Ahmed Abdul-Malik

Ahmed Abdul - Malik (30 de enero de 1927 en Brooklyn - Octubre 2, 1993, en Long Branch , Nueva Jersey) fue un contrabajista de jazz y músico de laúd de origen sudanés. Asistió a la Escuela Superior de Música y Arte en Harlem. .

A mediados de la década de 1970, Malik era profesor suplente en la Junior High School 281, en Bensonhurst, Brooklyn, Nueva York, en la enseñanza de cuerdas bajo la supervisión de Andrew Liotta, el aclamado compositor de siete óperas, corales, y numerosas obras de cámara. Si bien la búsqueda de una certificación de enseñanza , además de estudiar con Liotta orquestación y composición, también enseñó sudanés en el departamento de idiomas de la escuela secundaria. A finales de 1970 fue profesor de improvisación de jazz para estudiantes privados en la Universidad de Nueva York.

Es conocido por la integración del medio oriente y los estilos de música del norte de África en su música de jazz. Fue el bajista de Art Blakey , Randy Weston y Thelonious Monk , entre otros. Como intérprete de laúd hizo una gira por América del Sur para el Departamento de Estado de los Estados Unidos y actuó en un festival de jazz africano en Marruecos.

Damian Drăghici

Damian Drăghici ( 31 de Marzo, 1970 en Bucarest, Rumania) es un músico de ascendencia romaní, conocido por ser el interpréte de zampoña más conocido en el mundo del jazz.

Eddie "Cleanhead" Vinson

El saxofonista Eddie "Cleanhead" Vinson, obtuvo su primer contrato profesional en 1932 en la "Chester Boone's Band" e inmediatamente se incorporó a la orquesta de Milton Larkins, como primer saxofonista. A principios de los años cuarenta, estuvo en la banda de Floyd Ray, pero al poco de incorporarse lo llamó el trompetista Cootie Williams - uno de los grandes solistas de la gran orquesta de Duke Ellington en las dos décadas anteriores - para incorporarlo a su grupo con el que llegó a debutar discográficamente.

En una época en que la referencia indiscutible en el saxo alto era Charlie Parker, Vinson supo hacerse un hueco como instrumentista de categoría si bien como era lógico bajo la estela y la influencia del genio de Kansas City. En el grupo de Williams,Eddie Vinson grabó un par de temas que merecen ser recordados por su calidad musical y por la creatividad de los arreglos: "Cherry Red" y "Somebody Got to Go" 

En 1945 formó su propia orquesta y en el seno de la misma se reafirmaría como uno de los músicos de jazz mas prestigiosos y uno de los mejores "blues singer"aunque por debajo del nivel de Jimmy Rushing o Big Joe Turner. A finales de los cuarenta formó una nueva orquesta que mantuvo activa mas de una década hasta casi finalizados los años cincuenta y por donde pasaron excepcionales músicos como:Eddie Lockjaw Davis, Buddy Tate, Milt Buckner, Paul Quinichette, Frank Foster o Charlie Rouse entre otros. En 1961 realizó para el sello Riverside una magnifica grabación con la colaboración de Joe Zawinul y de los hermanos Adderley, (Backdoor Blues, Riverside 1961). Ya no volvió a grabar a su nombre hasta 1967 en el seno de un grupo coliderado por Arnett Cobb -otro gran saxofonista tenor - y a finales de los sesenta se afincó en Kansas City donde actuó en varios clubes. En 1969 efectuó una gira europea con el grupo de Jay McShann, y posteriormente, a su regreso se enroló en el grupo de Johnny Otis.

En 1972, Eddie Vinson, se presentó con gran éxito en el Festival de jazz de Montreux y formó tambien parte de los "Muse All Stars" con, entre otros músicos, Buddy Tate, Arnette Cobb y Ray Briant. Entre 1975 y mediados de los años ochenta, Eddie actuó en los mas importantes festivales de jazz del mundo, conciertos en teatros y clubes, actuaciones televisivas y todo tipo de actividad musical hasta la fecha de su muerte acaecida en 1988.

Gerry & Lee

Autor : Robert Mapplethorpe

Remolcadores entre la niebla

Amiga de la noche, reluciente,

lúcido disco de la luna:

avanzas junto a mí por la playa, iluminas

estancias con espejos para amantes

a los que aflije el plazo de una noche.

Tú y yo cruzamos la ciudad caída.

Hay hojas de periódico arrastrándose

como heridas de guerra, son gaviotas

que mueren en el agua de algún muelle.

También cartas de amor que pasan cuentas

como viejos recibos de negocios.

El viaje hacia la sombra nos exije

decidir compañía: yo he escogido

esos ríos espesos, relucientes

de dos armas doradas, dos trompetas:

una cálida y negra, la de Clifford

como un fuego en la nieve de las calles

y la blanca, que apenas puede oirse

en la pútrida noche con letreros

de los hoteles tristes de Chet Baker.

Paso junto a amenazas de paredes

y escaleras de metro con los bultos

de los que duermen bajo los cartones.

Son las sombras que tocan en la noche.

Esperaba un acuerdo sobre fines

y nunca hallé finalidad alguna.

Esperé incluso la pasión del náufrago

por encender un fuego frente al mar

pero nadie deseaba ser salvado.

Creí que contaría con la gente

en asuntos de versos y valores.

No sabía que todas estas cosas

sólo indicaban cómo envejecía:

de pronto todo el mundo estaba lejos

y, mientras, yo escribía este poema

sabiendo que el mañana estaba hecho

de un arte para mí desconocido.

Conocí a una mujer: bailaba y, juntos,

escuchamos un "Autumn leaves" como este

que en la Rambla, magnánimos, los plátanos

murmuran con las hojas en la noche.

Era una mujer de orden, tenía bellas manos:

¡Dios, era mi mujer! Cómo bailaba

cantándome al oído cada pieza,

cómo reía cuando la abrazaba.

Hoy abrazo a la noche y escucho el «Loverman»

en el que Parker equivoca el tiempo.

Los faroles lejanos son los ojos

vidriosos de algún perro.

La música consuela, nada más:

está dentro de mí junto a mis penas,

interpretándolas con claridad

y sentimiento, aunque sin esperanza.

Ya cayó la ciudad de mi futuro.

Camino entre leyendas pisoteadas

del otoño del cuerpo pero aún

hallo hospitalidad en un relámpago

del Café de la Ópera: entre tanto,

al final de la Rambla, en los peldaños

que bajan por el muelle de barcazas,

una sirena muerta está flotando

y es arrastrada por las sucias aguas.

Joan Margarit

Pues no van a ser ni Clifford Brown, ni Chet Baker, ni Charlie Parker, sino dos de los también grandes, Gerry Mulligan y Lee Konitz.

Ken McIntyre

Makanda Ken McIntyre (nacido Kenneth Arthur McIntyre, conocido como Ken McIntyre ) (septiembre 7, 1931 - junio 13, 2001) fue un músico y compositor de jazz.

McIntyre nació en Boston, Massachusetts. Además de su principal instrumento, el saxofón alto, también tocó flauta, clarinete bajo, oboe, fagot, y muchos otros instrumentos de viento de madera, así como el contrabajo, batería y piano. Grabó trece álbumes, uno de los cuales fue lanzado póstumamente. Compuso también más de 400 temas, y escribió cerca de 200 arreglos, lo que refleja la cultura de sus raíces caribeñas y africanas, como el blues, el jazz y el calipso. Su primer álbum titulado Stone Blues se reditó en 1960, acompañado por los músicos locales de Boston con los que había estado ensayando desde hacía varios años .

A lo largo de su carrera, McIntyre tocó o grabó con : Nat Adderley, Jaki Byard, Ron Carter, Eric Dolphy, Charlie Haden , Daoud A. Haroon, Richard Harper, David Murray, Cecil Taylor y Reggie Workman,entre otros, y fue miembro del innovador grupo Beaver Harris and the 360 Degree Ensemble.

Después de servir dos años en el Ejército de EE.UU., McIntyre obtuvo la licenciatura en composición musical en el Conservatorio de Boston en 1958, con certificado en  flauta, y master en composición musical del Conservatorio de Boston en 1959. También  obtuvo el doctorado ( Ed.D. ) en el diseño del plan de estudios de la Universidad de Massachusetts Amherst en 1975.

En 1971 fundó el primer programa de música afroamericana en el país en la Universidad Estatal de Nueva York College at Old Westbury, enseñando allí durante 24 años. También enseñó en la Universidad de Wesleyan ( donde grabó con Richard Harper y colaboró ​​con Daoud A. Haroon ), Smith College, la Universidad Estatal central de la Universidad de Fordham, y el The New School for Jazz y Música Contemporánea .

A principios de la década de 1990 cambió su nombre por el de Makanda Ken McIntyre . Mientras actuaba en Zimbabwe, un desconocido le entregó un pedazo de papel con la palabra " Makanda " escrito en él , la palabra significa " muchos skins " en el idioma Ndebele y " muchas cabezas " en Shona.

McIntyre murió en la ciudad de Nueva York a la edad de 69 años.

My One and Only Love

My One and Only Love

Compuesta por Guy Wood, con letra de Robert Mellin

He aquí la única canción de Guy Wood que ingresó en repertorio estándard del jazz, ¿y quien iba a pensar que un compositor inglés que hacía canciones para el programa de televisión infantil Capitán Canguro podría crear una balada tan majestuosa? "My One and Only Love" me recuerda a unas cuantas piezas de jazz célebres, como "In a Sentimental Mood" o  "Someone to Watch over me", cuyo gancho también estriba en una frase inicial extasiada que se eleva por encima de la octava. Ni que decir tiene que no es una fórmula que hoy se oiga mucho en la radio.

Esta canción está ligada de forma inextricable a John Coltrane, que firmó una versión exquisita en compañía del vocalista Johnny Hartman, una grabación que se considera un clásico del género y que, al parecer, goza del favor eterno de los aficionados. En este caso coincido con la opinión unánime, pues yo también recalo con frecuencia en esta interpretación. Ahora bien, el verdadero responsable de que "My One and Only Love" se convirtiese en una balada de jazz con todas las de la ley fue otro saxofonista, Charlie ventura, que registró la pieza una década antes que Coltrane.

La canción novia tenido mucho éxito en su primera encarnación, que se publicó en 1947 con el título "Music from Beyond the Moon". Cinco años más tarde, con una nueva letra escrita por Robert Mellin, la composición de Wood sirvió de cara B de un sencillo de gran éxito: la versión de Sinatra de "I've Got the World on a String". Fue entonces cuando Ventura intuyó el potencial jazzístico de la pieza y la adoptó como número de saxo tenor. Hoy en día casi nadie se acuerda de Ventura, y puede que hasta los aficionados más eruditos se sorprendan de que los lectores de Downbeat lo eligieran como mejor saxofonista tenor en 1945, tan sólo tres años después de que Gene Kruppa lo descubriera cuando Ventura trabajaba en un astillero. Quienes quieran entender la popularidad del saxofonista no tienen más que escuchar lo que hizo con "My One and Only Love" en su grabación de 1953.

Casi todos los saxos tenores de fuste han interpretado la canción, y con una lista de versiones memorables no pueden faltar las de Sonny Rollins (que la grabó un año después de Coltrane), Ben Webster (que la tocó en su famosa versión de 1954 con Art Tatum), Michael Brecker y Joshua Redman. Pero la composición es lo bastante flexible para plegarse a una amplia gama de tratamientos, y no siempre con un instrumento de viento de por medio. Como ejemplos de esta versatilidad, recomiendo la deliciosa adaptación al español de la guitarrista Susana Raya, titulada "Mi verdadero amor", de 1999, que puede escucharse en Internet, o la relectura radical de Cassandra Wilson, que en su disco Blue Skies, de 1968, transforma "My One and Only Love" en una pieza rápida y con swing.

Ted Gioia - El canon del jazz

Como la versión de John Coltrane & Johnny Hartman, está editada anteriormente, os dejo las de Sonny Rollins, Ben Webster & Art Tatum, Michael Brecker, Cassandra Wilson , y ¡faltaría más! Susana Raya.

George Adams

George Rufus Adams ( 29 de abril 1940 Covington , Georgia - 14 de noviembre 1992 Ciudad de Nueva York , Nueva York)  fue un músico estadounidense de jazz que tocaba el saxofón tenor, flauta y clarinete bajo. Es más conocido por su trabajo con Charles Mingus, Gil Evans, Roy Haynes y en el cuarteto que co-dirigió con el pianista Don Pullen, el bajista Cameron Brown y el batería Dannie Richmond. También era conocido por su canto peculiar. 

El estilo musical de George Adams tenía sus raíces en el blues y en la música popular afroamericana. Como saxofonista sus mayores influencias parecen haber sido Rahsaan Roland Kirk, con quien tocó en la banda de Mingus en algunas ocasiones, así como con las ansias de aventura de John Coltrane y Albert Ayler . Tocó siempre con gran intensidad y pasión, así como con lirismo y la sutileza.

Adams y Don Pullen compartieron una visión musical y su cuarteto a horcajadas sobre el R & B a la avant -garde. ( El cuarteto se conoce a veces como el " George Adams- Don Pullen Quartet" , y, a veces como el "Don Pullen - George Adams Quartet" . ) Después de la muerte de Adams, Pullen dedicó a su memoria el 1993 CD "Oxde to life" , grabada por su conexión afro- brasileña, y en particular, la balada "Ah George, We Hardly Knew Ya".

Una de las últimas grabaciones de Adams fue "America" para el sello Blue Note. Este álbum se compone de canciones americanas clásicas como " Tennessee Waltz", "You Are My Sunshine " y "Take Me Out to the Ballgame", así como un par de canciones originales que articulan visión positiva Adams ' de su país y los regalos que había dado él. También incluye " The Star-Spangled Banner " y " America the Beautiful " .

Adams era  miembro de la banda que tocaba Epitaph con Mingus .

Amigos y enemigos del jazz en España

El jazz, como cualquier otra manifestación artística, tuvo, tiene y tendrá defensores a ultranza y enemigos incondicionales. Entre éstos últimos, Álvaro Retana, a juzgar por algunas perlas literarias extraídas del libro del crítico del periódico EL PAÍS, Chema García Martínez, "Del fox-trot al jazz flamenco", se llevaba la palma :

"Aproximadamente en 1940, con energía encomiable, acometióse la destrucción de los últimos elementos disolventes que tanto daño produjeron a las variedades. Cabarets y salas de fiesta habíanse convertido en antros putrefactos donde las personas de buen gusto sufrían congojas contemplando el relajo de la canción española, sobrevenido en gran parte a causa de la lenidad de las autoridades republicanas".

Para Retana, nada había más absurdo que una española imitando a:

"alguna negra vetusta, barrigona, de fealdad inédita, que vocifera como si la estuvieran apaleando o a un conjunto de negras, antídoto contra lujurias hipotéticas, que entonan unos cánticos funerarios a la par que bailan descoyuntándose con la sonrisa del antropomorfo".

Como compensación a las frases anteriores, escuchad a dos de los grandes saxofonistas de la historia, Ben Webster y Gerry Mulligan, en "Chelsea Bridge",  tema de su álbum conjunto "Gerry Mulligan meets Ben Webster".

Charlie Ventura

Nacido en una familia de doce hermanos, Charlie Ventura, fue el único que se dedicó a la música, eligiendo inmediatamente el saxo como instrumento preferido. Su primera gran influencia fue el saxofonista Chu Berry pero su juventud la dedicó a la fabrica de sombreros que poseía su padre. Fue en los años cuarenta cuando debutó profesionalmente en compañía de los músicos neoyorquinos mas importantes del momento adscritos al bebop. En 1942, conoció al baterista Gene Krupa y pronto entró en su bigband donde estuvo hasta 1943, aunque tras un paréntesis con el grupo deTed Powell, volvió con el baterista, ahora para tocar en grupos mas reducido debido a la crisis de la bigband. Es especialmente buena su intervención en los temas: "Dark Eyes" y "Body and Soul" grabados en 1945.

En 1946, ganó el referéndum anual de la revista, Down Beat, el de la revista Esquire al año siguiente dentro de la categoría de "New Star", y otra vez el de Down Beat, en 1948 en el apartado de pequeños grupos, y finalmente el de la revista "Metronome" en 1949 como saxofonista tenor. En 1946, Ventura formó una gran orquesta que mantuvo en activo hasta bien entrado 1947, cuando decidió dedicarse a formaciones mas reducidas. Una de ellas destacó particularmente, y fue en la que se veía a Charlie Ventura junto al trombonista, Kai Winding con una sección rítmica formada por Lou Stein, Bob Carter y Shelly Manne. Ese mismo año de 1947 fue contratado por la cadena WNEW para un programa conocido como "Saturday Night Swing Sessions", lo que le dio la oportunidad de tocar al lado del extraordinario trompetista, Fats Navarro o el baterista, Buddy Rich.

En 1949 fue contratado por el productor Gene Norman para tocar en un concierto en el "Pasadena Civic Auditórium" con un sexteto extraordinario formado por Conte Candoli, Benny Green, Boots Mussulli, Roy Kral, Kenny O'Brien, Ed Shaughnessy y Jackie Cain. El concierto fue grabado por la compañía DECCA con el titulo: "A Charlie Ventura Concert". Ese mismo año fue llamado para formar parte de los "Metronome All Stars" junto a los demás ganadores del concurso patrocinado por esa publicación. Con el gusanillo de la gran orquesta metido en el cuerpo, formó una nueva bigband en 1950 y la mantuvo viva hasta 1951, cuando inauguró su propio club de jazz en Philadelphia, al que llamó "Open House". Entre 1951 y 1954 se dedicó por completo a regentar su club, participando él mismo todas las noches al frente de innumerables combos, siendo el mas famosos de ellos, el que formó junto a Marty Napoleón, Chubby Jackson y Buddy Rich. En los años sesenta otra vez formó una bigband propia y posteriormente se enroló con la que tambien formó Gene Krupa. Se desplazo a Denver y luego a Minnesota y tras un forzado descanso por enfermedad volvió a Las Vegas donde llegó a trabajar de disc-jockey entre 1970 y 1972. 
Reapareció en 1973 en Connecticut como maestro de ceremonia y director de orquesta en el "Sheraton Tobacco Valley Inn". Desde finales de los setenta hasta bien entrado los noventa, la actividad de Charlie Ventura, uno de los grandes discípulos blancos del gran Coleman Hawkins, fue decreciendo hasta que un cáncer terminó con su vida en 1992.

Bernd Lhotzky

Nacido el 11 de diciembre de 1970 en Tegernsee (Alemania) e hijo de padre alemán y madre francesa, Bernd Lhotzky recibió su primera lección de piano a los seis años. Su temprano descubrimiento del jazz no le impidió continuar sus estudios formales de música, incluyendo composición y armonía, además de aprender a tocar el violín, la viola, la trompeta y el contrabajo. Hoy en día aún sigue practicando y tocando música clásica (su mujer es una conocida pianista clásica), aunque en su corazón late el pulso del stride. Tiene la técnica y el brío de los grandes maestros del estilo, pero aporta cada vez más su toque personal, que también ha bebido de las fuentes de Art Tatum o Teddy Wilson.

Fuente

Howard Roberts

Howard Roberts ( 2 octubre 1929 a 28 junio 1992 ) fue un guitarrista estadounidense de jazz, profesor y músico de estudio.

Roberts nació en Phoenix , Arizona, y comenzó a tocar la guitarra a los 8 años . Cuando cumplió  15 años estaba tocando profesionalmente a nivel local.

En 1950 se mudó a Los Angeles. Allí, con la ayuda de Jack Marshall , comenzó a tocar con músicos como Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Alrededor de 1956 , Bobby Troup lo fichó para Verve Records como solista . Por ese tiempo , decidió concentrarse en la grabación, tanto como solista, como músico de sesión, una trayectoria que seguiría hasta la década de 1970.

Roberts tocó guitarra rítmica, guitarra, bajo y mandolina, tanto en estudio como para los proyectos de cine y televisión, incluyendo la guitarra solista en el tema de The Twilight Zone, así como los temas clásicos de guitarra en The Munsters , Bonanza , The Brady Bunch , green Acres, Get Smart , Batman , Beverly Hillbillies , Andy Griffith , Peter Gunn , Johnny Quest, Gidget , Mannix , Perdidos en el espacio , Dragnet , Wild Wild West , Mission Impossible , The Odd Couple , y la guitarra rítmica en el tema de I Dream de Jeannie .

La lista de artistas compañados por Roberts incluye a Georgie Auld , Peggy Lee ( Fever ) , Eddie Cochran ( Sittin En El Balcón ) , Bobby Day ( Rockin Robin ) , Jody Reynolds ( Endless Sleep) , Shelley Fabares (Johnny Angel) , Dean Martin ( Houston) , The Monkees , Roy Clark , Chet Atkins, y The Electric Prunes .

En 1961 , Roberts diseñó una guitarra de la firma que fue producido originalmente por Epiphone . La guitarra fue una modificación Gibson ES- 175 ( Epiphone es propiedad de Gibson y durante este período de guitarras Epiphone fueron fabricados en la misma fábrica que las guitarras Gibson en Kalamazoo , Michigan ) , con un agujero de sonido redondo y una sola pastilla . Una versión rediseñada más tarde fue producido por Gibson  La firma Howard Roberts fue confirmado por otros dos modelos fabricados por Gibson : . . La Roberts personalizados Howard y Howard Roberts Fusion III 

En 1963 , Roberts grabó Color Him Funky y H.R. Is A Dirty Guitar Player,  sus dos primeros álbumes después de firmar con Capitol . Producida por Jack Marshall, que ambos cuentan con el mismo cuarteto con Roberts (guitarra ) , Chuck Berghofer (bajo), Earl Palmer (batería) y Paul Bryant alterna con Burkley Kendrix en el órgano. Ambos álbumes fueron lanzados en un solo CD bajo el título Dirty & Funky en Guitarchives sello de Randy Bachman en 1998. En total , grabó nueve álbumes con Capitol antes de firmar con ABC Records/Impulse! Records

Desde finales de 1960, Roberts comenzó a centrarse en la enseñanza en lugar de la grabación. Viajó por todo el país dando seminarios de guitarra , y escribió varios libros de instrucción . Desde hace algunos años también escribió una columna aclamada llamada  "Jazz Improvisation" en la revista Guitar Player . Roberts desarrolló conceptos y técnicas de aprendizaje acelerado, lo que llevó a la fundación de la Editorial de reproducción de música y el Instituto de Tecnología de la guitarra . Como co -fundador de GIT , ahora conocido como el Musicians Institute , la filosofía de Roberts sigue siendo una parte integral del plan de estudios .

Roberts murió de cáncer de próstata en Seattle , Washington el 28 de junio de 1992. Su esposa Patty, también activa en la educación musical, continuó en este campo después de su muerte . 

Howard inspiró la apertura de Roberts Music Institute en Seattle , Washington , que es actualmente propiedad de su hijo, Jay Roberts.

Bob Durough

Bob Dorough (nacido el 12 de diciembre 1923) es un pianista de jazz bebop,  compositor y cantante estadounidense.

Trabajó con Miles Davis y Allen Ginsberg, y su estilo está influenciado en Mose Allison, entre otros cantantes.

Bernat Font

Bernat Font (Barcelona, 1989) es un pianista y compositor catalán de jazz, blues y swing. Es discípulo de Lluís Coloma y de Ignasi Terraza. Entre sus influencias destacan Fats Waller, Art Tatum, Erroll Garner, Oscar Peterson y la tradición del boogie woogie y stride piano.

En 2009 formó su propio trío junto a Ivan Kovacevic y Martí Elias. Ha formado parte de Ivanow Jazz Group, Barcelona Big Blues Band y colabora en los espectáculos de teatro musical de la Companyia Artística Divinas. Asimismo, imparte clases en la Escuela Taller de Blues de Barcelona.

En 2012, su primer disco ("The Shout", editado por el sello Swit Records) fue galardonado con el Premio Enderrock a mejor nueva propuesta de jazz del 2011, categoría en la que también fue nominada su maqueta "BF3" dos años antes.

Ronny Jordan RIP

Ha fallecido Ronny Jordan (Londres, 29 de noviembre de 1962 - Londres, 14 de enero de 2014) el guitarrista británico de jazz importante representante del acid jazz; su trabajo se decanta, por tanto, por la fusión del jazz con otros estilos como el soul, el funk e, incluso, el pop.

Hijo de un predicador, sus inicios musicales están enraizados en el gospel, al punto de que sus primeras actuaciones en público las realizó con grupos gospel.

A comienzos de los 80, se interesó por el jazz. Autodidacta en el aprendizaje de la guitarra, entre sus influencias destacan Charlie Christian, Wes Montgomery y Grant Green.

Para mayor información os aconsejo echar un vistazo a este magnífico artículo de Chema García Martínez en EL PAÍS.

Dave McKenna

David McKenna (30 de Mayo 1930 - 18 de Octubre 2008, Woonsocket, Rhode Island) fue un pianista de jazz estadounidense. Era conocido por su "swing a tres manos", y era un clásico solista de piano.

Les McCann

Leslie Coleman McCann (Lexington, Kentucky, 23 de septiembre de 1935) era un pianista, cantante y compositor de jazz. Ha sido una de las figuras del llamado funky jazz.

Instalado en California, en 1959, comenzó acompañando al cantante Eugene McDaniels, aunque pronto formó su propio trío, con el que tocó a comienzos de losaños 1960, frecuentemente, en clubs de Nueva York. Tras tocar en la escena del West Coast jazz, consigue un cierto éxito cuando comienza a cantar, especialmente con el tema "Compared to what". Viaja con frecuencia a Europa y comienza a experimentar consintetizadores y sonidos eléctricos, además de impulsar a músicos como Roberta Flack o Monty Alexander y participar en grandes conciertos con figuras del R&B y el rock, como el concierto de Accra (1971) recogido en el film "Soul to Soul". A mitad de los años 1990, y tras una gira con Eddie Harris, un infarto le separa definitivamente de la escena musical.

Os lo dejo acompañado del saxofonista Eddie Harris en un tema de su álbum común "Swiss Movement" grabado en el Montreux Jazz Festival.

Noa Lur

Noa Lur es una joven cantante bilbaína (1983), que en su debut discográfico nos sorprende con una madurez impropia. Ansiosos como estamos de nuevas apariciones en la escena del jazz patrio, le damos la más efusiva bienvenida.

Autumn Leaves forever

Un nueva entrega por fascículos...

Slam Stewart

Slam Stewart (Leroy Elliott Stewart, Englewood, de Nueva Jersey, 1914 -Binghamton, 1987) fue un contrabajista estadounidense de jazz cuya marca de estilo era utilizar el arco del contrabajo y doblar su parte con la voz en una octava más alta. Había sido violinista antes de dedicarse al contrabajo.

Estando en el Conservatorio de Boston, oyó a Ray Perry (1915 - 1950) cantar mientras tocaba el violín. De ahí tomó la idea de hacer lo mismo con el contrabajo.

En 1937, forma con Slim Gaillard el dúo Slim & Slam. El mayor éxito que tuvieron juntos fue en 1938: Flat Foot Floogie (with a Floy Floy).

Durante los años 40, Stewart tuvo sesiones regulares de trabajo con Art Tatum, el sexteto de Benny Goodman y otros grandes del jazz. Una de las sesiones más famosas fue en 1945, con el grupo de Dizzy Gillespie, en el que estaba Charlie Parker. De aquellas sesiones de los 40 salieron algunos de los clásicos del bebop, comoGroovin' High y Dizzy Atmosphere.

Durante el resto de su carrera, Stewart trabajó regularmente aplicando siempre su muy disfrutable estilo de tocar el contrabajo.

Sonny Fortune

Heredero de la corriente Parker-Coltrane, Sonny Fortune, es el creador de un estilo lírico y original característico del jazz de los años ochenta. Cuando se menciona a este magnifico saxofonista, su nombre es asociado con lo mejorcito del saxofón de jazz y sin duda Sonny Fortune, madurará en el futuro todo lo que tiene dentro. 

Sus comienzos estuvieron ligados al Rhythm and Blues de los grupos afincados en su ciudad natal de Philadelphia, pero en 1967, John Coltrane, lo escucha y queda seriamente sorprendido por la fuerza, la musicalidad y el virtuosismo de Sonny Fortune. Le anima a trasladarse a New York, donde comienza a trabajar con el grupo de Elvin Jones, sustituyendo en el saxo a Frank Foster. Durante cuatro años toca con el grupo de Mongo Santamaría (1967-1970) y en 1971 entra a formar parte del grupo del maestro del piano, McCoy Tyner, donde permanece hasta 1973. Posteriormente toca efímeramente con la banda del batería, Buddy Rich, hasta que en 1973, Miles Davis, solicita sus servicios realizando giras por todo el mundo junto al genial trompetista hasta 1974. 

Con Miles, Sonny Fortune, graba tres discos ("Get Up Whit It" , "Big Fun" y"Agartha") todos ellos para el ello Columbia y partir de ahí Fortune se consolida como uno de los grandes saxofonistas del último cuarto del siglo XX. Decide entonces, con una ganada reputación, iniciar su carrera en solitario y en 1988, realiza una gira por todo el mundo con el "John Coltrane Memorial Group", compartiendo escenario conMcCoy Tyner, Elvin Jones, Freddie Hubbard y Reggie Workman. 

Sonny Fortune, tiene grabado mas de cincuenta discos, quince de ellos como líder y actualmente edita sus disco con el sello Blue Note.´

Herb Geller RIP

Herb Geller y Bill Evans

Siguiendo la racha de obituarios jazzísticos prenavideños, hoy, tristemente, le toca a Herb Geller.

Se recomienda leer la crónica al respecto de Chema García en El País

Las olvidadas

Matisse - Blue Nude

Han pasado por el jazz muchas artistas de color, que nunca obtuvieron un reconocimiento acorde con su talento. En el vídeo se incluyen nombres e imágenes de algunas de ellas.

Art Taylor

Arthur S. Taylor, Jr. (6 abril 1929 hasta 6 febrero 1995) fue uno de los bateristas de jazz más importantes de la década de los 50. "Ayudó a definir el sonido de batería del jazz moderno" .

Su primer concierto importante fue con Howard McGhee en 1948 , y acto seguido asociaciones con Coleman Hawkins ( 1950-1951) , Buddy DeFranco ( 1952 ) , Bud Powell ( 1953 y 1955-1957 ) y George Wallington ( 1954-1956) . Taylor parecía vivir en los estudios de prestigio durante la segunda mitad de la década de 1950 , aunque encontró tiempo para dirigir a sus Wailers, visitar Europa con Donald Byrd en 1958, concierto y grabación con Miles Davis, y tocar con Thelonious Monk (incluyendo su aclamado Town Hall Concert de 1952).

En 1963 , Taylor se trasladó a Europa, donde pasó la mayor parte de los siguientes 20 años (en su mayoría entre Francia y Bélgica), tocando con europeos y estadounidenses tales como Dexter Gordon y Johnny Griffin.

Después de regresar a los EE.UU., Taylor volvió a su trabajo independiente, y en los años 90 organizó una nueva versión de los Wailers, que durante su corta existencia antes de su muerte, llenó temporalmente el vacío dejado por la desaparición de los Jazz Messengers .

Al Grey

Si Duke Ellington contó con un grupo de fieles trombonistas en su orquesta: Joseph Tricky Sam Nanton, Lawrence Brown y el popular Juan Tizol, Count Basie tuvo a su lado el cálido y fogoso soplo de Al Grey, un señor trombonista que se sobraba solo y que pasará a la historia grande del jazz por su música gloriosa y su sonrisa.

Fotografía : Esther Cidoncha

Al Grey prestó servicios en algunas de las más reputadas formaciones de jazz de los 40 y 50, desde las bandas de Bennie Carter, Jimmie Lunceford, y Lionel Hamptonhasta las enérgicas orquestas de Dizzy Gillespie o el citado Count Basie. También lideró algunas aventuras, junto a los saxofonistas Bruce Mitchell y Jimmy Forrest, y en los últimos años apareció junto a músicos venerables como Buddy Tate o avalando a su hijo Mike, trombonista como él. El risueño Al Grey resultó fundamental en la gestación del bebop en los 40, dotando al rígido trombón de la energía y viveza que había impuesto Charlie Parker con su estilo. Al Grey es, sin duda, uno de los mejores trombonistas de la "edad media" del jazz, tanto por las fuertes vibraciones que hacia sacar a su instrumento, como por la riqueza de ideas musicales, siempre muy concentradas en el fraseo esencial, exento de retórica. 

En efecto, Al Grey, debutó con la orquesta de Benny Carter en 1945, y esta circunstancia le permitió demostrar desde un principio sus cualidades como solista, gracias a que Carter que concedía mucho espacio a los músicos de su banda. Ello hizo que ciertas cualidades naturales en Grey fuesen refinadas, lo lo que unido a su fuerte ataque y a una innata sensibilidad rítmica en el campo del "swing" hicieran de él un músico muy interesante. Con Carter se valía de los excelentes arreglos de este. 

De ahí pasó a la orquesta de Lionel Hampton donde destacó tanto como músico solista como instrumental en la orquesta en los temas Wee Albert y Rap Mop grabados en 1949. Después de un breve periodo en la banda de Sonny Parker, Grey entró a formar parte de la banda de Gillespie, y ello le dio la oportunidad de elaborar un estilo más incisivo y moderno. Este hecho daría sus frutos cuando Grey, entra en la orquesta de Count Basie, junto a Henry Coker y Benny Powell, cuando la orquesta de Basie se encontraba en un periodo de regeneración formal y de contenido. Allí formaría una de las líneas de vientos más poderosas junto al saxo Eddie Lockjaw Davis. El nuevo sonido de Basie y la pureza del mismo fue un marco perfecto para el fraseo de Grey, que se convirtió en uno de los solistas protagonistas de la orquesta, como por ejemplo ocurrió en el tema I need to be bee´d with de 1958. 

Poco antes de su muerte realizó uno de estos conciertos en Madrid, en donde se "mezclaban" los aires "viejos" ( con la presencia de Clark Terry, por ejemplo) y los nuevos ( Nicolás Payton), dando lugar a espectáculos musicales llenos de emoción, alegría, y excelente ejecución. Con la orquesta de Basie permaneció hasta finales de los 70 tomando algunas temporadas de descanso. Grey deja sabrosas grabaciones como las protagonizadas junto a la Count Basie's Orchestra, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie, o Thinking Mans Trombone. Y su eterna sonrisa, claro. 

A punto de cumplir 75 años, sus labios esbozaron una última mueca, con la mirada puesta en su trombón de varas.

Chuck Brown

Louis Charles "Chuck" Brown (22 agosto 1936 - 16 mayo 2012) fue un guitarrista y cantante al que se llama cariñosamente "el padrino del Go-go". Go-go es un subgénero de la música funk desarrollado en los alrededores de Washington, DC, a mediados y finales de los 70. Aunque su clasificación musical, influencias y orígenes se debaten, Brown es considerado como la fuerza fundamental detrás de la creación de música go-go.

Os lo dejo acompañado de Eva Cassidy.

¡LLegaron los reyes!

Uno de los reyes

¡Llegaron los reyes! O sea, Thelonious Monk tocando la música de Duke Ellington. Si alguien  tiene algo que objetar, se pase por la oficina de reclamaciones...

Billy Mitchell el saxofonista

Billy Mitchell (3 noviembre 1926 hasta 18 abril 2001) fue un saxofonista tenor de jazz estadounidense.

Mitchell nació en Kansas City, Missouri. Conocido por su estrecha relación con su compañero de Detroit Thad Jones y trabajar con una gran variedad de bandas como la de Woody Herman cuando reemplazó a Gene Ammons. En 1949 Mitchell grabó con la banda de Milt Buckner y 1956-1957 tocó con Dizzy Gillespie en su big band.

Desde 1957 hasta 1961 y desde 1966 hasta 1967 Mitchell tocó con Count Basie, habiendo sustituido a Lockjaw Davis. A principios de 1960 co-lideró un grupo con Al Grey, y también ejerció como director musical de Stevie Wonder por un corto tiempo durante este período. Mitchell era un exponente de alto dinamismo del post-bop. 

Murió en Rockville Centre, Nueva York.

Billy Mitchell el pianista

Nacido en Tarrytown y criado en Buffalo, Nueva York, Billy Mitchell no se tomó en serio la música hasta que entró en la Universidad Morehouse. A pesar de los estudios del título en ciencias políticas se unió a la banda de jazz de la escuela y pronto estaba tocando conciertos en y alrededor de Atlanta. En 1970, Mitchell se mudó a Los Ángeles para continuar su carrera y pronto estaba tocando con artistas como Gloria Lynn, Esther Phillips, Randy Crawford y Linda Hopkins, por nombrar algunos.

Louis Smith

Louis Smith (Memphis, 20 de mayo de 1931) es un trompetista estadounidense de jazz.

Centrado en el Hard bop y especializado en baladas y estándares, se conocen de él solo dos discos grabados en los años 50, tras lo cual se retiró a enseñar en la Universidad de Míchigan y en el cercano sistema público escolar de Ann Arbor. En los años 70 hizo una breve reaparición musical que tuvo su prolongación a mediados de los años 90, cuando empezó a grabar de nuevo para el sello Steeplechase.

Hal Galper

Harold "Hal" Galper (Salem, Massachussets, 18 de abril de 1938) es un pianista ycompositor estadounidense de jazz.

Tras estudiar piano clásico, recibe clases en la Berklee School of Jazz (1955-1958), donde conoce a Jaki Byard. Trabaja profesionalmente con un grupo de R&B, dirigido por Earl Palmer, y colabora con Sam Rivers, Tony Williams y, ya en la década de 1960, Chet Baker, Donald Byrd, Stan Getz, Joe Henderson, Attila Zoller y Anita O'Day. Después, en los 70, tocaría con Randy Breckery Cannonball Adderley.

En 1975 forma un quinteto con los Brecker Brothers, que interpreta sus propias composiciones, integrándose después en los grupos de John Scofield y, desde 1981, Phil Woods, con quien permanece diez años. En los años 1990 desarrolla su trabajo en formaciónde trío, con innumerables giras, a la vez que realiza labores docentes en el Purchase College y en la New School for Jazz and Contemporary Music. Sus trabajos teóricos, se han publicado en diversos números de la revista Down Beat.

The way you look tonight

Some day, when I'm awfully low, 

When the world is cold, 

I will feel a glow just thinking of you 

And the way you look tonight. 

You're lovely, with your smile so warm 

And your cheeks so soft, 

There is nothing for me but to love you, 

And the way you look tonight. 

With each word your tenderness grows, 

Tearing my fears apart 

And that laugh that wrinkles your nose, 

Touches my foolish heart. 

Yes you're lovely, never, ever change 

Keep that breathless charm. 

Won't you please arrange it? 

'Cause I love you 

Just the way you look tonight. 

With each word your tenderness grows, 

Tearing my fears apart 

And that laugh that wrinkles your nose, 

Touches my foolish heart. 

Yes you're lovely, never, ever change 

Keep that breathless charm. 

Won't you please arrange it? 

'Cause I love you 

Just the way you look tonight. 

Just the way you look tonight. 

Darling 

Just the way you look tonight

Os dejo una versión del clásico "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern, que fue estrenado por Fred Astaire en la película "Swing Time" y ganó además ese mismo año el Oscar a la mejor canción original. Sobre Mal Waldron y John Coltrane ya está todo dicho. Adecuado título para una mañana de resaca...