasiones, y su música se resentía de esa actitud fragmentaria. A pesar de todo,Charlie Mariano, siempre fue un músico creativo, inteligente y poroso con otros estilos musicales.

Charlie Mariano se adentra con reverencia y humildad en el universo de la música clásica hindú (Karnataka). Semejante capacidad para integrarse en un contexto ajeno al propio y enriquecerlo, respetando su esencia, constituye un privilegio reservado a los creadores versados en el supremo arte de la improvisación entre los cuales, los músicos de jazz constituyen la élite: "gracias a que soy capaz de improvisar puedo moverme por dónde quiero y tocar con quien me da la gana. Me siento como un "Superman" de la música" (Charlie Mariano). Muy pocos entendieron en su momento la verdadera grandeza y el significado de este excepcional disco.

Chema García Martínez - Esto es Jazz (Alianza Editorial)

jueves, 24 de enero de 2013

Woody Shaw

Woody Shaw (Laurinburg, 24 de diciembre de 1944 - 10 de mayo de 1989), la infancia de Shaw transcurrió en Newark, Nueva Jersey, donde comenzó a tocar la corneta sin pistones a la edad de 9 años. Dos años más tarde, por pura casualidad, adopta su instrumento definitivo, tomando clases de trompeta de Jerome Ziering, un profesor a quien el propio Shaw atribuye una gran influencia en su desarrollo temprano como músico. Shaw demostró una gran capacidad, con oído absoluto y memoria fotográfica, y como resultado de ello sus profesores lo inscribieron dos cursos por delante del que le correspondía por edad en el Arts High School, una institución por donde habían pasado nombres tan notables como los de Wayne Shorter, Sarah Vaughan o Larry Young.


Las primeras influencias de Shaw fueron Louis Armstrong, Fats Navarro, Miles Davis, Kenny Dorhman, Freddie Hubbard, Lee Morgan y, especialmente Dizzy Gillispie, con quien el padre de Shaw -un cantante de gospel- había acudido a la High School. En 1963 da comienzo su carrera profesional grabando con Willie Bobo y Eric Dolphy, quien, al año siguiente, invita a Shaw a acompañarle a París. A pesar de la repentina muerte de Dolphy, justo antes del proyectado viaje, Shaw decide ir de todas formas a la capital francesa, donde se establece con su amigo Nathan Davis al lado de figuras como Bud Powell, Kenny Clarke o Art Taylor. En tal compañía, el trompetista frecuenta Londres y Berlín, pero en 1964 decide regresar a Estados Unidos, para unirse al quinteto del pianista Horace Silver, con quien permanece durante el bienio 1965-66. Durante el resto de la década trabaja con Chick Corea (1966-67) , Jackie McLean(1967), Booker Ervin (1968), McCoy Tyner (1968), Max Roach (1968-69) y Andrew Hill (1969).

La década de los 70 se inicia con colaboraciones con Pharoah Sanders, Hank Mobley, Gary Bartz, Archie Sheep o Joe Henderson, quien lo contrata para su quinteto en 1970. Desde 1971 hasta 1973 forma parte de los famosos Jazz Messengers de Art Blakey, y tras ese período se establece en San Francisco para co-liderar un proyecto junto a Bobby Hutcherson. En 1975 vuelve a Nueva York junto al baterista Louis Hayes, con quien forma un quinteto a nombre de ambos. En 1977 Shaw, influenciado por la música modal de Coltrane y el hard bop de corte más clásico, lidera varios grupos bajo su nombre. En 1978 firma con Columbia Records para editar una serie de álbumes hoy ya clásicos. Desde ese año y hasta 1983, Shaw mantiene un quinteto relativamente estable, que incluía, entre otros, al trombonista Steve Turre y al pianista Mulgrew Miller, pero a partir de esa fecha se suceden numerosos formaciones en las distintas agrupaciones bajo su nombre.

Durante sus últimos años le había sido diagnosticada una enfermedad incurable en los ojos que le estaba haciendo perder progresivamente la visión, lo que dificultaba su carrera profesional. El 27 de febrero de 1989, en circunstancias poco claras, Shaw sufrió un atropello en el metro de Brooklyn, lo que le ocasionó importantes daños en su brazo izquierdo. El 10 de mayo de 1989, tras diversas complicaciones, fallece por problemas de riñón.

Woody Shaw fue uno de los músicos de mayor talento y más innovadores de su generación, y a pesar de su temprana y trágica muerte, ha dejado un legado de enorme influencia en el jazz contemporáneo. Inspirado a partes iguales por su formación clásica, por los experimentos modales de John Coltrane y Eric Dolphy en la década de los 60, y por los desarrollos post-bop de esa misma década, la obra de Shaw a través de la cambiante década de los 70 y la difícil década de los 80, ha resultado el terreno de cultivo ideal donde han surgido las nuevas generaciones de jóvenes leones que, como Wynton Marsalis, son figuras de máxima referencia en el jazz tradicional contemporáneo. Woody Shaw pasará sin duda a la historia como uno de los grandes innovadores, líderes y mentores de la historia del jazz.


miércoles, 23 de enero de 2013

Brian Hughes

El guitarrista canadiense de jazz Brian Hughes, es una de las grandes figuras del jazz contemporáneo. Aunque comenzó como un guitarrista autodidacta, Brian estaba estudiando Economía en la Universidad de Alberta cuando un programa musical de verano en el Grant McEwan College de Edmonton, le abrió el paso a su carrera musical. Completó su formación musical con la guitarra con renombrados ejecutantes de este instrumento como Ed Bickert en el Banff School of Fine Arts y con Pat Martino en el Musicians Institute de Los Ángeles.

Los dos primeros álbumes de Brian titulados: Between Dusk and Dreaming y Under One Sky fueron grabados por el sello Justin Time y ambos estuvieron en el Top-10 de las listas de Jazz Contemporáneo de varias emisoras de radio y lo afianzaron como uno de los primeros guitarristas y compositores en el género. Gracias al consejo de su gran colega Loreena McKennit, Brian creo su propio sello Sylvan House Music y grabó el álbum: Straight to you distribuido en Canadá por la Warner Records y por la discográfica Higher Octave en el resto del mundo. Ambos discos estuvieron largo tiempo entre los primeros puestos de las listas musicales del mundo.

Ganó el premio SOCAN/BMI's como "Compositor de Jazz e Instrumental del año" en reconocimiento de su distinción por lograr mayor tiempo en el aire en todo el mundo que cualquier otro artista canadiense en su género. En dos oportunidades ganó además el Premio de Jazz Report en la especialidad de "Grupo del Año" y también recibió una nominación al Premio Juno como productor del año por su trabajo en el álbum The Visit.

Actualmente vive en Toronto, Canadá y ha deslumbrado audiencias a lo largo y ancho de su país, Estados Unidos, Europa, Australia y Japón, compartiendo escenarios con John Scofield, John McLaughlin, Lee Ritenour, Eddie Gómez, Freddie Hubbard, Spyro Gyra, Robben Ford y muchos más.


martes, 22 de enero de 2013

Louis Sclavis




Louis Sclavis es un clarinetista y saxofonista de jazz francés. Nació el 2 de febrero 1953 en Lyon. Empezó a estudiar clarinete a los 9 años, antes de estudiar en el Conservatorio de Lyon. Desde finales de los años 70 empezó a hacer conciertos con el Workshop de Lyon, encuentra a Michel Portal, Bernard Lubat y luego toca con el Brotherhood of Breath de Chris MacGregor y el cuarteto de Henri Texier. Luego graba discos con su propio nombre y toca en los principales festivales. Recibió el Premio Django Reinhardt "mejor músico de jazz francés" en 1988.

En 1989, con su cuarteto, recibe el premio "mejor creador europeo" de la Biennal de Barcelona y recibe en el MIDEM el British Jazz Award 90/91 del mejor artista extranjero.

Os dejo un vídeo con un par de temas de su disco Napoli´s walls.

jueves, 17 de enero de 2013

El mundo del jazz - Leonard Bernstein - Capítulo 1 de 5


Inicio una serie de episodios de la Conferencia tomada de la serie televisiva norteamericana "Omnibus", presentada por el eminente Leonard Bernstein. Un aporte valiosísimo para la pedagogía y la didáctica musical, específicamente en el campo del jazz. La serie, que ha sido merecedora de más de 60 galardones, fue inicialmente transmita por la CBS.

miércoles, 16 de enero de 2013

Un flamenco en el olimpo del jazz

El saxofonista y compositor Jorge Pardo recibe el premio al mejor músico de jazz europeo

Jorge Pardo
“Para mi, el mayor premio es vivir, y amar, y hacer música”. Jorge Pardo (Madrid, 1955), saxofonista, flautista y compositor, ha recibido esta tarde el premio al Mejor Músico de Jazz Europeo que otorga la Académie du Jazz francesa en solemne ceremonia celebrada en el Théâtre du Châtelet parisino: “Los premios no me dicen mucho, aunque los recibo con alegría, y éste más, por venir de donde viene y porque, en España, si alguien triunfa fuera, es como que se les abren los ojos a algunos: “mira, si al final este chico va a ser bueno…”.

El madrileño, que ha recibido el galardón de las manos de la actriz Victoria Abril, ha sido el primer músico español en ser reconocido por la institución fundada en el año 1955, entre cuyos presidentes de honor se hallan Jean Cocteau, Georges Auric o Henri Sauget: “Toda mi vida he vivido en el filo de la navaja de la controversia entre si soy un músico de jazz o no. Son muchos los que ven en mi música un atentado a la pureza del género. Por eso me parece tan bonito encontrarme aquí, en París, que es el segundo puerto de jazz en el mundo después de Nueva York. Si algo me ha animado a venir ha sido el atrevimiento de quienes han decidido premiar a un tipo 'impuro' como yo”.
La vida de Pardo es un incesante ir y venir entre el jazz, género que le alumbró en sus primeros años de profesional, y el flamenco, que le abrió sus puertas de par en par tras de que entrara a formar parte del grupo de Paco de Lucía: “Todos saben que comencé tocando jazz y que todavía lo hago, pero la vida me ha llevado por otros caminos y, ahora, una parte de mi sangre está en el flamenco. Este es el tipo de contradicciones que me encantan y un premio como éste lo que hace es ponerlas encima de la mesa y hacerlas oficiales”.
De Paco de Lucía a Chick Corea; el mundo de Jorge Pardo es amplio y abarca los grandes teatros y los pequeños locales de barrio en los que es posible escucharle explayándose a gusto sin importar la hora ni la compañía: “Hay un mundo exterior del artista que son los viajes, los escenarios, las firmas al final del concierto pero, al final, lo que te gusta es estar con tu gente, en tus sitios, tocando en pijama y zapatillas. Me considero una rata callejera, he viajado a lo largo de los cinco continentes, y allá donde voy me encuentro como en casa, me da igual si estoy acompañando a Chick en el Carnegie Hall de Nueva York o tocando la flauta en un chiringuito de playa en Almería”.
De sus primeros pasos junto a Dolores, el grupo que revolucionó el panorama del jazz nacional mediados los años setenta, queda apenas el recuerdo de un par de composiciones que Jorge conserva plenamente activas en su repertorio: “El mundo del jazz no ha variado mucho con el paso del tiempo, sigue existiendo ese sentido lúdico de tocar por tocar, y nos liamos en proyectos que nos apasionan y con los que perdemos dinero y, pese a ello, somos felices”.
Entre los proyectos no necesariamente lucrativos del Mejor Músico de Jazz Europeo se hallan la edición de un nuevo disco, Puerta del sol, fruto de su experiencia telúrica en Perú tocando junto a un conjunto de músicos de aquel país, y la puesta en escena de su anterior Huellas en formato “XL”, este mes de julio en el marco del Festival EtnoSur (Alcalá la Real, Jaén): “Las dificultades económicas no son ninguna novedad. El músico de jazz vive en una crisis permanente. Ayer, mientras venía hacia aquí, pensaba en todos los genios que desembarcaron en París a finales de los cincuenta porque en su país les era muy difícil encontrar trabajo, gente como Bud Powell o Dexter Gordon. Al final, la cosa no ha cambiado demasiado. Nunca hemos dejado de ser artistas marginales”.
CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ - EL PAÍS

Miles Griffith


"...El cantante Miles Griffith es un músico extraordinario. su voz y su creatividad le aseguran formar parte de la historia del jazz del siglo XXI."

Estas palabras pronunciadas por Wynton Marsalis, sirven para presentar a este extraordinario cantante en sociedad. Las raíces musicales de Miles Griffith, emanan de las Iglesias, Batista, Metodista, Pentecostés y Yoruba todas ellas muy arraigadas en el acervo cultural de New York. Su carrera profesional comenzó a los seis años cuando trabajó para la película "One Trick Pony" que versaba sobre la biografía de Paul Simon. A los 11 años se hace miembro de los "Boys Choir of Harlem" y entra en la "High Shool of Music de New York". Cuando se gradúa trabaja con Stphen Scott, Justin Robinson, Gregory Hutchinson, Taru Alexander y el extraordinario pianista, Barry Harris. Miles Griffith continua su educación musical en Long Island University y en el Queens College donde recibe el "Master Degree in Vocal Perfomance" bajo la dirección de Jimmy Heath y Sir Roland Hanna.

En muy poco tiempo, Griffith, emerge como un serio contendiente en la escena del jazz moderno. En 1994 realiza el papel principal de "Jesse" en "Blood On The Fileds" de Wynton Marsalis. En 1988, la prestigiosa revista Down Beat, en su encuesta anual entre críticos y aficionados le concede uno de los premios reservados a talentos que requieren une especial reconocimiento. En ese mismo año queda finalista del premio internacional "Thelonius Monk" para vocalistas de jazz. Graba "We' we Got What You Need" y "Truth Justice & The Blues" con James Williams, para el ello "Evidence Music". La primera obra presenta un cartel estelar de grandes mujeres del jazz como Etta Jones, Dianne Reeves y Vanessa Rubin. En la segunda obra, Miles Griffith, trabaja junto a James Williams, Billy Pierce y Christian McBride entre otros. 

martes, 15 de enero de 2013

Paul Horn


Nacido en Nueva York en 1930, Paul Horn es un flautista de Jazz y New Age.
Horn empezó tocando piano a los 4 años de edad, el clarinete a los 10 y el saxofón a los 12.
Comenzó en los años 60 a crear improvisaciones étnicas, lo que dio lugar años más tarde a la New Age. Su andadura en el jazz la inició en el grupo de Chico Hamilton.

lunes, 14 de enero de 2013

Svend Asmussen




Svend Asmussen ( 28 Febrero 1916 en Copenhagen, Dinamarca) es un violinista conocido como "The Fiddling Viking". Asmussen creció en una familia musical y comenzó a estudiar violín a los 7 años de edad.
Este extraordinario violinista ha tocado con lo más granado de su época.

domingo, 13 de enero de 2013

Lars Gullin


Lars Gunnar Victor Gullin (4 Mayo 1928, Sanda, Gotland – 17 Mayo 1976, Vissefjärda) fue un saxofonista barítono sueco, pianista ocasional y compositor cercano al estilo cool estadounidense, pero con una clara influencia del folclore sueco.
Los problemas de adicción a los narcóticos, y la ausencia de viajes a USA, impidieron  a éste genial jazzman europeo ser más conocido a nivel internacional.
Falleció como consecuencia de un ataque cardiaco debido a los efectos provocados por su larga adicción a la metadona.
Os dejo un par de vídeos, entre los cuales está un concierto con Chet Baker, músico con quién compartió escenario y algunas coas más, durante varias giras europeas.

sábado, 12 de enero de 2013

Bill Evans el saxofonista



El saxofonista Bill Evans empezó sus estudios de piano antes de estudiarl clarinete y saxofón. A los 16 años ya daba conciertos de piano clásico; Estudio un año en la Universidad de North Texas State antes de ingresar en el William Patterson College de New Jersey, en donde continuó sus estudios con el gran saxofonista Dave Liebman, quien lo recomendó a Miles Davis. Después de su graduación Evans se unió a la banda de Miles con quien estuvo los cinco siguientes años, de 1980 a 1984, siendo este encuentro clave para la vuelta de Miles en el circuíto de Festivales de Jazz de todo el mundo después de varios años de inactividad.

Después de grabar varios discos con Miles Davis, participó en otros grandes proyectos musicales como miembro de la reformada banda Mahavishnu Orchestra liderada por el guitarrista John McLaughlin con quien estuvo tres años, grabando 2 álbumes con ellos; su siguiente etapa fue como miembro de la banda Elements con Mark Egan y Danny Gottlieb con los que grabó 3 álbumes más; en 1990 participó en la grabación del disco en solitario de Mick Jagger titulado "Primitive Cool".

Más tarde fundó y lideró una gran banda llamada Petite Blonde con Dennis Chambers a la bateria, Víctor Bailey al bajo, Mitch Forman a los teclados y Chuck Loeb a la guitarra, grabando un gran álbum en directo. Otros grandes créditos y logros de Bill Evans son sus giras y grabaciones con Herbie Hancock, Lee Ritenour y Andy Summers (Ex-guitarrista del grupo Police) y también ha colaborado en grabaciones para Michael Franks, David Sanborn, Ron Carter y Mark Egan.

Bill Evans debutó en solitario discográficamente en 1984 con el álbum "Living In The Crest Of Wave" para el sello Elektra. Después de sus atrevidas experiencias discográficas anteriores, fusionando ritmos callejeros de Rap y Hi-Hop y sus últimas entregas de corte mas melódico, apareció con "Soul Insider" su brillante álbum de 2001, en donde volvió a sorprendernos con un sonido mas groove interpretando Soul, Funk y Jazz de alto voltaje rodeado como siempre de grandes músicos; "Soul Insider" fue nominado para los premios Grammy.

viernes, 11 de enero de 2013

Don Ellis

Dotado de un expresivo talento, el trompetista Don Ellis, se dio a conocer musicalmente tocando música de bigband y obtuvo una licenciatura de composición en la Universidad de Boston en 1956. Estuvo un año en la banda de Ray McKinley, y cuando se licenció del ejercito en 1958, entro a formar parte del grupo de Charlie Barnet, y mas tarde de la banda de Maynard Ferguson. Llegó a New York con una solida formación y bien rodado con su instrumento en 1961 donde entró a tocar con el sexteto del pianista George Russell, donde coincidió con Eric Dolphy.

Entre los años 1960 y 1962, grabó varios discos con el sello "Candid" y con "Pacific Jazz". En 1963 viajó a Europa y formó el "Hindustany Jazz Sextet" un combo de vida efímera que combinaba la música oriental con algunos tonos de jazz. Incorporó en su trompeta una cuarta válvula - fue l primer musico de jazzque lo hizo- lo que le permitía tocar cuartos de tono en el desarrollo general de una improvisación normal. En 1964 hizo nuevamente un intento también fallido de organizar una nueva bigband. Fue en Los Ángeles en 1964 cuando consiguió que su proyecto musical cuajase contra todas las previsiones y su grupo participó por aquélla época en los mejores festivales de jazz del mundo. Por aquellos años grabó su disco con mas éxito hasta entonces titulado "Electric Bath" para Columbia en 1967.

Don Ellis, fue uno de los mejores músicos de jazz en el periodo final de los años sesenta, grabó un magnifico disco en directo en 1968 para Columbia titulado "Live at Fillmore" que le encumbró definitivamente a la fama. También colabora con el cine donde ganó varios premios por la banda sonora de la película "French Connection" en 1972. Un ataque al corazón en 1975 le obligó a reducir su actividad y tres años mas tarde un nuevo infarto acabó con su vida. 

jueves, 10 de enero de 2013

Gloria Lynne


La neoyorquina, Gloria Lynne aprendió de niña a querer la música dado que su madre era cantante de gospel y ella misma, en su adolescencia, formaba parte de la Zion Church, una comunidad que velaba por la conservación de las raíces afroamericanas en la música sacra. En 1951 ganó el famoso concurso para jóvenes cantantes en el Apolo Theatre de Harlem, el mismo escenario que dos décadas atrás, lo habían ganado las tres grandes cantantes de jazz: Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Sarah Vaughan.

Su primer trabajo profesional fue precisamente cuando trabajó en varios shows musicales de prestigio con Ella Fitzgerald. Su fama de buena cantante le facilitó firmar un contrato con el sello "Everest Records" donde grabó entre 1958 y 1963, nueve álbumes. Su poderosa voz de contralto, muy nasalizada y vibrada, se encuentra magníficamente representada en el álbum: "Miss Gloria Lynne" grabado en 1958 para el sello Evidence en lo que fue su primer registro a su nombre. En Ése disco de debut, la acompaña un gran septeto en el que figuraban: el trompetista, Harry Edison, el vibrafonista, Eddie Costa; el guitarrista, Kenny Burrell; el organista, Wild Bill Davis y el baterista Jo Jones.

Entre sus mejores registros, está el álbum grabado en 1960: Go! Go! Go! para el sello donde grabó el grueso de su carrera: Everest. Gloria Lynne siempre citaba entre sus cantantes favoritas a Mahalia Jackson, la reina del gospel y a Marian Anderson otra cantante de spirituales muy famosa. Conforme se acercaban los ultimos años del siglo XX, su actividad musical decayó notablemente y solo se le conoce una efímera reaparición en 1992 para firmar con el sello Muse un extraordinario disco: "No Detour Ahead", en el que todavía tenia las facultades para el canto intactas, y posteriormente otro álbum en 1998 con el sello High Note que por el contrario puso un triste colofón a su carrera.
 

miércoles, 9 de enero de 2013

Meade "Lux" Lewis

El pianista y compositor, Meade "Lux" Lewis, se caracterizó por su gran riqueza en el lenguaje y la fuerza en el uso de los bajos en esa técnica absolutamente peculiar que tomo el nombre de Boogie-Woogie. Meade Lux Lewis, es también famoso sobre todo por la interpretación cálida y emotiva del tema "Honky Tonky Train Blues" que pasó desapercibido en la época de su primera grabación y fue después revalorizado por el critico John Hammond, que lo consideró justamente, como un tema fundamental para entender el tipo de fraseo tan particular expresada por este estilo pianístico.

El ambiente de Chicago en los años veinte, influyó en la consolidación de ese estilo y allí vivió Meade Lux Lewis, sus primeras experiencias. Después de grabar el ya famoso citado tema en 1929, cayó en el olvido y un año después fue redescubierto por John Hammond en un garaje del gheto de Chicago mientras lavaba los coches de sus clientes. No costó convencerlo para que grabara una y mil veces para DECCA, Víctor, Blue Note y Clef, el ya famoso "Honky Tonky Train Blues" con la introducción cada vez de distintas variantes que contribuían a la pluralidad fascinante de sus grabaciones.

Meade Lux Lewis, fue llamado a participar en un famoso concierto en el Carnegie Hall de New York, y poco después, Lewis tuvo después ocasión de interpretar su papel de boogie-man caprichoso e intuitivo en la película "New Orleáns" y en muchos conciertos organizados por el "Jazz at the Philarmonic" la organización del productor, Norman Granz. Lewis fue además un excelente solista de celesta y grabó numerosos discos con músicos tradicionales del jazz y en particular con el cuarteto de Edmund Hall. Meade Lux Lewis siguió trabajando regularmente hasta su muerte en 1964.


martes, 8 de enero de 2013

Documental de Petrucciani


Acabo de disfrutar a través del canal Cinemateka, del tan ansiado documental dirigido por Michael Radford dedicado al pianista francés Michel Petrrucciani. Recomiendo fervientemente a todos aquéllos interesados en ésta música que nos ha robado el alma, estén pendientes de la hora en que hoy lo volverán a repetir, merece la pena.
Y pensar que ese portentoso músico murió a los 36 años...

lunes, 7 de enero de 2013

Candy Dulfer

Candy Dulfer (19 de septiembre de 1969) es una saxofonista de smooth jazz nacida en Holanda.


Empezó a tocar el saxofón cuando tenía seis años y a los catorce ya tenía su propia banda, Funky Stuff. Su hit "Lily was here" (con la colaboración de Dave Stewart) fue grabada en 1989 y estuvo en la cima de las listas de toda Europa. Su primer disco Saxuality (1990) recibió una nominación al Premio Grammy.
Durante su carrera musical, lanzó nueve discos de estudio, dos discos de directos y un recopilatorio y ha trabajado y grabado con otros músicos tales como su padre Hans Dulfer,Prince, Dave Stewart (Eurythmics), Van Morrison, René Froger, Maceo Parker, Sheila E., Mavis Staples, Lionel Richie, Beyoncé, Pink Floyd, Chaka Khan, David Sanborn, Larry Graham, Marcus Miller, Aretha Franklin, Jimmy Cliff, George Duke, Blondie, Jools Holland, Jamie Cullum, Angie Stone, Tower of Power, The Time, Alan Parsons, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Joey DiFrancesco, Jonathan Butler, entre otros.
En el programa televisivo Candy meets ella entrevistaba a los músicos con los que había trabajado.
Una excelente saxofonista, de origen holandés, nacida en Amsterdam el 19 de septiembre de 1969. Es intérprete desde los siete años, líder de un grupo (Funky Stuff) desde los catorce y asidua a los estudios desde los 21. Su música interesará a los amantes del smooth jazz y el jazz-pop, aunque su evolución le ha permitido acercarse a más estilos, como el R&B, el funk, el hip hop o la música latina. Ha grabado y actuado con artistas como Prince, Dave Stewart (Eurythmics), Van Morrison, Maceo Parker, Beyoncé, Pink Floyd, Chaka Khan, David Sanborn, Larry Graham, Aretha Franklin, Jimmy Cliff, George Duke, Blondie, Jools Holland, Jammie Cullum, Angie Stone, Tower of Power, The Time, Alan Parsons, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Joey DiFrancesco y Jonathan Butler, entre muchos otros.
En 1989 colaboró con Dave Stewart en Lily was here, un éxito en Europa, pero la notoriedad le llegó con su participación en el video de Partyman, de Prince, incluido en la banda sonora de Batman. Su debut de produjo en 1990, con Saxuality (para el sello Arista), del que vendió más de un millón de copias y le valió una nominación a los Grammy. Candy Dulfer lanza su segunda producción de nombre, Sax-a-go-go y como era de esperarse, tuvo aceptación total, incluso por encima de su producción debut. En este segundo álbum, está incluido el exitoso tema homónimo. En 1996 llega su tercer producción, Big Girl y For the love of you, un año después (siendo esta su 4ta producción) Este último es uno de sus más exitosos discos y permaneció hasta catorce semanas en los charts. En 1999 editó What does it take? y colaboró, junto a Dave Stewart, en la banda sonora de Cookie’s fortune, el film de Robert Altman. Live in Amsterdam llegó a las tiendas en el 2001, pero entre tanto estuvo de gira con Prince en dos ocasiones, de ahí su aparición en el box set One nite alone… live!, del 2002, y en el disco Xpectation (distribuido únicamente a través de Internet). Ese mismo año también recorrió los escenarios europeos con Dave Stewart y Jommy Cliff, como parte del proyecto Da Univerzal Playaz. Del 2003 es el álbum Right my soul (Eagle), del que se extrajo el single Finsbury Park, Café 67, un éxito que llegó a ser número uno en los charts R&B. Un año después actuó en la gala de los Grammy con Beyoncé y Prince, y formó parte de la masiva gira de este último, Musicology Tour, participando también en el disco Musicology. Live at Montreux, un CD y DVD, fue editado en el 2005 por Eagle, y el álbum de estudio Candy store llegó a las tiendas en Julio del 2007. En 2008 fue galardonada con el Arpa de Oro por sus destacadas contribuciones a la música en los Países Bajos. Debido a la demanda popular que recorrió una vez más los EE.UU. y Japón, y también se realiza en toda Europa y visitó Sudáfrica por primera vez a un espectáculo en el famoso Festival de Jazz de Ciudad del Cabo. 'Funked Up & Chilled Out "fue lanzado mundialmente en 2009. Para promocionarlo, viajó por todo el mundo, junto con su banda, por una serie de conciertos a sala llena. Por primera vez en su carrera actuó en Moscú. Después de realizar una serie de espectáculos a principios de 2010 con Maceo Parker en el club Blue Note de Tokio, Japón, regresó a los escenarios de clubes holandeses en marzo y abril de 2010 para una gira con su banda. Terminó 2010 con una gira de cinco semanas en los EE.UU. como invitado especial de su colega saxofonista Dave Koz por su reconocida Smooth Jazz Christmas Tour, y se inició el 2011 con espectáculos durante el Crucero de Jazz en el Caribe. Después del lanzamiento mundial de 'Crazy' su nuevo álbum, Candy siguió en gira por Estado Unidos junto a su banda. A principios de 2012 fue anfitriona de eventos especiales en el Crucero de Jazz junto a leyendas del jazz como David Sanborn y Marcus Miller. Además de continuar con los planes de visitar, Japón, Rusia y toda Europa.

Como tocando sola peca de sexy y comercial, os la dejo acompañando al maestro Morrison en un concierto.


sábado, 5 de enero de 2013

Eddy Louiss


El organista, pianista y guitarrista, Eddy Louiss comenzó en la música actuando con su padre (antillano y músico) en orquestas de baile en Paris, ciudad donde nació y de donde era su madre. Estudio piano y solfeo en el Conservatorio de Paris y prácticamente terminando los estudios fue contratado para actuar en algunos clubes de jazz de la capital parisina. En 1960 se incorporó al grupo vocal "Double Six" que ése mismo año habían grabado un disco con Dizzy Gillespie y salieron de gira por los Estados Unidos y Canadá. Una gira que se prolongó dos años, hasta 1962.

En 1965 acompañó al cantante, Claude Nougaro en sus conciertos sin que él dejara sus propias actuaciones. Conoció en Paris al organista, Lou Bennett quien viéndole maneras para el instrumento, le dio lecciones de su manejo y apenas unos meses después, tuvo la oportunidad de tocar y trabajar con el grupo del saxofonista tenor, Johnny Griffin. En 1967 viajó a Inglaterra y posteriormente a Méjico con Stan Getz y en 1968, en pleno mayo francés, formó un trío con el baterista, Kenny Clarke y el el guitarrista, René Thomas. Con motivo de la Exposición Universal de Osaka, viajó a Japón y allí grabó un disco con una formación creada para la ocasión y denominada: "European All Stars". El éxito fue tan enorme que le invitaron a participar en algunos festivales de jazz.

En 1974 deja a Nourago y se marcha a Costa de Marfil donde estuvo trabajando durantes dos años con el percusionista, Gaétan Pupenher, miembro veterano también del grupo "Double Six". El feeling entre ellos fue tal, que decidieron en 1976, fundar una casa de discos a la que denominaron: "Gass Records" de vida efímera. Su discografía no es muy extensa y sólo produjo un par de discos en los primeros años setenta. Desaparecido de los estudios de grabación desde entonces, reaparece veinte años después con una fuerza enorme cuando se encuentra con el maestro del piano Michel Petrucciani. Ambos músicos a dúo, dejan para el sello Dreyfus, una obra maestra en dos volúmenes titulada: "Conférence de Presse".

Este trabajo con Petrucciani, marca positivamente un nuevo rumbo en la carrera profesional de Eddy Louiss quien a partir de entonces se deja ver con mucha mas frecuencia en los estudios de grabación para el mismo sello. Su carrera pues, toma un nuevo impulso que continua en los primeros años del tercer milenio.

viernes, 4 de enero de 2013

Julie London

La imagen de sensualidad felina y sugerente, y el estereotipo de chica de calendario ("Calendar Girl", es justamente, el titulo de un disco suyo de 1956), fue explotada sistemáticamente en las portadas de los álbumes de Julie London (1926-2000).

Desde 1944 había iniciado su trayectoria cinematográfica cambiando su verdadero nombre de Julie Peck, por el que adoptó definitivamente. En 1955 entraba por primera vez en unos estudios de grabación para grabar "Julie is her Name", una especie de disco presentación con el acompañamiento del maestro de la guitarra, Barney Kessell y el contrabajista, Ray Leatherwood. Uno de sus temas "Cry me a River" se convirtió rápida y fulgurantemente en un enorme éxito de ventas y le abrió las puertas del sello "Liberty" para continuar grabando de la mano de su manager, por entonces, el inteligente, Bobby Troup.

Para Liberty, grabó entre 1955 y 1969, cerca de una treintena de discos, algunos tan extraordinarios como el titulado: "Julie is her Name" (1955-1958); "Julie...at Home" 1959, o el excelente "All Through the Night" en 1965. Con extraordinarios acompañantes siempre, y bajo la batuta de excelentes compositores como Jimmy Rowles o André Previn, Julie London, transmitía en sus baladas una carga de erotismo que su voz, sutilmente aprovechada, ayudaba a realzar.

jueves, 3 de enero de 2013

Booker Little

Después de cursar estudios en la "Manassas High School" de Memphis y en el Conservatorio de Chicago, el trompetista y compositor, Booker Little Jr. (1938-1961), empezó a colaborar con Sonny Rollins, que poco después se lo presentó a Max Roach. De esta forma, Booker Little inició en junio de 1958, una colaboración destinada a dar frutos extraordinarios durante todo un año.

En 1959, entró a formar parte del grupo del pianista Mal Waldron y al año siguiente trabajó con grupo de John Coltrane, con quien tuvo la oportunidad de grabar el álbum "África/Brass". Durante su efímera vida -vivió apenas veintitrés años, Booker Little, tuvo oportunidad de demostrar un estilo musical complejo y ajeno a cualquier academicismo. Espectacular improvisador y de sonoridad áspera, grabó un álbum a su nombre que pasó a la historia del jazz como uno de los grandes discos de trompeta de toda la historia de esta música: "Out Front" (Candid, 1961). Fue apenas siete meses antes de su muerte.

Asimismo, Booker Little, fue capaz de dejar su impronta en las colaboraciones con otros instrumentistas. Al lado de Max Roach, participó en la grabación de varios álbumes de culto: "Percussion Bitter Sweet" o el legendario, "We Insist! Freedom Now Suite". Pocos meses antes de morir, tuvo una brillante actuación en el "Five Spot Café" de New York, al lado de Eric Dolphy, Mal Waldron, Richard Davis y Eddie Blackwell. Booker Little, fue el precursor -probablemente sin saberlo- de los logros improvisativos alcanzados en la música afroamericana de finales de los años sesenta.

En la música de Booker Little, está el deseo de liberarse de los tradicionales vínculos de ejecución e interpretación sobre todo su ya citado trabajo en el "Five Sport", página fundamental para el desarrollo de la improvisación contemporánea. Booker, murió a consecuencia de una insuficiencia renal a los 23 años de edad, y en ese breve tiempo tuvo la capacidad de dejar en la música improvisada del jazz moderno, una huella indeleble.

miércoles, 2 de enero de 2013

Ramsey Lewis


Pianista estilísticamente influido por Bud Powell y John Lewis, empezó a estudiar música a los seis años, ampliando sus estudios en el "Chicago Music College" y en la afamada universidad de Paul. En 1956 formó su propio trío, - formula que será siempre su preferida- con el que tocó en los clubes de su ciudad natal grabando con el baterista, Max Roach y el trompetista, Clark Terry.

En 1964, gracias sobre todo al éxito de la grabación del tema: "Something You Got", el nombre de Ramsey Lewis, adquirió una considerable popularidad y el reconocimiento del mundo del jazz. Fue sin embargo al año siguiente cuando su carrera cogió el impulso necesario cuando grabó: "In the Crowd", un clamoroso éxito de publico y de ventas. Sin embargo, como suele ocurrir en determinadas ocasiones, conseguido el éxito popular y comercial, los años siguientes fueron, desde el punto de vista jazzistico, un claro retroceso dado el sesgo comercial de su carrera profesional. Desde entonces su trayectoria ha perdido interés para el mundo del jazz.


martes, 1 de enero de 2013

Lista Down Beat 2012

2012 DownBeat Readers Poll   

Jazz Artist: Esperanza Spalding
Jazz Album: Esperanza Spalding, Radio Music Society(Heads Up/Concord)
Historical Album: Miles Davis Quintet, Live In Europe 1967: The Bootleg Series Vol. 1 (Columbia/Legacy)
Blues Album: Wynton Marsalis & Eric Clapton, Play The Blues: Live From Jazz At Lincoln Center (Reprise)
Beyond Album: Robert Glasper Experiment, Black Radio(Blue Note)
DownBeat Hall of Fame: Ron Carter
Jazz Group: Dave Brubeck Quartet
Big Band: Maria Schneider Orchestra
Trumpet: Wynton Marsalis
Trombone: Trombone Shorty
Soprano Saxophone: Wayne Shorter
Alto Saxophone: Kenny Garrett
Tenor Saxophone: Sonny Rollins
Baritone Saxophone: James Carter and Gary Smulyan (tie)
Clarinet: Anat Cohen
Flute: Hubert Laws
Piano: Brad Mehldau
Keyboard: Herbie Hancock
Organ: Joey DeFrancesco
Guitar: Pat Metheny,
Bass: Christian McBride
Electric Bass: Stanley Clarke
Violin: Regina Carter
Drums: Jack DeJohnette
Vibes: Gary Burton
Percussion: Airto Moreira
Miscellaneous Instrument: Toots Thielemans (harmonica)
Male Vocalist: Kurt Elling
Female Vocalist: Diana Krall
Composer: Wayne Shorter
Arranger: Maria Schneider
Record Label: Blue Note
Blues Artist or Group: B.B. King
Beyond Artist or Group: Robert Glasper


Para un músico de jazz, conseguir la máxima calificación en Down Beat, constituye el mayor reconocimiento al que un ser humano puede aspirar: ningún intérprete o director de orquesta puede considerarse completo hasta ver su nombre impreso en las páginas de la más longeva de las revistas de jazz (fundada en 1934) en el lugar destacado que se reserva a las obras destinadas a pasar a la historia. El reconocimiento suele venir acompañado por un aumento en el número de discos vendidos. Al final, todos contentos: el músico, la discográfica, los responsables de la publicación y quien tomó la decisión de otorgar la máxima puntuación.