Susana Raya

Los talentos descubiertos en Internet ya son numerosos. Pero el hecho de que solo a partir de una grabación casera colgada en el portal de vídeos Youtube alguien pueda ser incluido en el nuevo libro de un eminente crítico musical, ya es muy extraño. Pero es lo que le ha ocurrido a la guitarrista cordobesa Susana Raya (1976), quien en 2009 colgó en la web su versión en castellano del clásico My one and only love.

Los cuatro minutos y 26 segundos que dura Mi único amor (como tradujo la artista la canción de Guy Wood y Robert Mellin) terminaron en la pantalla del prestigioso músico y crítico estadounidense de jazz Ted Gioia, autor de La historia del jazz y Delta blues, ambos seleccionados como libros notables por The New York Times. Raya y su tema, grabado en su apartamento de Amsterdam, han terminado apareciendo junto a nombres como John Coltrane, Sonny Rollins, Chick Corea o Cassandra Wilson en el nuevo libro de Gioia: The jazz standards: a guide to the repertoire, publicado el mes pasado por Oxford University Press.

La obra es un ensayo dedicado al análisis histórico y musical de 250 composiciones que son interpretadas habitualmente por muchos músicos y que se conocen como standards. Gioia también aporta una guía de grabaciones recomendadas para cada uno de los temas. My one and only love es una de esas 250 composiciones. Y es en ese capítulo donde aparece mencionada en una breve pero emotiva cita, el trabajo de la cordobesa, además de estar incluida entre las 13 versiones recomendadas, justo después de Sting, Mark Murphy y Kurt Elling. “Me siento como una niña pequeña traviesa y sonriente entre todas esas figuras grandes del jazz, ¿cómo me puedo haber colado yo ahí?”, se pregunta la guitarrista.

Ted Gioia incluye en su libro a Raya junto a Coltrane y Cassandra Wilson

Pero, ¿quién es Susana Raya? La cordobesa se formó estudiando guitarra clásica en el conservatorio de su ciudad, mientras de forma paralela se acercaba a otras músicas como el pop o la canción de autor. “Después, me metí en el jazz de manera natural, cantando con otros amigos músicos, pasando tiempo en jam sessions y descubriendo el repertorio poco a poco”, recuerda en una entrevista mantenida por correo electrónico desde Amsterdam, ciudad donde vive desde hace años.

“Escuché un disco a dúo de los guitarristas holandeses Maarten van der Grinten y Jesse van Ruller que me encantó. Yo en aquel momento quería profundizar en la guitarra de jazz y supe que ellos daban clase en el Conservatorio de Amsterdam”. La joven guitarrista se informó sobre ese centro y logró matricularse en él, después de un difícil proceso de selección, ya que solo aceptan a una decena de nuevos alumnos por curso.

“¿Cómo me puedo haber colado yo ahí?”, se pregunta la intérprete

Raya define su música como “sincera y con sensibilidad”, aunque reconoce que no es posible encajarla en ningún estilo con facilidad, ya que bebe de diversas fuentes. “Me he dejado influir por el jazz, el folk, la música brasileña, cantautores españoles y americanos, el pop...”, señala. La guitarrista suele componer sus propias letras y música, “pero también me gusta hacer versiones de temas de jazz o de otro género llevándolas a mi estilo. Mis referentes son muy variados. Si lo medimos por la momentos pelos de punta, cuando los he escuchado, tengo a Pat Metheny, Jim Hall, Chet Baker, Keith Jarret, Eva Cassidy, Elis Regina, Antonio Vega, Djavan, Puccini, Ravel, Vicente Amigo...”.

El crítico estadounidense compara a Raya con Norah Jones o Eva Cassidy. “El señor Gioia acierta en su comparación, me siento muy identificada con la forma que tienen estas dos mujeres de hacer y sentir la música. Es más, me llamaba la Cassidy andaluza, cosa que me honra profundamente. Es una pena que nos dejara tan joven. Su Somewhere over the rainbow es memorable”, afirma la guitarrista cordobesa.

Raya ya ha terminado sus estudios de guitarra jazz. “Voy a quedarme un poco más en Amsterdam, es buen lugar para saltar de un sitio a otro. Mi idea es tocar en España siempre que pueda y continuar dando conciertos en el extranjero como vengo haciendo hasta ahora”. Mientras tanto, cuece su primer álbum a “fuego muy lento”. “Va a consistir en temas propios principalmente y, al menos dos versiones, en las que incluiré por supuesto My one and only love, buscando un sonido acústico, orgánico y honesto”.

Y en septiembre le espera uno de los retos que más ilusión le hace, una colaboración con Jan Akkerman, el guitarrista del legendario grupo de rock holandés Focus. “Estoy invitada a tocar con su banda en el Teatro Carré de Amsterdam, que es el teatro por excelencia de esta ciudad. Estoy superemocionada, va a ser una experiencia muy especial”.

Manuel J. Albert  EL PAÍS

Pepper Adams

Considerado como uno de los músicos mas prometedores de su época, a los 17 años ya trabajaba en la orquesta de Lucky Tohmpson en Detroit. Virtuoso del saxo barítono, donde llegó a ser uno de sus grandes instrumentistas, en 1957 fue elegido el mejor de la categoría de "New Stars" por la prestigiosa revista "Down Beat". En aquel tiempo era frecuente verle tocar entre los mas grandes como: Stan Kenton, Chet Baker o con el mismísimo Benny Goodman. En 1965 su carrera dio un impulso extraordinario cuando entró a formar parte de una de las grandes orquestas de jazz de los años sesenta, la del trompetista Thad Jones y Mel Lewis.

Pepper Adams, revolucionó la forma de tocar el saxo barítono y demostró que las posibilidades de utilización de dicho instrumento no se habían agotado.

Apodado "The Knife" (el cuchillo) por sus extraordinarios y cortantes "solos", Pepper Adams, forma junto al maestro Gerry Mulligan, la pareja mas extraordinaria de músicos blancos de jazz en tocar el saxo barítono. 

Jamie Cullum

Jamie Cullum se ha convertido en muy pocos años en uno de los jóvenes cantantes-pianista de jazz mas importantes del reino Unido y su promoción comercial por el sello Universal Classics and Jazz, por el que la discográfica invirtió 1 millón de libras esterlinas, ha hecho todo lo demás.

Hasta entonces este joven de apenas 24 años había estado tocando en el Pizza Express, un club ubicado en el Soho, de la capital londinense. Antes había tocado con apenas 16 años en bares, en clubes y hoteles en su nativa Wiltshire. Desde la aparición en octubre de 2003 en la Gran Bretaña, de su álbum Twenty Something, Jamie Cullum vendió 850.000 copias consiguiendo la categoría de doble platino. Twenty Something se convirtió así en el álbum de Jazz que más rápido ha vendido en la historia de la Gran Bretaña y Cullum en el músico de jazz que mas discos ha vendido en todos los tiempos en su país.

Jamie Cullum obtuvo el premio a "Mejor Artista Nuevo" en la BBC National Radio 3 Jazz Awards y también fue nominado como "Artista Revelación" en la ceremonia de entrega de los premios Brit, junto con The Darkness, y Dizzee Rascal. En dicha ceremonia Cullum actuó con Katie Melua en un dueto de la canción de The Cure, "Lovecats". Con motivo del espectacular éxito, Jamie llevó su música a Estados Unidos por primera vez. Estuvo actuando durante tres semanas en The Oak Room, del hotel The Algonquin, en Nueva York, siendo el primer músico europeo blanco en entrar en ese santuario del jazz norteamericano. Las criticas del New York Time, el día después del concierto le abrió las puertas al publico norteamericano que veían en él a un dignísimo sucesor de Harry Connick JR. Desde entonces, Jamie Cullum ha regresado varias veces a los Estados Unidos, actuando en el popular programa The Late, Late Show y haciendo una corta serie de presentaciones promociónales en la Costa Oeste de la Unión Americana.

De regreso a Europa con el marchamo de haber obtenido el reconocimiento de la critica norteamericana, realizó dos giras por media Europa y por fin tuvo la posibilidad de hacer realidad su sueño, tocar en el legendario Ronnie Scott's, ubicado en el Soho. 

 

Os dejo una versión del clásico de Hendrix "The Wind Cries Mary" .

Víctor Cuica

El saxofonista tenor, soprano y flautista, Víctor Cuica, comenzó sus estudios en la Escuela de Música Militar de La Victoria, en 1963. Sus actuaciones en la banda de la marina venezolana tuvo su primer acercamiento al Jazz y decidió estudiar flauta, armonía y composición, en la Escuela Superior de Música "José Ángel Lamas" de Caracas. Ingresó en la orquesta de Chucho Sanoja y posteriormente formó parte de la agrupación musical del bajista y cantante, Oscar de León, donde propuso y se aceptó cambiar el nombre de "Oscar y sus Estrellas" por el más apropiado "Dimensión Latina".

Tras un periodo alejado de la música, vuelve a finales de 1976 para dirigir la Coral de la Universidad de Santa María durante tres años. En 1978, compone e interpreta la banda musical de la película: "El Mar del Tiempo Perdido", basada en el relato del mismo nombre de Gabriel García Márquez. (Solveig Hoogesteijn, Venezuela, 1978). En 1979, consolida su grupo: "Víctor Cuica y su Jazz Latino" presentándose por primera vez en el Teatro Alcázar de Caracas y es invitado a dar un concierto en el Teatro Nacional de San José de Costa Rica, con gran éxito de público y crítica. En 1980, compone e interpreta la banda musical de la película "Manoa", y se presenta con su grupo en Curacao y Aruba. Para esas fechas, Víctor Cuica, ya es considerado por la crítica como el más destacado intérprete de Jazz clásico y original innovador en la fusión de Jazz y música afro-caribeña.

En 1981, se presenta con gran éxito en el Festival "Memphis in May", cuna del jazz en Memphis, Tennessee. El éxito obtenido le permite volver al año siguiente como invitado especial y tambien se presenta en el "Domicile" de Munich, Alemania, donde se dan cita los mejores intérpretes del Jazz europeo y americano. En 1984, graba su primer disco titulado: "Que sea para siempre", cuya venta se agota en breves semanas. Realiza la gira "Rutas Libertadoras" por toda Venezuela, y se presenta en el Poliedro de Caracas alternando con "Preservation Hall Jazz Band", con un rotundo éxito de público. En 1985, Víctor Cuica y su grupo tienen el honor de ser la primera formación venezolana en ser invitado a tocar en el prestigioso Festival Internacional de jazz de Montreal. El grupo continúa su viaje a Québec, donde se presentan en el Festival de verano de la ciudad canadiense donde obtiene un gran éxito de público y crítica cuando alterna con el vibrafonista, Lionel Hampton y su orquesta, terminando ambos aclamados por la audiencia.

En 1988, clausura el Primer festival de Jazz de Caracas, donde regresa al año siguiente para inaugurar el mismo. En 1990, uno de los directores y compositores más prominentes del continente suramericano, Eduardo Marturet, compone para Víctor Cuica y la Sinfonietta Caracas la obra: "Música para seis y saxo" que es estrenada con gran éxito y que después en 1992 se utilizaría como parte de la música oficial del pabellón de Venezuela en la Exposición Universal de Sevilla de 1992. Se presenta en el V Festival Latinoamericano de Música alternando con grandes de la salsa y posteriormente actúa con su grupo en el II Festival Internacional de Música de "El Hatillo". En 1993, graba su segundo disco, titulado: "Noctámbulo", distribuido por Sony Music International, y al año siguiente es el primer venezolano invitado a participar en el Festival "Mar del Jazz" en Buenos Aires, Argentina, mereciendo fuertes elogios de la crítica local. Sus éxitos continúan y en 1995, es distinguido con el Premio al mejor músico del año por la Casa del Artista de Venezuela, y se presenta como solista acompañado por la Gran orquesta de Jazz de Andy Duran en el marco del VI Festival Internacional de Música de El Hatillo. En 1996, alterna con el guitarrista flamenco, Paco de Lucía en el Teatro Teresa Carreño de Caracas, en dos conciertos aclamados por el público. Al año siguiente compone e interpreta la banda sonora de la película "Santera" de la cual es protagonista. Esta banda musical le merece el premio a la mejor Banda Sonora de 1997. Es invitado al Festival Iberoamericano de Gramado en Brasil. En 1998, graba su tercer CD titulado: "Just Friends" acompañado por Alberto Lazo al piano. Sus ideas están frescas y produce al año siguiente su cuarto CD titulado: "Los Locos de Caracas" donde comparte con Carlos “Nené” Quintero (percusión), Roberto Jiron (guitarra) y Gerardo Chacón (bajo); distribuido por Sony Music. Ya en el tercer milenio, en 2001, se presenta en el "Festival de Jazz de Barquisimeto" y en el "Festival de jazz de Valencia", y al año siguiente toca en diversos centros nocturnos en New York y Montreal. En el 2003 es homenajeado en el "Festival de Nagua Nagua" y su actividad musical prosigue en la actualidad llena de vitalidad y fuerza.

Henri Crolla

El extraordinario guitarrista napolitano, Henri Crolla, debutó en la música muy joven tocando el banjo, un instrumento de la primera época del blues afroamericano, en las terrazas de los cafés parisinos y frecuentando un ambiente bohemio donde el arte y la cultura se manifestaba con profusión en la ciudad del Sena, donde residía desde que su familia se trasladó a Francia.

En aquel ambiente, el maestro del jazz europeo, Django Reinhardt, lo escuchó tocar en una ocasión y le propuso que cambiara el banjo por la guitarra, una decisión que cambió toda su posterior carrera musical y por la que estuvo eternamente agradecido a Django. Aunque ya tocaba en 1938, no fue hasta 1944 cuando su carrera se consolidó al lado del gran Yves Montand, con quien estuvo tocando hasta la muerte de este. Henri Crolla venía de tocar en cabarets, boites parisinas y otros garitos del Paris bohemio, por lo que era muy popular y admirado en aquellos ambientes.

En 1948 acompañó al violinista, Stéphane Grapelli en el club St. Germain de la capital francesa y tuvo la habilidad de ser un músico que descubrió el potencial del cine, participando en decenas de bandas sonoras de los años cincuenta. Músico casi desconocido para la generación actual, Henri Crolla fue un guitarrista excelente, dotado de un swing vibrante y un virtuoso de la guitarra. Tuvo no obstante la mala fortuna de ser coetáneo de otro gran músico que en cierta manera eclipsó su carrera: Django Reinhardt.

Ida Cox

Natural de Georgia, Ida Cox, también hizo el obligado aprendizaje en los circuitos de mainstrel y vodevil propios de las cantantes de blues del siglo XIX. Su voz era menos potente que las dos grandes del blues, Ma Rainey o Bessie Smith, pero sabia cargar de intención las letras de los blues, en su mayoría compuestos por ella. Su primer gran éxito fue el tema "Any Woman Blues" en 1922 junto a Lovie Austin y en aquellas fechas grabó abundantemente para la casa Paramount con el grupo de músicos de la plantilla y especialmente con Tommy Ladnier y con su marido el pianista y organista, Jesse Crump.

La gran depresión del 29 también le afectó y no fue hasta diez años mas tarde, cuando actuando irregularmente en el Café Society de New York, en 1939, John Hammond la sacó a la luz para grabar en el Carnegie Hall junto al gran James P. Johnson, Buck Clayton, Lester Young, Freddie Green, Walter Page y Jo Jones, en un concierto grabado en disco titulado: "From Spiritual To Swing" y reeditado recientemente en un doble CD para Vanguard. Durante los años cuarenta continuo sus grabaciones con la elite del jazz y mostrando sus habilidades. Enferma del corazón se retiro a vivir a Knoxville en Tennessee y sólo reapareció en los estudios en 1961 para grabar junto al quinteto de Coleman Hawkins, un magnifico disco para Riverside titulado "Blues for Rampart Street" reelaborando algunos de sus mas inolvidables blues como el titulado: "Wild Woman Don't Have the Blues". Fue su ultima sesión hasta su muerte ocurrida seis años mas tarde. 

Eddie Condon

Eddie Condon, nació en Goodland (Indiana) en un pueblo de doscientos habitantes cerca de la frontera del estado de Illinois y por tanto próximo a Chicago, la ciudad a la que estaría unido musicalmente para toda su vida. Criado en una familia irlandesa y en un ambiente católicamente radicalizado, su padre fue aficionado a la música y de pequeño tocó el ukelele en un grupo familiar. A los dieciséis años abandonó sus estudios y el colegio y se hizo músico profesional. No sabia leer partituras, pero tenia un oído muy fino y dominaba el banjo y la guitarra tenor de cuatro cuerdas. En aquella primera época se unió al grupo de un tal, Hollis Peaveay, los "Jazz Bandits" que se limitaba a reproducir el repertorio de la "Original Dixieland Jazz Band".

Los jóvenes blancos de Chicago oían blues y jazz por todas partes y Eddie tuvo la oportunidad de tocar a esa temprana edad con el mismísimo Bix Beiderbecke. Creó junto a otros jóvenes el grupo "Chicagoans" que en 1926 se presentan como los "Husk O'Hare Wolverines" en clara alusión a la orquesta estudiantil con la que Bix se hizo famoso. Allí confluirían músicos que estarían presentes durante la carrera musical de Eddie Condon: Pee Wee Russell, Gene Krupa, Mez Mezzrrow o un jovencísimo, Benny Goodman.

Sus grupos empezaron a grabar dada la facilidad para liderarlos que tenia Eddie. Así en 1928 lo hicieron para el sello "Brunswick" como los "Chicago Rhythm Kings". Posteriormente grabaría entre 1932 y 1935 con el trompetista Bunny Berigan en el "Famous Door", o con Bud Freeman en New York. Era sabido que a Eddie Condon, le gustaba tocar en pequeños grupos a pesar de que era el apogeo de la época del swing y a pesar de todo lo consiguió. Sus actuaciones diarias en en el "Jimmy Ryan's" o en el "Nicks" dos locales famosos de la Calle 42, fueron seguidas con gran interés por el publico.

A finales de los años treinta un hecho significativo daría un cambio a su vida. Eddie se hizo socio del productor, Milt Gabler, propietario de "Commodore" un pequeño pero selecto sello discográfico que acogía la música de pequeños grupos de New York ignorados por las grandes compañías. Gracias a ello, las grabaciones de Eddie Condon, proliferaron y su presencia en la vida nocturna y musical de New York adquirió una gran popularidad. Sus solistas, en especial el trombonista, Jack Teagarden, se convierten en verdaderos ídolos. Aquel éxito le permitió abrir su propio club al que llamó "Condon's" que se convertiría en un centro de reunión para los músicos que tocaban un jazz afin al suyo. Graba para Columbia ocho extraordinarios discos entre los que destacan: "Jammin' at Condon's" considerado una de las joyas del movimiento Dixieland.

Alcohólico empedernido (una vez declaró en alusión a la capacidad de su local y a preguntas de un periodista, que en su club cabrían al menos, unas doscientas cajas de whisky) viajó a Inglaterra en 1957 y a Japón en 1964 en compañía de sus músicos amigos pero su salud empezó a pasarle factura y murió el 4 de agosto de 1973 en un hospital de New York. 

Art & Zoot

Cuando dos genios del saxo como Art Pepper y Zoot Sims se aúnan en la improvisación, cualquier parecido con la realidad es casual. Escuchad si no ésta extraordinaria versión de la celebérrima "Chica de Ipanema".

Steve Coleman

El saxofonista, Steve Coleman, es una de las figuras del jazz mas emblemáticas de los últimos años. Dotado de una gran técnica y formado en los pupitres de las orquesta de Thad Jones, Mel Lewis o la de Slide Hampton, encabezó el movimiento musical denominado "M-Base" (Macro-Basic Array of Structured Extemporization) creado en torno a su grupo: "Five Elements", una formación con profundas raíces en el jazz y en el hip-hop.

Por los "Five Elements" han pasado grandes músicos y artistas del jazz contemporáneo: Greg Osby, Graham Haynes, Cassandra Wilson, Lonnie Plaxico, Geri Allen, Robin Eubanks o Reggie Washington entre otros muchos. Los planteamientos musicales y estéticos de "M-Basic" se aproximan a la de otras agrupaciones musicales anteriores y su labor no está muy alejada del concepto de "Great Black Music" al que tantos esfuerzos dedicó el "Art Ensemble Of Chicago".

Tras las carreras en solitario del saxofonista, Greg Osby o de la cantante, Cassandra Wilson, Steve Coleman es la figura mas representativa del movimiento "M-Base" y en sus trabajos se dan citas los estilos de la música afroamericana, desde el bebop, hasta el funk, pasando por el Rap impregnado de jazz. Su amalgama estilística, su rigor y su reputada fama como instrumentista, han hecho de Steve Coleman una de las referencias importantes del jazz moderno.

Buck Clayton

Wilbur Dorsey Clayton, fue uno de los trompetistas mas importantes de la historia del jazz y su nombre está asociado indisolublemente a la gran cantante de jazz, Billie Holiday, para quien Clayton, fue su trompetista inseparable. Tenía un estilo poderoso y equilibrado que junto a una articulación clara y un swing intenso, fueron sus cartas credenciales durante toda su vida.

Clayton, creció en el seno de una familia de músicos y siendo aun adolescente tomó ya clases de trompeta. Se trasladó a Los Ángeles adónde empezó a tocar en algunos grupos locales. En 1936 dirigió ya su propia banda denominada: "The 14 Gentleman From Harlem" y ese mismo año viajó a Kansas City para sustituir a Hot Lips Page, en la orquesta de Count Basie, que entonces actuaba de forma regular en el famosísimo club Reno.

Antes de comenzar la guerra donde fue alistado hasta 1946, año en que que se licenció, toco junto a la orquesta de Teddy Wilson, donde actuaba como primera cantante, Billie Holiday. Alcanzó el mejor momento de su carrera en la década de los cincuenta cuando formo parte del JATP de Norman Granz y le dio posibilidades de viajar a Europa y tocar en diversa formaciones. En los años cincuenta, grabó una serie de magníficos álbumes bajo el titulo genérico de "Buck Clayton's Jam Sessions" para el sello Columbia, además de unos excepcionales registros para "Vanguard" junto al pianista, Joe Bushkin y el cantante Jimmy Rushing.

Ya en los años sesenta, Clayton continuó liderando distintas formaciones, contrató al guitarrista Eddie Condon, pero sus labios empezaban a fallarle. Se retiró de los escenarios y dedicó los últimos años de su vida a la enseñanza, los arreglos y la composición, y escribió su autobiografía. A finales de los ochenta se embarcó en el proyecto de dirigir una bigband pero la muerte le sorprendió en 1991 después de padecer una larga enfermedad.   

Stanley Clarke

Formado musicalmente en ambientes rockeros y con el soul debajo del brazo, el bajista, Stanley Clarke, es uno de los representantes mas carismáticos de lo que se dio en llamar "jazz rock". Junto al pianista Chick Corea, participó en el magnifico grupo: "Return to Forever" pionero de la escena de la fusión y por su cuenta y riesgo se aventuró en todo tipo de proyectos, incluido la degradada formula de "música disco".

Stanley Clarke, siempre tuvo una curiosidad insaciable por cualquier tipo de música y eso le valió poco menos que el desprecio de una parte importante de la critica de jazz siempre apegada a una intransigente cuestión de ortodoxia y pureza. Participó de manera destacada junto a George Duke, teclista del grupo de Frank Zappa, en un proyecto denominado: "Clarke-Duke Project" y en el que ambos encontraron un cauce adecuado para expresar sus ideas musicales.

Dotado de una técnica y un virtuosismo envidiable, Stanley Clarke, es junto al gran Jaco Pastorius, uno de los músicos claves a la hora de introducir el bajo eléctrico en el mundo del jazz. Con una digitación impecable, su velocidad en los ritmos y su sonido han hecho de el una verdadera estrella aunque peca en muchas ocasiones de exhibicionista. En cualquier caso, cuando se acerca al jazz lo hace con enorme calidad.

 

Una joya poética

Mal Waldron fue un músico y compositor que hacía algo más que tocar el piano, creaba poesía. Una vez muerta Billie Holiday, a la que acompañó asiduamente, junto a la cantante Jeanne Lee, otra injustamente valorada por la crítica, escaló algunas de las cumbres mágicas de la historia del jazz.

Philip Catherine

El guitarrista, Philip Catherine, nació en Londres de madre inglesa y padre belga. Al finalizar la II Guerra Mundial la familia se trasladó a Bélgica. Conocido como el "joven Django" el gitano guitarrista fue su primera y gran devoción musical. Sus discos los escuchaba con autentica pasión en las emisoras de radio y junto al francés, René Thomas, fueron los músicos que influyeron decisivamente en su formación musical.

A los diecisiete años empezó a tocar profesionalmente cuando se unió al organista, Lou Bennett con quien recorrió toda Europa. Philip Catherine, siempre tuvo un espíritu abierto para captar los sonidos y la música de Erroll Garner o Herbie Hancock, sin ocultar nunca que recibió de Wes Montgomery o de Toots Thielemans, una decisiva influencia.

A principios de los años setenta, se sumergió intensamente en los terrenos del freejazz y la fusión tocando con Jean-Luc Ponty y grabando con Larry Coryell a la vez que aparecía con frecuencia en compañía de Charlie Mariano y Jaspert Van't Hof. Catherine y Coryell completaron dos giras muy exitosas por Europa a finales de los setenta que consolidaron la reputación del guitarrista. Ya en los ochenta, formó una fructífera asociación con el contrabajista, Niels-Henning Orsted Pedersen.

Philip Catherine, es un músico que viene ganado calidad en su madurez y está dotado de una expresividad melódica importante y su técnica expresa con perfección el nivel que ha alcanzado.

Os dejo un vídeo del clásico "Stella by Starlight" acompañado del contrabajista danés Niels Henning Orsted Pedersen.

Deborah J. Carter

Deborah J. Carter, es una cantante universal de jazz perteneciente a una generación que venera la herencia cultural Afro-Americana. Nacida en Texas (EE. UU) y relacionada con Hawai y Japón, reside actualmente en Europa. Ha trabajado con numerosos grupos y ha impartido Master Classes en numerosas Embajadas de su país. Su último trabajo es el disco: "Girl-Talking!", una grabación en directo realizada durante una actuación en el Pannonica jazz club en Holanda en 2003. En él, Deborah interpreta gran variedad de temas con una voz pulida y elegante. Con letras cautivadoras, buena música y mejor ambiente, Girl-Talking! es una excelente muestra del mejor jazz que explica el motivo de la popularidad de Deborah J. Carter.

Os dejo ésta versión del mítico "Something" compuesto por George Harrison.

 

Tom Harrell

Thomas Harrell (Urbana, Illinois, 16 de junio de 1946) es un trompetista, fliscornista y compositor estadounidense de jazz.

Su infancia transcurre en California, donde empieza a tocar la trompeta con sólo nueve años. tras sucesivas crisis nerviosas, se diagnostica como esquizofrénico en 1967, y desde entonces, permanece en continuo tratamiento. A comienzos de los años 1970, trabajará en la big band de Woody Herman y en los grupos de Horace Silver, Arnie Lawrence y Chuck Israels, además de convertirse en un reputado músico de sesión, colaborando con Lee Konitz, Sam Jones, Bill Evans, George Russell y otros. También formó parte de la sección de viento de bandas de jazz rock, como Malo, donde coincidió con los también trompetistas Forrest Butchel y Luis Gasca. En 1983, se incorpora al cuarteto de Phil Woods, con quien permanecerá hasta 1988.

Desde 1989, Harrell dirige sus propias formaciones como líder, especialmente el quinteto que mantiene entre 1996 y 2003, registrando un buen número de álbumes para RCA / BMG. Ha compuesto además un gran número de temas para otros músicos y realizado arreglos para bandas y artistas reconocidos. Su obra compositora se ha publicado en diversos libros, por Hal Leonard, Jamey Aebersold, Sher Music, y "Gerard and Sarzin". También ha grabado con Charlie Haden y Joe Lovano.

Lester Bowie

Nacido en Frederick (Maryland), el trompetista, Lester Bowie procedía de una familia de músicos que echó raíces en St. Louis cuando el era aun un niño. Comenzó a tocar la trompeta con muy temprana edad, y de joven llegó a participar en algún que otro grupo de Rhythm & Blues. se casó recién licenciado con la cantante Fontella Bass y se traslado en 1956 a Chicago. Una decisión que fue trascendental para su porvenir como músico.

Allí contactó con Muhal Richard Abrams, Roscoe Mitchell y Joseph Jarman, músicos todos representantes de la vanguardia jazzistica de la época. De esa toma de contacto, nació la famosa institución musical: Asociación para el progreso de los músicos creativos (Association for the Advancement of Creative Musicians) en sus siglas: A.A.C.M.

En 1976, Bowie se unió a Roscoe Mitchell y al contrabajista, Malachi Favors, para crear un grupo decisivo en la historia del jazz moderno: El "Art Ensemble" rebautizado posteriormente como "Art Ensemble of Chicago". Largas y complejas improvisaciones, un fraseo burlón y descarado, ruidos y sonidos jamás empleados antes en le jazz y tomando como base el blues, dieron como resultado una música creativa que consolido a dicho grupo como una de las referencias indiscutibles del jazz moderno. En 1969, con New York rendido a sus pies, se marchó a Paris y allí desarrolló escénicamente el estereotipo que para siempre le identificó: su bata blanca de galeno y su humor en escena, socarrón y ácido.

Aunque nunca fue un músico que destacara por su técnica ni tampoco por la belleza de su música, Lester Bowie fue hasta que falleció en 1999, uno de los trompetistas mas originales del jazz contemporáneo.

 

Irving Berlin

La familia judía de Irving Berlin emigró desde Rusia a los Estados Unidos en 1891. Su padre fue un rabino que consiguió trabajo como certificador de carne siguiendo la Ley Kosher. Tras la muerte de su padre en 1896, Irving hubo de buscar trabajo para sobrevivir; estuvo empleado como vendedor de periódicos y también realizó actuaciones en la calle para conseguir dinero. La dura realidad de tener que trabajar aun en trabajos ínfimos para no morir de hambre dejó una huella profunda en la valoración del dinero por parte de Berlin.

Cuando estaba trabajando como camarero cantante en el Pelham's Café en Chinatown, Berlin fue requerido por el propietario para escribir una canción original para el café, debido a que un negocio rival tenía su propia canción publicada. "Marie from Sunny Italy" fue el resultado editándose pronto. Aunque solo ganó 37 centavos, le abrió las puertas de una nueva carrera y un nuevo nombre: Israel Baline fue erróneamente impreso como "I. Berlin" en la partitura. Muchas de sus primeras canciones, entre ellas "Sadie Salome (Go Home)", "That Mesmerizing Mendelssohn Tune" y "Oh How That German Could Love" alcanzaron un modesto éxito tanto en forma de partituras, de grabaciones, en el escenario del vodevil, o como interpolaciones en diversos espectáculos; pero fue "Alexander's Ragtime Band", escrita en 1911, la que lo catapultó como una de las más importantes estrellas de Tin Pan Alley.

Tras el éxito de "Alexander's", se rumoreó que Berlin estaba escribiendo una ópera ragtime, sin embargo produjo su primera obra extensa para los escenarios musicales, "Watch Your Step" (1914), protagonizada por Irene y Vernon Castle, la primera comedia musical en hacer un uso penetrante de los ritmos sincopados. Un espectáculo similar titulado "Stop! Look! Listen!" siguió a aquel en 1915. En 1917, durante la Segunda Guerra Mundial, entró en el ejército estadounidense y llevó al escenario una revista musical titulada Yip Yip Yaphank mientras estuvo en Camp Upton en Yaphank (New York). Presentada como "un lío militar cocinado por los chicos de Camp Upton", el reparto del espectáculo se formó con 350 miembros de las fuerzas armadas. La revista fue un tributo patriótico al ejército estadounidense, y Berlin compuso una canción titulada: "God Bless América" para el espectáculo, aunque finalmente no hizo uso de ella. Cuando fue realizada años después, se hizo tan popular que se sugirió que podría llegar a ser el National Anthem, esto es, una especie de canción nacional. Ha permanecido hasta hoy como una de las más exitosas canciones y una de las más conocidas en todos los Estados Unidos. Es particularmente recordada la interpretación que de la misma se realizó tras el ataque terrorista del 11 de septiembre de 2001, cuando miembros del congreso la cantaron en las escaleras del capitolio. Algunas canciones de la revista Yaphank fueron más tarde incluidas en la película de 1943 "This Is the Army" en la que también aparecían otras canciones de Berlin, tanto la canción que da título al film como una versión de "God Bless América" por Kater Smith.

Tras la guerra, Berlin construyó su propio teatro, el Music Box, como un local para revistas anuales que incorporaban sus últimas canciones; la primera de esas revistas fue "The Music Box Revue of 1921". El teatro está todavía en uso, ocasionalmente. Aunque la mayoría de sus obras para el escenario de Broadway tomaron la forma de revistas -- colecciones de canciones sin un tema común -- escribió unos cuantos book shows. The Cocoanuts (1925) fue una comedia, con un reparto en el que aparecían, entre otros, los Hermanos Marx. Face the Music (1932) era una sátira política con un libreto de Moss Hart, y Louisiana Purchase (1940) era una sátira de un político sureño, obviamente basada en las proezas de Huey Long. El espectáculo presentaba una sucesión de canciones exitosas, como "Easter Parade", "Heat Wave" (presentada como el pronóstico del tiempo), "Harlem on My Mind" y la que quizá es su balada más poderosa, "Supper Time", una atormentada canción sobre el fanatismo racial, con un peso inusual en una revista musical y que fue cantada por Ethel Waters, una magnifica cantante de color, en una desgarradora interpretación.

Durante la Segunda Guerra Mundial, tras recibir un permiso del general George Marshall, Berlin organizó una revista toda de soldados con el espíritu del Yip Yip Yaphank. El resultado fue This Is the Army y se estrenó el 4 de julio de 1942 con un reparto de más de 300 soldados, y permaneció en el escenario durante tres años, primero en Broadway, luego en una gira por los Estados Unidos y después en el extranjero.

El musical de Broadway más exitoso de Berlin fue: Annie Get Your Gun (1946), producido por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II. Basado libremente en la vida de la tiradora Annie Oakley, la música y las letras fueron escritas por Berlin, con un libreto de Herbert Fields y de su hermana Dorothy Fields. Berlin había sido contratado tras fallecer Jerome Kern. En principio, rechazó el ofrecimiento, afirmando que no sabía nada de música hillbilly, pero el espectáculo terminó por cumplir las 1147 representaciones. Annie Get Your Gun está considerado el mejor musical de Berlin no solo por la cantidad de éxitos musicales que contiene sino porque sus canciones combinan acertadamente la descripción de los personajes con la ayuda al desarrollo de la historia.

En 1927, una de las canciones de Berlin, "Blue Skies", un éxito desde 1926, fue interpretada en la primera película hablada de la historia del cine: The Jazz Singer, cantada por Al Jolson. Top Hat (1935) fue la primera de una serie de películas musicales fomentadas por Berlin que contó con la presencia de intérpretes populares y atractivos (como Bing Crosby, Fred Astaire, Judy Garland y Ginger Rogers), con argumentos románticos y una banda sonora a base de sus nuevas y viejas canciones.

Irving Berlin no componía de manera tradicional; se servía sobre todo de las teclas negras de un piano. Fue compositor de la música de películas como Sombrero de copa (1935), de Mark Sandrich, Cielo azul (1946), de Stuart Heisler, y Desfile de Pascua (1948). Entre sus canciones más conocidas aparecen "Everybody's Doin' It", "There's No Business Like Show Business", "Navidades blancas" y "Desfile de Pascua". En el año 1968 obtuvo el Grammy por una vida dedicada a la música. Fue autor de más de mil quinientas canciones convirtiéndose en uno de los compositores más importantes de los Estados Unidos.

Aunque no llegó a aprender nunca a leer música más allá de un nivel elemental, compuso alrededor de 3.000 canciones, muchas de las cuales dejaron una huella indeleble en la música y cultura estadounidense. Produjo 17 películas y 21 espectáculos de Broadway, además de sus canciones individuales.

Cedar Walton

Hijo de un profesor de piano, Cedar Walton, empezó a practicar con dicho instrumento a los diez años, y su interés por el jazz fue inmediato debido a las escuchas de los discos de su padre. Su debut fue en su Dallas natal con distintas formaciones de blues actuando entre otros junto a David Noon. Su familia se trasladó a Denver y allí estudio durante tres años en la Universidad local antes de dedicarse plena y profesionalmente a su carrera de músico.

Obtuvo sus primeros contratos importantes tocando con Kenny Dorhan, Gigi Gryce, Lou Donaldson y con la formación del maestro del trombón, Jay Jay Johnson, a la que se incorporó en sustitución del pianista, Tommy Flanagan. Entre 1960 y 1961 perteneció al celebre combo "The Jazztet" liderado por el trompetista, Art Farmer y el saxofonista, Benny Golson. En el seno de esa extraordinaria formación jazzistica, grabó dos grandes discos: "Big City Sounds" y "The Jazztet and John Lewis" con composiciones de éste último. En 1961 ingresó en los Jazz Messengers del baterista, Art Blakey, donde permaneció hasta 1964, desempeñando en ella una notable labor de arreglista y compositor.

Con los Messengers, Cedar Walton, salió de gira por Japón y participó en varios discos extraordinarios, siendo el mas destacable de ellos, el explosivo "Free For All" y el no menos extraordinario: "Mosaic". Cuando abandonó la formación de Art Blakey, donde dejó una ganadísima reputación, inició su carrera en solitario, tocando preferentemente con tríos, o cuartetos y colaborando a menudo con cantantes como Etta James o Abbey Lincoln. En 1974, colaboró intensamente como free lance con Eddie Harris, Blue Mitchell, Lee Morgan, Freddie Hubbard o Milt Jackson, con el que tuvo oportunidad de volver al país del Sol Naciente en 1976 para una serie de conciertos, afortunadamente grabados en el sello Pablo: "At the Kosei Nenkin" (Pablo, 1976).

A principios de los ochenta, Cedar Walton, destacó al frente de un cuarteto denominado en un principio "Eastern Rebellion" e integrado por George Coleman y Sam Jones, y luego se incorporaron, el baterista, Billy Higgins, el contrabajista, Tony Dumas y el saxofonista, Bog Berg, recientemente fallecido. Con ésa formación ha recorrido Europa varias veces y con un indiscutible éxito. Su carrera discográfica esta preñada de numerosos y excelentes álbumes, destacando principalmente los grabados entre 1985 y finales del siglo XX, época donde alcanzó su verdadera madurez artística.

Cedar Walton, es un pianista formalmente vinculado al hardbop, y ello no es óbice para que posea un estilo elegante y lleno de swing.

Eric Alexander

Propietario de un tono caliente, artísticamente muy bien pulido y dotado de una imaginación melódica extraordinaria amén de una robusta armonía, el saxofonista tenor, Eric Alexander tiene por delante una magnifica proyección como músico de jazz. En su corta pero magnifica trayectoria discográfica ha firmado cinco excelentes álbumes como líder y tiene en su poder la posibilidad de convertirse en uno de los grandes instrumentistas del jazz contemporáneo. 

Eric Alexander, comenzó a tocar el piano a los seis años, a los nueve ya tocaba el clarinete y a los doce años, dominaba también el saxo alto. Cuando decidió dedicarse profesionalmente al jazz tomó el saxo tenor como instrumento definitivo tras la estancia durante un año en la Universidad norteamericana de Indiana. Mas tarde, en la universidad de New Jersey, continuó sus estudios bajo el tutelaje del maestro, Joe Lovano entre otros profesores. Allí escuchó una y otra vez a los grandes saxos tenores del hardbop, como: Sonny Rollins, Sonny Stitt, Jackie McLean o Joe Henderson. Sin embargo fue el sonido y el estilo de Charlie Parker lo que influyo sobremanera en la forma de tocar de Eric Alexander. 

Durante los años 90, después de colocarse segundo (por detrás de Joshua Redman) en el concurso de jazz internacional "Thelonious Monk" en la categoría de saxofonista, Alexander se lanzó ya decididamente a encauzar su carrera profesional como músico de jazz. 

En 1991 tocó con Charles Earland, y grabó su primer álbum, "New York Calling" como líder en 1992 en el sello Delmark. En este prestigioso sello grabó algunos discos mas siendo muy destacable el grabado en 1988 en cuarteto con George Mraz, Juan Hicks, e Idris Muhammad. En la actualidad, y tras continuar su exitosa carrera discográfica, Eric Alexander es ya un músico que atrae la atención por donde quiera que actúa y ha conseguido ser reconocido como una voz propia entre los músicos contemporáneos de jazz.

Pharoah Sanders

Pharoah Sanders, estudió en su adolescencia piano con su abuelo, después batería, clarinete y a partir de los dieciséis años, saxo y flauta. Sus comienzos semiprofesionales fueron en algunas bandas locales de Rhythm & Blues y en 1959 se trasladó a Oakland en California donde logró tocar, con apenas diecinueve años, con Sonny Simmons, Dewey Redman, y Phily Joe Jones. En 1962 se afincó en New York destacando rápidamente entre los músicos de vanguardia de la Gran Manzana, adscritos en aquella epoca al freejazz, entre ellos, Don Cherry, Sun Ra o Billy Higgins.

Ingresó en la formación de Charles Moffett, donde ya tocaban Carla Bley y Alan Shorter. Su primer disco fue grabado en septiembre de 1964 para el sello ESP. Conoció a Sun Ra y graba con el excéntrico multiinstrumentista a finales de ese año. Su sonido no iba a pasar desapercibido para el maestro Ornette Coleman quien le reclamó para grabar con él el álbum; "Chapaquua". El disco tuvo tal éxito y la actuación de Pharoah fue tan brillante que Coltrane, atento a todo el movimiento free, y cuidando de no quedarse al margen de ese nuevo movimiento, lo llamó para que participara en el álbum mas emblemático que Coltrane hiciera en los ámbitos del freejazz: "Ascensión". Tan satisfecho quedó Coltrane del trabajo de Pharoah Sanders, que decidió contar con él para futuras grabaciones colaborando desde entonces con el maestro del saxo tenor de forma estable.

La presencia de Pharoah Sanders en el grupo de Coltrane fue continuada hasta la muerte del líder. Con Coltrane, Pharoah Sanders se hizo un lugar en el jazz y participó en varios de los proyectos mas importantes de éste último, como fue la gira por Japón en 1966. Tras la muerte de Coltrane, Pharoah siguió grabando con su hija, Alice hasta 1970. Pharoah Sanders también grabó entre 1966 y 1971, excelentes discos a su nombre, destacando por encima de todos, el grabado para el sello Impulse! en 1969 de titulo: Karma. Tras dejar Impulse, en 1972, atravesó un periodo de sequía en cuanto a la grabación de discos se refiere, apenas graba un álbum por año, y vuelve a aparecer con fuerza en 1987 bajo el manto protector del sello Timeless, donde nuevamente y a fuerza de repetir el discurso musical que le hizo célebre junto a Coltrane, celebró alguno éxitos importantes, como el disco que inauguró ése periodo con Timeless titulado: África, un emotivo, sincero y extraordinario homenaje póstumo a la música de su mentor y cuyo titulo quedó dedicado a la tierra que Coltrane jamás vio: el continente africano.

Criticado por su excesiva dependencia del estilo mimético de Coltrane, y por su escaso apego a la investigación creativa, Pharoah Sanders pudo haber sido, de no haber mediado esa excesiva dependencia de Coltrane, un digno sucesor de su maestro.

 

Sun Ra

El teclista y director de orquesta, Sun Ra (1914-1993) es un caso único entre los músicos de jazz. Nacido en Birmingham, él mismo declaró que procedía del espacio y que era un ser celestial. Tomado por loco y charlatán, tachado de burdo profeta y farsante empedernido, a Sun Ra le costó acallar todas esas maldades para hacerse un lugar de privilegio en un mundo sonoro absolutamente extraordinario. Debutó antes de cumplir los diez años en la "Saxo Society Band" de John Tuggle Whatley, quien le enseñó las primeras nociones de dirección orquestal. En los años treinta, tocó en Gary (Indiana) y en Washington donde estudió con Lula Randolph. Entre 1946 y 1947, militó en la orquesta de Fletcher Henderson, donde colaboró tambien con los arreglos y la composición. En 1952, tras superar una profunda crisis espiritual, adoptó el nombre de Le Sony'r Ra (mas tarde abreviado en Le Sun-Ra) y empezó a presentarse al frente de su "Space Jazz Trío". Ese mismo año fundó junto a su amigo, Alton Abraham, el sello discográfico, "Saturn Records", con el grabó multitud de títulos, entre ellos el fenomenal "Jazz in Silhouette" en 1958. En 1953 empezó a formar el embrión de lo que sería su orquesta, la forma musical donde expresaba con total libertad sus ideas. Incorporó solistas de talla del nivel de Pat Patrick, ineludible soporte de la sección de saxos, con su rocoso barítono; Marschall Allen, saxo alto y el mejor de todos, el saxofonista tenor, John Gilmore, en quien confesó el propio Coltrane, haberse inspirado en una época de cambio evolutivo. En 1955 grabó experimentando la formula de dos contrabajos y al año siguiente empezó a grabar con regularidad empleando varios percusionistas. Fue entonces cuando formó establemente su afamada "Sun Ra Arkestra", un gran grupo cuyo nombre esta vinculado a los conceptos de "Sol" el dios faraónico omnipotente. En 1956 sale a la luz bajo el sello "Transition" su primer álbum orquestal bajo el titulo de "Jazz by Sun Ra-Sun Song", un intento poco valorado en su carrera por unir música y espíritu. En 1959, tras aparecer en el film de Edward Blank "The Cry of jazz", trasladó su grupo a Canadá y en 1961, casi por casualidad el grupo estaba en New York, donde participó en los celebres Happenings del Lover East Side. En 1961, graba para Savoy, el álbum que está considerado como su obra maestra: "The Futuristic Sounds of Sun Ra". En él, el teclista saca enorme partido a los timbres de cada instrumento y guarda con celo encomiable el equilibrio entre las partes escritas e improvisadas. Ese álbum adelanta en algunos años las formas coloristas que hicieron famoso al "Art Ensemble of Chicago". Con una estructura abstracta e iconoclasta, "The Futuristic Sounds of Sun Ra", demostró tener un perfecto balance entre elementos de swing, blues, ritmos Afro-Cubanos, bigband y avant-garde. Aun así resulto de poco interés en aquellos tiempos en que el Rock & Roll ocupaba el centro de atención musical de la mayoría de los jóvenes. En ese mismo año, Sun Ra, con los deberes hechos, contactó fácilmente con el naciente circulo de músicos adscritos al freejazz y se asocio a la "Jazz Composer's Guild" que promovía, Bill Dixon. En ese ambiente tocaba regularmente en el club "Slung's" una vez por semana casi hasta 1972. Los años setenta, fueron el periodo en el que la "Sun Ra Arkestra", se desplazó por medio mundo ofreciendo conciertos y actuando en distintos festivales. En 1977, Sun Ra y los músicos de su banda, echaron raíces en Philadelphia para convivir en comuna todos ellos hasta que falleció el 30 de mayo de 1993. Sun Ra decía proceder de un planeta desconocido, no reconocía su verdadero nombre ni nada que tuviera que ver con su presencia entre la humanidad; hizo mientras vivió todo lo posible por no formar parte de este planeta del que renegaba, pero Sun Ra, demostró que sabía crear música profundamente humana y apegada a la tierra como pocos.
Os dejo un vídeo de una versión del tema de Thelonious Monk 'Round Midnight . 

Mr Van Morrison nuevamente

Hay algunos cabr.... que parecen haber hecho un pacto real con el diablo a cambio de cantar cada vez mejor.
Parece ser el caso del amigo Van Morrison, ved si no ésta segunda versión del mismo tema en directo 26 años más tarde......y repetid conmigo : ¡Qué cabrón, qué envidia me das!

Lenny Breau

Leonard Harold "Lenny" Breau" (5 de Agosto, 1941 – 12 de Agosto, 1984)  fue músico, guitarrista y profesor de música.

Era conocido por mezclar con su guitarra diversos estilos musicales tales como jazz, country, clásico y flamenco. Breau inspirado por guitarristas como Chet Atkins, empleaba técnicas digitales inusuales en el jazz. 

Sufrió contínuos problemas de drogas desde mediados de los 60 hasta su fallecimiento en 1984. El día 12 de Agosto de ese mismo año, su cuerpo fue encontrado en la piscina de su complejo residencial de Los Angeles, California. El informe del forense indicaba estrangulación y las principales sospechas recayeron sobre su esposa, pero el caso fue archivado y quedó sin resolver.

Os dejo un documental realizado por su hija acerca de éste genio canadiense de la guitarra.

Tal Farlow

Tal Farlow

El guitarrista, Tal Farlow, se inició en el jazz fascinado por la figura y la forma de tocar del gran Charlie Christian. Su carrera profesional la inició en 1948 cuando se incorporó a la banda de Marjorie Hyams y desde entonces hasta el final de su vida fue considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del jazz. Entre 1949 y 1953, formó parte del trío de Red Norvo. Cuando se despidió de Norvo, estuvo durante seis meses con la orquesta de Artie Shaw.

Con un prestigio ya consolidado y con una reputación musical importante, Tal Farlow, inicia en 1953 su larga, prolija y extraordinaria carrera como líder de su propio grupo comenzando muy pronto en ese mismo año su debut discográfico con el álbum grabado para Blue Note titulado genéricamente "Tal Farlow Quartet". Fue su primer y único disco para Blue Note. El año siguiente firmaría un contrato con la Verve donde grabaría lo mas selecto de su discografía destacando por encima de todos el magnifico álbum: "Autumn in New York". Sólo por su versión de "Cherokee" ya vale la pena hacerse con este álbum donde Chico Hamilton a la batería y Ray Brown, al contrabajo contribuyen notablemente al éxito de la sesión de grabación.

Poseedor de una técnica irreprochable, una alucinante velocidad de digitación y sobre todo un fraseo imparable y rebosante de swing, Tal Farlow, es un guitarrista desconocido para el gran publico. Oscurecido por la larga sombra de Charlie Christian y Django Reinhardt, Tal Farlow es una de las figuras del jazz que es necesario redescubrir para disfrute de una música absolutamente maravillosa. También su carrera, llena de apariciones y deserciones continuas, no contribuyó demasiado a que los aficionados al jazz vieran en él a un músico a seguir. Hoy afortunadamente, sus álbumes están siendo reeditados con notable acierto por el sello Verve. Tal Farlow, murió a la edad de 77 años víctima del cáncer.

Herb Ellis

Mitchell Herbert (Herb) Ellis (n. el 4 de agosto de 1921, Farmersville, Texas - m. el 28 de marzo de 2010, Los Ángeles, California) fue un guitarrista estadounidense de jazz.

Ellis saltó a la fama tras tocar con el Oscar Peterson Trio entre 1953 y 1958. En ocasiones, fue un miembro controvertido del mismo por ser su único músico de raza blanca, en una época en que el racismo estaba extendido.
Antes de trabajar con Glen Gray y la Casa Loma Orchestra, Jimmy Dorsey y Soft Winds, estuvo de gira con Jazz at the Philharmonic mientras perteneció al trío de Peterson.
Tras abandonar el grupo, viajó y grabó con un amplio espectro de músicos, y grabó también sus propias sesiones. Trabajó en giras con Charlie Byrd y Barney Kessel como the Great Guitars. Estuvo también trabajando en el espectáculo de Steve Allen, en el que se interpretaba a grandes compositores de jazz, tanto por parte del Kessel como de la orquesta del espectáculo, la Donn Trenner Orchestra, en la que trabajaban músicos como Ellis y el trombonista Frank Rosolino.

Steaps Ahead

Steps Ahead es un supergrupo de Jazz fusión norteamericano, formado originalmente en 1979 bajo el nombre de Steps por Michael Brecker (saxo), Don Grolnick (piano), Mike Manieri (vibráfono), Eddie Gomez (contrabajo), Peter Erskine (batería).

Formado inicialmente en 1979 bajo el liderazgo del vibrafonista Mike Manieri y con el nombre de Steps, la banda había editado su primer álbum titulado Step by Step en 1980, cosechando una excelente crítica. 

Dos años más tarde editan Paradox, un disco en la misma línea que el anterior y en el que el batería de Weather Report Peter Erskine reemplazaba a Steve Gadd. Ese mismo año, y con la misma formación saldría al mercado Smokin' in the Pit, un trabajo grabado en directo en Tokyo que fue calificado como uno de los mejores álbumes de la historia del jazz.

En 1983 el grupo cambia de nombre por problemas de copyright y edita Steps Ahead, un disco que contaba con la participación de la pianista brasileña Eliane Elias, en aquel entonces toda una desconocida. 

En 1984 ve la luz Modern Times un disco de raíz electrónica con el que Mainieri intentaba adaptarse al sonido de los nuevos tiempos. En el álbum se incorporaban todo tipo de teclados, samples, baterías programadas, técnicas de estudio, así como el original Chapman Stick , ejecutado por Tony Levin. Magnetic de 1986 continuaba la idea, con un Michael Brecker haciendo un sorprendente uso de su controlador de viento EWI; ese disco iba a ser la última grabación en estudio que el gran saxofonista realizaría con la banda.

En 1986 sale a la luz Live in Tokyo 1986, un disco que presentaba a tres nuevos miembros de la sección rítmica (Mike Stern (guitarra), Darryl Jones (bajo) y Steve Smith (batería)) pero que no obtuvo un gran éxito de crítica. 

A partir de ese momento la banda bajaría ligeramente el listón, tanto en número de grabaciones como en su calidad. Nuevos integrantes van pasando por los estudios de grabación para cada disco, y de entre los integrantes originales permanece únicamente Mainieri. Actualmente los miembros de Steps Ahead se siguen reuniendo esporádicamente para aparecer en los escenarios de los mejores festivales de jazz del mundo con su peculiar combinación de jazz, R&B, rock, y fusion. 

La formación de 2007 estaba integrada por Mainieri (vibráfono), Bill Evans (saxo tenor), Bryan Baker (guitarra), Anthony Jackson (batería) o Etienne Mbappe, y Steve Smith.

Os dejo un vídeo del tema "In a Sentimental Mood"